Die Faszination der Farbe, um das Licht und das Übersinnliche zu entdecken. Die Malerei von Maurizio Faleni

Wenn Sie ein Motiv für Ihr Kunstwerk finden wollen, schauen Sie sich einen Fleck an der Wand an. Dies war der Vorschlag, den Leonardo da Vinci in seiner Abhandlung über die Malerei jungen Künstlern gab: Das Beispiel stammte von einem seiner Freunde, einem gewissen Sandro Botticelli, dem es, wie da Vinci versicherte, genügte, “einen Schwamm voller verschiedener Farben” gegen eine Wand zu werfen, um in dem Abdruck, den der Schwamm hinterließ, “verschiedene Erfindungen dessen, was der Mensch darin suchen will, das heißt Menschenköpfe, verschiedene Tiere, Schlachten, Felsen, Meere, Wolken und Wälder und andere ähnliche Dinge” zu sehen. Dies ist ein ähnlicher Ansatz, der die jüngste Produktion von Maurizio Faleni, einem toskanischen Maler, der seit mindestens fünfzehn Jahren intensiv mit Farben experimentiert und eine der konstantesten, entschlossensten und bewusstesten abstrakten Forschungen vorschlägt, die die zeitgenössische italienische Kunst ihrem Publikum bietet, geleitet hat und weiterhin leitet. Konstant, weil es sich um eine Forschung handelt, die seit langem keine Ablenkungen kennt: Sie hat Variationen, Neuerungen, Richtungswechsel und Wiederkehrer erlebt, aber nie ihr Ziel aus den Augen verloren, nie den Blick von der tiefgründigen Erforschung der Farbe abgewendet. Die Entschlossenheit des Werks von Faleni fällt mit seiner Stärke zusammen und tritt in ihrer ganzen Energie deutlich hervor, sobald dieser Künstler über seine Werke zu sprechen beginnt und man erkennt, dass seine Forschung in erster Linie eine persönliche Angelegenheit ist, sie ist der Grund für einen kohärenten künstlerischen Weg, der nicht dem Geschmack eines Galeristen oder, schlimmer noch, dem vorherrschenden Geschmack unterliegt. Wenn sein Werk dann die Herzen der Betrachter berührt, ist das gut, aber in erster Linie ist es eine Notwendigkeit für den Künstler, ein Impuls, der aus seiner Geisteshaltung, seinem Unbewussten, seinen Erinnerungen kommt. Falenis Werk, so könnte man sagen, um den Titel eines kürzlich erschienenen Buches von Roberto Floreani zu paraphrasieren, ist eine Form des Widerstands: “in der Abstraktion”, so lesen wir auf den ersten Seiten, “wird [...[...] unverzichtbar ist ein persönlicher Anspruch auf Zugehörigkeit, auf Teilhabe an den Prinzipien und Zielen, die der Abstraktion innewohnen, einer Ausdruckssphäre, die auf die Analyse, auf die innere Forschung ausgerichtet ist [...], die durch ihre intime Natur dem höchsten Index der Freiheit gewidmet ist und sich ohne Vorbehalt in die Gegenwart des Betrachters und seiner Intimität begibt”. In der Gegenwart des Betrachters, aber in der Überzeugung, dass die Kunst auf eine intellektuelle Dimension ausgerichtet sein muss, in dem Wissen, dass die Idee eines einzigen, universellen Publikums unbegründet, wenn nicht sogar “negativ” ist, wie Peter Halley es definierte.

