Der Performer ist kein Schauspieler, er ist derjenige, der Handlungen ausführt". Gespräch mit Angelo Pretolani

Angelo Pretolani (Genua, 1953) ist einer der Pioniere der italienischen Performance. Seine erste Performance, Minotauro,stammt aus dem Jahr 1973 , mit der er die Fassungslosigkeit der Menschen angesichts des oft unkontrollierten Wachstums der Städte anprangerte. Seitdem hat sich Pretolani in zahlreichen Performances geäußert (eine davon läuft seit zehn Jahren ununterbrochen auf Facebook, um das Potenzial sozialer Netzwerke zu erkunden), aber auch in Malerei, Fotografie, Poesie und Theater. Er hat in zahlreichen Galerien und Museen ausgestellt. In diesem Gespräch mit Gabriele Landi spricht er über sich selbst.

GL. Hallo Angelo, bei dir zeigen sich oft schon in der Kindheit erste Anzeichen einer Veranlagung für Kunst, war das bei dir auch so? Kannst du uns davon erzählen?

AP. Ich antworte, indem ich aus einer meiner Performances aus “Under the pavement...” “fische”: Freitag, 7. September 2018 - Angelo reibt sich ein Lorbeerblatt auf die Stirn, wiederholt. Vor ein paar Nächten tauchte plötzlich eine Erinnerung aus seiner Kindheit in seinem Kopf auf... eines Tages kaufte ihm seine Mutter auf dem Markt ein kleines Kaleidoskop; vielleicht hat alles damit angefangen. Aspiratio numinis. Was meine Kindheit betrifft, so verdeutlichen zwei andere Ekphrasen recht gut, was geschehen ist: Freitag, 13. Februar 2015 - Angelo träumte als Kind von keinem Leben, er glaubte, kein Recht darauf zu haben; er ordnet zwei Lorbeerblätter nebeneinander an, dicht nebeneinander, wie die entfalteten Flügel eines abwesenden Körpers. Er lächelt, vor einer weißen Wand; er zieht ein Taschentuch aus der Tasche, fuchtelt damit in der Luft, als wolle er sich von jemandem verabschieden, der geht - er fährt fort, seine pleonastischen Welten zu zeichnen, nachts, vor allem in seinem Bauch (und es gibt diejenigen, die in diesen Zeichnungen ihre eigenen Obsessionen sehen). Er hört eine Glocke aus dem Off, die oft bimmelt - es gibt Zeiten, in denen die einzige Chance auf Rettung der Schlaf ist... es gibt Geschichten, die noch geschrieben werden müssen... es gibt sie. Freitag, 10. April 2015 - Angelo seufzt, verzieht die Lippen zu einer verhaltensauffälligen Grimasse. Er parfümiert seine Hände, indem er sie an einem Lorbeerblatt reibt; er lächelt, flüstert, ich bin des Neugierigen müde - das Vertrauen in die Vielheit hat immer Täuschung gekostet. Weil er es immer bewusst vernachlässigt hat, wird er jetzt anfangen müssen, das Wetter zu beobachten, nicht das Wetter und nicht in sozialer, sondern in physischer Hinsicht. Als Kind hat er kein Zugehörigkeitsgefühl zu Orten entwickelt, wo man ihn hinsetzte, blieb er, jetzt passt er nirgends hin.

Gab es Begegnungen mit Menschen, Orten, Objekten, die Ihren Zugang zur Kunst begünstigt haben?

Ich denke... wahrscheinlich zwei Filme... 1966, Michelangelo Antonionis Blow up und 1970 Performance von Donald Cammell und Nicolas Roeg. Eher ersterer als letzterer... An Blow up erinnerte ich mich auch vor ein paar Jahren in einer Aktion “Under the pavement...”. Freitag, 3. Oktober 2014 / h 8.21 Uhr - Angelo schlendert durch den Parmenides-Wald; er lächelt am Freitag, lächelt, ja, er hat aus Antonionis Blow up, in der Klimax, die der Film ausstrahlt, mehr gelernt als aus all dem Kunstgeschichtsunterricht, den er danach in der Schule hatte. Auch er spielt gelegentlich ohne Ball, auch wenn er es nicht merkt. Er flüstert, das Unbewusste ist kein Akt des Willens.