Um sich dieses Bewusstseins von Maurizio Faleni bewusst zu werden, genügt es, sein Atelier im Zentrum von Livorno zu betreten, in einer Villa aus dem 19. Jahrhundert, die einst der Familie Rodocanacchi gehörte und heute vollständig von Künstlerateliers belegt ist, einem melancholischen Fragment der Bohème, das vom Bauwesen verschlungen wird.Jahrhundert, das heute vollständig mit Künstlerateliers belegt ist, ein melancholisches Bohème-Fragment, das von der Bauspekulation verschluckt wurde, ein seltenes überlebendes Fragment jener fruchtbaren und leidenschaftlichen Gemeinschaft, die man sich vorstellt, wenn man die Geschichten der Macchiaioli oder des Caffè Bardi oder der Gruppo Labronico liest, ein einzigartiges Atom des künstlerischen Livorno der Vergangenheit, das noch überlebt hat. Das Betreten des Ateliers von Maurizio Faleni ist ein Erlebnis: Es fühlt sich an, als würde man die Schwelle zur Werkstatt eines Alchemisten überschreiten. Auf einem Tisch steht eine lange Reihe von Gläsern voller Farben, jedes mit einem eigenen Etikett: “Giallo Delta”, “Grigio Wolf”, “Verde Mozart”, “Rosso Rubens”, “Arancio Calabria”. Dies sind einige der Namen, die Faleni seinen Mischungen gegeben hat, die er nach tagelanger intensiver Arbeit an den Pigmenten perfektioniert, um die richtigen Töne zu finden, auf der Suche nach der Dichte, der Intensität und der Fließfähigkeit, die am besten zu der Idee passen, die dem Künstler vorschwebt, und die gut zu den dünnen undurchsichtigen Aluminiumblechen passen, die seit einiger Zeit die Oberflächen für seine Farben sind. Auch aus einem symbolischen Grund: Aluminium ist bekanntlich ein Material, das unendlich oft recycelt werden kann. Und so will Faleni dem Publikum seine Vorstellung von Kunst vermitteln, nämlich dass sie ewig ist. Solange es Menschen auf der Welt gibt, wird es auch Kunst geben, denn das Bedürfnis, sich durch Kunst auszudrücken, wird nie aufhören.

Maurizio Faleni,technik auf

Maurizio Faleni,(Mischtechnik auf

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Maurizio Faleni antwortet auf dieses Bedürfnis mit Farbe. Für ihn ist die Farbe alles oder fast alles, sie spielt eine herausragende Rolle in seinen Werken, die das Licht durch die Farbe enthüllen, die Bereiche unseres Gehirns berühren, die abstrakte Bilder verarbeiten, und uns durch die Farbe dazu bringen, die Schönheit wahrzunehmen, die als “jene Dimension verstanden wird, die das Sinnliche mit dem Übersinnlichen verbindet”, von der Umberto Galimberti spricht (“wenn man ein Bild betrachtet und von ihm verzaubert ist, bezieht sich das, was dieses Bild darstellt, nicht nur auf die Sinne, sondern auch auf die Sinne”). Das, was das Bild darstellt, verweist nicht nur auf sich selbst zurück, sondern verweist auf eine Jenseitigkeit der Bedeutung"). Das Sinnliche berühren, um das Übersinnliche zu erreichen: auch das ist eines der konkretesten Ergebnisse von Falenis Kunst. In diesem Sinne kam der Impuls für die Farbe, wie er mir erzählt, von seiner Begegnung mit Mark Rothko, die sich 2007 vertiefte, als der Palazzo delle Esposizioni in Rom ihm eine der am sehnlichsten erwarteten Ausstellungen der Saison widmete. Mehr als die metaphysische Intimität von Rothkos Gemälden, mehr als die fast spirituelle Lyrik seiner Bilder, faszinierte Faleni jedoch die Sensibilität, die der große abstrakte Expressionist für die Farbe zeigte. Es ist bekannt, dass Rothko ein eher zwiespältiges Verhältnis zur Farbe hatte, da er einerseits nach größtmöglicher Freiheit strebte und versuchte, seine Vorstellungskraft nicht irgendwelchen Zwängen zu unterwerfen, andererseits aber bei der Durchführung seiner Experimente einen äußerst methodischen Ansatz verfolgte. Die Kunsthistorikerin Dore Ashton schreibt in ihrem Buch About Rothko, das zu einer der wichtigsten Quellen für das Studium des Werks des amerikanischen Künstlers geworden ist, dass “Rothko sich immer bewusst war, dass seine Mittel seiner Vision unterlegen waren, weil seine Mittel materiell waren”. Die Vision von Faleni ist weniger tragisch als die von Rothko, denn bei Faleni scheinen Mensch und Natur eine Form von Harmonie zu finden, aber das Bewusstsein, das seinem Werk zugrunde liegt, ist dasselbe. Die gleiche, umhüllende und tiefe Verführung des Lichts geht von seinen Werken aus: Die Farbe ist das Medium, mit dem Faleni versucht, eine Spur davon zu bewahren, da er erkennt, dass es unmöglich ist, es einzufangen. Die chromatische Synthese, die er mit seinen Werken anstrebt, soll einerseits rein und klar sein, um das Potenzial der Farbe zum Ausdruck zu bringen, und andererseits fließend und transparent, um sich dem Licht zuzuwenden, um das Licht zu entdecken. Manche mögen daher Ähnlichkeiten zwischen der Kunst von Maurizio Faleni und der von Claudio Olivieri sehen. Wenn diese beiden Künstler auch eine poetische und lyrische Qualität der Farbe zu teilen scheinen, so trennt sie doch ein wesentlicher Unterschied: Olivieri tendierte immer zum Unendlichen und versuchte, das Unsichtbare zu zeigen, während sich die Kunst von Faleni einer Dimension öffnet, die entschieden immanenter erscheint. Und dann entstehen Falenis Kunstwerke aus der Begegnung zwischen dem Zufall und der Freiheit des Künstlers, der beschließt, mit seiner Geste in diesen Zufall einzugreifen, was jedoch innerhalb eines Schemas geschieht, das der Künstler nach seinen eigenen Regeln geschaffen hat, das aber dennoch den Gesetzen der Natur und der Physik unterliegt. Wer will, kann in den Werken Falenis auch eine Metapher für die Existenz selbst lesen.

Man könnte dann eine Parallele zur Kunst von Paul Jenkins ziehen, einem anderen Maler, mit dem die Kunst des Leghorn-Künstlers verglichen werden kann, der der Kunst des Malers aus Kansas City nahe steht, was die Haltung betrifft, die eher für den Phänomenalisten als für den Expressionisten typisch ist, was die Aufmerksamkeit für die natürlichen Gegebenheiten betrifft (Faleni lässt sich oft von den Farben inspirieren, die er in der Natur sieht: Ein von der Sonne beschienener Rosengarten ist für ihn eine der kraftvollsten und abstraktesten Situationen, die man bewundern kann), für die gestische Ausdruckskraft, die versucht, die Farbe zu lenken, ohne sie zu zügeln oder einzuschränken, für die Absicht, einen Zustand des Seins zu manifestieren und durch die Farbe Empfindungen zum Ausdruck zu bringen, die sonst unaussprechlich wären. Und das, obwohl es in Falenis Laufbahn auch “figurative” Momente gab, wie er sie nennt: jetzt aber hat seine Malerei eine ganz andere Richtung eingeschlagen. Faleni versucht, alle Elemente zu vermeiden, die seine Malerei zu anschaulich machen könnten. Das Publikum kann also in seinen Farbschemata sehen, was seine Gefühle vermuten lassen: Es kommt nicht selten vor, dass bei einer seiner Ausstellungen jemand auf den Künstler zugeht, um ihn an dem teilhaben zu lassen, was er auf dem Bild sieht. Und auch das ist eine Errungenschaft: denn die Abstraktion ist für Faleni auch eine Art und Weise, jedem das Gleiche zu sagen (mit außerordentlicher Konkretheit, möchte man hinzufügen, auch wenn es paradox erscheinen mag, wenn man an sein Werk denkt), was Leonardo da Vinci zu sagen pflegte, nämlich dass alle Malerei von einem Fleck ausgeht.