Ich wollte Sie zu Gian Franco Fasce befragen, wie war Ihr Verhältnis zu ihm?

Mit Gianfranco Fasce gab es eine Beziehung der Wertschätzung und des gegenseitigen Respekts, sehr intensiv, gewiss, aber er war nicht mein Maestro, wenn Sie das wissen wollen. Ich habe keinen Maestro, auf den ich verweisen könnte, obwohl Flaminio Gualdoni in der Präsentation im Katalog zu meiner Einzelausstellung in der Galleria Spazia (Bologna, 1995) schrieb, dass Gianfranco Fasce der Maestro des jungen Pretolani war. Wie ich Ihnen bereits anlässlich Ihres Primo amore [Anm. d. Red.: Parola d’artista, Primo amore, 24. Oktober 2020] gesagt habe: “Interessiert an einer anderen Dimension des Kunstmachens, habe ich mich immer mehr umgesehen als zurückgeschaut; ich habe es schon bei anderen Gelegenheiten gesagt, ich habe die Kunstgeschichte im Laufe der Zeit gelernt, da ich es für wichtiger hielt, zu fühlen als zu verstehen oder zu wissen. [...] Ich erinnere mich, dass mir einmal beim Mittagessen im Haus von Rosanna Chiessi, als alle Bob Watts als Maestro ansprachen, mein Freund und Künstler Augusto Concato unter dem Tisch ein Stück Papier reichte, auf dem er geschrieben hatte: ’Ich bin mein eigener Maestro’”. So. Dieser Antwort kann ich, um sie ’vollständiger’ zu machen, die Ekphrasis meines Auftritts unter dem Pflaster am Freitag, den 16. August 2019, hinzufügen, die ich auf Facebook mit einem begleitenden Bild gepostet habe: Freitag, 16. August 2019: Angelo comporta; slow marcher, ’unraveller’ of inincidental acts. Der erste, der an ihn glaubte, war der Maler Gianfranco Fasce, großes Verständnis, eine Beziehung, die auf Phantasie beruhte. Niemals gesättigt, beide fasziniert von dem Unzulässigen.

Angelo Pretolani,Aufführung

Angelo Pretolani,, GenuaAufführung

Angelo Pretolani,

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Hat Ihr Weg mit der Malerei begonnen?

Ursprünglich, aber für einen sehr kurzen Zeitraum, habe ich bereits mit 20 Jahren in der Performance gearbeitet (wie meine Teilnahme an der X Quadriennale 1975 mit Werken von 1973 beweist)... aber dann bin ich Mitte der 1980er Jahre wieder dazu zurückgekehrt, aber immer mit performativen Absichten... In dem Text, den Flaminio Gualdoni für meine Einzelausstellung in der Galerie Spazia in Bologna geschrieben hat, heißt es: "Die Bedeutung des Studiums und des Sammelns von Pilzen im Werk von John Cage wird nie richtig gewürdigt [...] Pretolani, der für sich einen völlig marginalen Weg wählte, eine Art kleinen Sinnespfad, beschloss, ähnliche Wälder aufzusuchen [...] Er sammelte Holzstücke, Äste, Wurzeln: Fetzen, die zusammengenommen unecht sind, weil aus dem Lauf der natürlichen Notwendigkeit ausgestoßen [...] Diese Materialien übertrug Pretolani in sein Atelier. [...] Die verdrehten Äste, kombiniert mit elementarem Einfallsreichtum - dem des Herstellers von Zelten, Kanus, Trommeln... - werden zum Skelett und Kern, auf den die Leinwand des Gemäldes gespannt wird, das einen gebrochenen und unregelmäßigen Verlauf annimmt, fast so, als wolle er eine objektive Möglichkeit der Malform durch nicht-methodische Mittel neu definieren. Ich möchte noch einen Gedanken von Fabio Mauri hinzufügen: “Für mich hat sich der Performer jedoch nie von der Malerei entfernt, auch wenn er keine Bilder macht. Mit einer stark bezeichnenden Vorstellungskraft, die über den engen Raum des Bildes hinausgeht, hat der Maler versucht, mit der Vielzahl der Pakte der Existenz zu konkurrieren”.