Vielleicht versteht es sich von selbst, dass es einer sehr starken Disziplin bedarf, um die Ergebnisse des Leghorn-Künstlers zu erzielen, und dass solide praktische Kenntnisse sowie Kenntnisse der Farbtheorie und der Kunstgeschichte unerlässlich sind. Falenis “Flecken” durchqueren die Jahrhunderte der Kunst rückwärts: Sie gehen durch die gesamte Geschichte der Macchiaioli, steigen die gewundenen und lebhaften Linien des Barocks hinauf und gelangen zu Rosso Fiorentino, einem anderen Maler, den Faleni mit großem Interesse wegen der schimmernden und halluzinierten Qualität seiner Farben beobachtet, und dann zurück bis zu Masaccio, bis zu Beato Angelico, bis zu Giotto. Meister der Farbe", könnte man sagen, in Anlehnung an den Titel einer bekannten redaktionellen Initiative der Vergangenheit, und das sind sie offensichtlich für Maurizio Faleni, denn die Farbe fasziniert ihn viel mehr als die erzählte Tatsache oder die Komposition, Elemente, die er immer als stark den zufälligen Umständen untergeordnet betrachtet, sei es die Epoche oder, banaler, der Wunsch eines Kunden. Faleni strebt nach einem Höchstmaß an geistiger Freiheit, die sich im Prozess der Ausführung seiner Gemälde ausdrückt und sich in seinen farbigen Visionen konkretisiert. Nach den vorbereitenden Studien, die Faleni auf dem Papier durchführt, um die besten Kombinationen zu finden und um zu sehen, wie die Farbe durch die Veränderung des Zustands reagiert, ist der Ausgangspunkt immer ein vom Künstler frei gewählter Punkt auf der Metalloberfläche, dann wird die Farbe in der richtigen Dosierung aufgetragen, um die Abstufungen zu erhalten, die ihm vorschweben. Dann kommt der Wettbewerb des Zufalls: Die Farbe breitet sich autonom aus, um die Oberfläche zu bedecken, wenn der Künstler beschließt, dass sein Eingriff beendet ist, wobei er sich jedoch das Recht vorbehält, selbst mit einer Geste einzugreifen, um die Bewegung zu kontrollieren, und sei es nur, um sein Bedürfnis zu bekräftigen, angesichts des Zufalls zu versuchen, mitzureden. Wenn alles still steht, lässt man die Farbe trocknen, auch hier mit der gebotenen Vorsicht, denn die Zeiten sind unterschiedlich (der sichtbare Teil trocknet zuerst, aber der Teil, der mit der Oberfläche in Berührung kommt, kann viele Tage lang in Bewegung bleiben). Ein letzter Gang durch die Werkstatt, um die endgültige Farbe mit industriellen Produkten aufzutragen (und so den monochromen Gemälden das glänzende und spiegelnde Aussehen zu verleihen, mit dem sie sich den Augen des Betrachters präsentieren), und das Werk kann als fertig bezeichnet werden.

Dasvon Maurizio Faleni

Das Atelier von

In den letzten Jahren, in denen die Covid-Pandemie in der Welt wütete, verspürte Maurizio Faleni das Bedürfnis, einen anderen Weg einzuschlagen und über das hinauszugehen, was er seine “monochromatische Phase” nennt, um einen vielleicht noch komplexeren Weg einzuschlagen, der die Verwendung und Kombination verschiedener Farben beinhaltet. Das Ergebnis ist eine Serie von bichromatischen und polychromatischen Gemälden, denen der Künstler den Titel Osmose gegeben hat, wahrscheinlich um den Sinn eines Übergangs, einer gegenseitigen Integration, einer Verschmelzung zwischen verschiedenen Tönen, einer Durchdringung zu verdeutlichen. In einem Interview mit Gabriele Landi in Parola d’artista definiert Maurizio Faleni seine “Osmose” wie folgt: “Ein Prozess des Austauschs, des kontinuierlichen Flusses zwischen verschiedenen Lösungen, der Ausgangspunkt für die Verwirklichung eines neuen Weges. Farben, die sich treffen und neue Farben, neue Emotionen hervorbringen. Der Betrachter kann das Unkontrollierbare nicht kontrollieren, er muss sich nur auf die Farbdynamik einlassen und eine neue Erfahrung machen. Ein scheinbar abstraktes Gemälde, ein Gemälde, das sich in eine figurative Vision verwandelt oder andersherum. Vielleicht eine neue Malerei”. Der Impuls, der Faleni zu diesen neuen Untersuchungen bewegte, kam fast plötzlich und unerwartet. “Meine gesamte Arbeit”, erklärt er, “erfordert höchste Konzentration. Während der Arbeitsphase arbeitet mein Gehirn unaufhörlich, bis ich beschließe, aufzuhören. Die psychophysischen Energien sind auf Null gestellt. Die Neuronen haben ihre Synapsen maximiert. Meine Augen brennen. Die Muskeln werden durch Zwangshaltungen belastet. Nachts, im erholsamen Schlaf, gebiert mein Unbewusstes neue Ideen, neue Herausforderungen. Alle Barrieren brechen weg und ein neuer Weg beginnt. Ich stelle mich also mit Vernunft und Überzeugung auf und beginne die neue Phase”. So sind auch seine jüngsten Werke entstanden, aus einer fast plötzlichen und unüberlegten Idee heraus. Zwei oder drei Farben kommen auf der Oberfläche zusammen, die die regelmäßigen Formen beibehält, an denen Faleni schon immer gearbeitet hat: In letzter Zeit scheint er eine Vorliebe für das Runde entwickelt zu haben, das Format, an dem er am häufigsten gearbeitet hat, ist das Rechteck, aber in der Vergangenheit hat er auch mit dem Quadrat, dem Dreieck und Kreuzen experimentiert. Die neuen Arbeiten von Faleni sind chromatische Harmonien, sie sind hypnotische Tänze, sie sind wie Symphonien verschiedener Farben, die sich annähern und entfernen, sich finden und verlieren, spielen, sich vermischen, sich frei auf dem Aluminium bewegenSie öffnen sich in Transparenzen und verblassen, verdichten sich manchmal zu dichteren Clustern, bis sie sich fast aufheben, verdünnen sich manchmal, bis die Oberfläche sichtbar wird (was bei den Monochromen nicht der Fall war): Der Wunsch, das Aluminium zu zeigen, entspringt nicht nur dem Wunsch, deutlich zu machen, dass die Malerei auch ein Balanceakt zwischen Festkörpern und Leerräumen ist, sondern auch der Idee, wie oben erwähnt, die ewige Natur der Malerei zu verdeutlichen, die Fähigkeit der Kunst, eine unverzichtbare Kraft zu sein, die das Denken und Handeln der Menschen bewegt.

In diesen polychromen Werken kann man die fließende Energie des Wassers sehen, manche werden Vorhänge aus verwirrtem Rauch sehen, andere werden Teile des menschlichen Körpers, Landschaften, Wälder, Pflanzen, Tiere, die verschiedensten Naturelemente wahrnehmen. In einem synästhetischen Rausch kann man fast den Duft von Blumen, der Landschaft, des Meeres riechen. Die Empfindungen, die man beim Betrachten dieser Gemälde hat, unterscheiden sich auch deshalb von denen, die durch die Monochrome hervorgerufen werden, weil Faleni im Gegensatz zu letzteren beschlossen hat, die neuen Werke mit undurchsichtigen Schutzschichten zu überziehen, die alle Reflexionseffekte beseitigen und dem Gemälde den Anschein eines festgehaltenen Augenblicks verleihen, der jedoch so aussieht, als könnte er sich jeden Moment wieder bewegen. Und wenn die monochromen Bilder intimere, meditative, wenn nicht gar sakrale Dimensionen eröffnen und ein Gefühl des Wartens und der Stille suggerieren, so erscheinen die polychromen Gemälde dagegen wie bewegte Bilder (und vermitteln genau dieses Gefühl der Bewegung mit großer Wirksamkeit), die die Idee eines fließenden Stroms, eines sich ständig verändernden und bewegenden Lebens, der vielen Ereignisse, die unser tägliches Leben durchziehen, vermitteln. Transzendenz und Immanenz. Geist und Materie. Konzentration und Ablenkung. Die undefinierbare Ferne der Farbe und die Nähe einer Begegnung.