Wie kommen Sie zur Performance und welche Bedeutung hat der rituelle Aspekt in Ihrer Arbeit?

Wie ich schon bei anderen Gelegenheiten gesagt habe, bin ich in den Jahren des so genannten Post-Achtundsechziger-Jugendprotests “aufgewachsen”... es war die Zeit der Phantasie an der Macht, der Utopie, des psychedelischen Rocks. Es war eine existenzielle Revolte, und in diesem Umfeld entstanden meine ersten Auftritte. Das war 1973. Von den verschiedenen Ausdrucksmöglichkeiten schien mir die Performance sofort die geeignetste für mein situatives Empfinden zu sein. Was die Beziehung zwischen Ritual und Performance betrifft... würde ich sagen, dass Ritualität fast eine indirekte und unwillkürliche Tatsache ist, die nicht angestrebt wird, in dem Sinne, dass man im Moment der Aktion Handlungen vollzieht, die man, um die Dinge zu vereinfachen, als Rituale erkennen kann, die aber keine Identität voraussetzen... deshalb sage ich gerne, dass der Performer ein Aktant und kein Schauspieler ist, er ist derjenige, der Handlungen vollzieht... existentielle Handlungen. Ritualität setzt Regeln voraus und hat daher mehr mit Theater als mit Performance zu tun. Zum Thema Ritualität möchte ich auch daran erinnern, was Cristina Palmieri geschrieben hat: “... Angelo Pretolanis Gesten sind eigentlich keine reinen ’Signifikanten’. Oder besser gesagt, sie können es sein, wenn wir sie im Lacanschen Sinne verstehen, als Ausdruck einer instinktiven Ritualität, durch die das Unbewusste mit uns kommuniziert und zu uns spricht. Ihre Ergreifung geht also über den scheinbaren Minimalismus, der sie zu charakterisieren scheint, hinaus”.

Haben Sie bei Ihren Performances immer nur Sie selbst als Darsteller gespielt?

Meistens ja, aber bei einigen Gelegenheiten war es notwendig, sich einer anderen Figur zu bedienen", wie zum Beispiel bei der Performance Spirit in the sky", die für die von Maria Campitelli kuratierte Ausstellung Imagerie Arty Fashion “ (Triest, 2003) realisiert wurde, wo eine weibliche Präsenz notwendig war und ich ein Modell, Valentina Morelli, benutzte. Diese Performance, die vom Museo Revoltella abgelehnt wurde, weil das Modell nackt erschien, wurde stattdessen von der Galerie Lipanje Puntin veranstaltet... ”... auf einem Zeitungsstapel zieht ein hieratisches Modell langsam ein schweres graues Kleid, einen Chiton aus dem dritten Jahrtausend, aus und vollführt einen asensuellen Striptease, der zu einem feierlichen Ritual wird. Als sie sich entblößt, enthüllt sie einen Verband aus weißer Gaze auf ihren Brüsten und eine herzförmige Votivgabe. Heiliges und Profanes überschneiden sich [...] Der Geist ist im Himmel" (M. Campitelli, Juliet Nr. 115, Dezember 2003, S. 52). In den frühen 1980er Jahren, bis März ’83, bei den Aufführungen des Uh! Zentrums, war auch der Künstler Roberto Rossini mit mir in Aktion... und dann in den späteren 1980er Jahren, als ich die Angelo Pretolani Programmgruppe für die von dem Kritiker Giuseppe Bartolucci als ’Nuovo Teatro’ bezeichneten Aufführungen gebildet hatte... waren je nach Anlass drei oder vier andere Schauspieler mit mir in Aktion.

Können Sie mir mehr über diese Erfahrungen erzählen?