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Maurizio Faleni, Osmose(Mischtechnik auf Aluminium, 50 x

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In einem Punkt kann man sich jedoch sicher sein: Die polychromen Gemälde sind Werke, die eine starke Anziehungskraft haben. Als Maurizio Faleni mit mir über seine Werke spricht, erwähnt er Otto Rank, den österreichischen Philosophen und Psychoanalytiker, der ein Anhänger Freuds war, bevor er sich von dem Meister löste und einen völlig unabhängigen Weg einschlug: Im Jahr 1907, als er erst dreiundzwanzig Jahre alt war, schrieb er ein Buch mit dem Titel " Der Künstler “, zu dem er fünfundzwanzig Jahre später zurückkehrte und eine erweiterte, überarbeitete und aktualisierte Version veröffentlichte, die seine Überlegungen nicht nur auf den Künstler, sondern auch auf die Kunst selbst ausdehnte. Es ist interessant festzustellen, dass Rank in den frühesten Kunstformen, den prähistorischen, die Notwendigkeit erkannte, ”eine abstrakte Idee der Seele“ darzustellen: Dieser Impuls zur Abstraktion, schreibt Rank, ”verdankt seinen Ursprung dem Glauben an die Unsterblichkeit, der den Begriff der Seele hervorbrachte und auch die Kunst hervorbrachte, die denselben Zwecken diente und später über die reine Abstraktion hinaus zur Vergegenständlichung und Konkretisierung des vorherrschenden Begriffs der Seele führte“. Der Hauptzweck der Kunst sei also, so Rank, dem Unsichtbaren Form zu geben. In diesem ”Unsichtbaren“ steckt auch die Dimension des Gedächtnisses, des Erinnerns, der Kindheitserinnerungen: Hier setzt die neue Forschung von Faleni an. Die Erscheinung der Abstraktion lebt in den Spuren der Realität. Wenn er über seine Werke spricht, bezeichnet er sich selbst als ”Bildtrinker“: Die Bilder, von denen er sich ernährt, kehren in seiner Kunst in Form von Farbverflechtungen, oder ”imparentamenti", wie er sie nennt, wieder.

Was Maurizio Faleni heute in seinem Atelier wenige hundert Meter vom Meer entfernt in Livorno macht, ist im Grunde nichts anderes als das, was die Macchiaioli, die Post-Macchiaioli, die Stammgäste des Caffè Bardi und die Animateure der Gruppo Labronico in seiner Stadt jahrzehntelang gemacht haben und immer noch machen. Kurz gesagt, die vielen Generationen von Künstlern, die die salzige, schwere Luft dieser wunderbaren Stadt einatmeten und sich von dem klaren, kristallklaren, vollen und blendenden Licht eines Livorno mitreißen ließen, das selbst im tiefsten Winter vor Licht, Sonne und Leben strotzte. Das heißt, sie übersetzen Bilder in Farben, indem sie versuchen, die Form des Lichts zu finden. Die Macchiaioli, die Faleni als gebürtiger Livornoer eingehend studiert hat und kennt (der beste ist für ihn Cristiano Banti, weil er als erster die Revolution der Macchia erkannt hat), haben dies getan, indem sie auf die Figur zurückgriffen, während er im Gegensatz dazu auf abstrakten Wegen vorgeht, aber der Geist ist derselbe. Maurizio Faleni scheint also der Hüter einer Tradition zu sein, ein Künstler, der die von seinen Landsleuten im Laufe der Jahrhunderte eingeschlagenen Wege der Farbe weiter erforscht und versucht, seinen eigenen Weg zu öffnen, indem er seinen Blick auf die Erfahrungen derjenigen erweitert, die die Farbe erforscht haben, um die Faszination und das Potenzial der Farbe mit originellen Ergebnissen in einer außergewöhnlichen Kombination von Techniken, Kenntnissen, Bewusstsein, Motivationen, Zielen und Ergebnissen hervorzuheben. Der Weg zum Licht: eine Herausforderung an den Grenzen des Möglichen. Und gerade deshalb ein lohnenswertes Engagement.

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