In Bezug auf das Uh! war eine kurze, aber sehr intensive Erfahrung, die im Dezember 1979 von drei Künstlern ins Leben gerufen wurde: mir, Adriano Rimassa und Roberto Rossini. Eine Gruppenerfahrung, die im März ’83 endete und aus der zahlreiche Aufführungen hervorgingen, die auf nationalen und internationalen Festivals präsentiert wurden... und Boring Test, eine Serie von experimentellen Radiodramaturgie-Sendungen auf RAI Radio Uno. Die Gruppe entstand als Reaktion und als eine Bewegung, die sich “situativ” gegen das Klima der “Rückkehr zur Ordnung” wehrte, das in den späten 1970er Jahren herrschte. Was wir gemeinsam hatten, war der Geist der Suche nach neuen Sprachen... immer mit der Absicht, die “Unordnung wiederherzustellen”... die 1980er Jahre begannen, Jahre des Rückflusses, der Rückkehr zur Ordnung, in denen die Yuppies ihren Weg machten. Das Uh! Centre war im Wesentlichen eine Erfahrung des Eindringens... in künstlerische und andere Territorien... der Intoleranz innerhalb des Kunstsystems. In diesem Zusammenhang erinnere ich gerne an einige Worte von Ferruccio Giromini: “Die Erfahrung des Uh! sollte nicht als rein ästhetisch abgetan werden - sie ist auch ethisch, teilweise metaphysisch, manchmal sogar mystisch, aber auch politisch, sozial und sicherlich zutiefst existentiell [...] ein ’Gesamtkunstwerk’, das in der Lage ist, Musik, visuelle Erfahrung und die Kunstwelt in sich zu verschmelzen. Musik, visuelle Erfahrung, Mobilität des Körpers, Mythos und Ritual, Geist und Herz, Außen und Innen, Kunst und Leben” (in Ristabilire il disordine, Museo di Villa Croce, Genua 2010, S. 16). Daraufhin habe ich eine neue Gruppe mit dem Namen Angelo Pretolani Program gegründet. Im Vergleich zur vorherigen Gruppe variierten die Auftritte innerhalb dieser Gruppe von Zeit zu Zeit, je nach den sich ergebenden Ausstellungsbedürfnissen... wie ich Ihnen bereits gesagt habe, nahm ich unter diesem Akronym an den Ausstellungen teil, die der Kritiker Giuseppe Bartolucci als ’Neues Theater’ bezeichnete... und chronologisch kommen wir am Ende der 1980er Jahre an.

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Die 1980er Jahre waren, wie Sie sagten, Jahre des Rückflusses, was haben sie bei Ihnen hinterlassen?

Bei mir?! ...abgesehen von meiner Arbeit, nichts...die Realität dieser Jahre, nicht nur künstlerisch, gefiel mir überhaupt nicht....

In jenen Jahren haben Sie wieder mit der Malerei begonnen. Haben Sie damals schon so gemalt, wie Sie es heute tun, d.h. in enger Verbindung mit Ihrer Performance-Praxis?

Eigentlich habe ich nie aufgehört: Wie Kounellis gesagt hatte, ist man ein Maler, auch wenn man nicht die traditionellen Werkzeuge der Malerei benutzt... und überhaupt, ja, alles stand immer in enger Beziehung zur performativen Praxis... man muss die Dinge nur beim richtigen Namen nennen, um keine Missverständnisse zu erzeugen... wie zum Beispiel die Tatsache, dass ich mich entschieden habe, meine Zeichnungen mit einem zusätzlichen ’s’ zu nennen, also Zeichnungen... denn sie sind performative Akte, existenzielle Akte, sie sind nicht einfach Zeichnungen, es wäre reduktiv, sie so zu nennen.

Angelo, gehen wir einen Schritt zurück in die Vergangenheit: Wie war das Klima in Genua in den sechziger und siebziger Jahren?

Viel besser als heute... definitiv. Die Antwort auf deine Frage liegt in der Ausstellung, die diese Zeit illustriert und die vor einigen Jahren, im Oktober 2016, in der Galerie Entr’acte in Genua stattfand: Situazioni. Logiche performative a Genova negli anni ’70. Eine Ausstellung, die Werke von 6 Künstlern (Beppe Dellepiane, Fabrizio Plessi, Angelo Pretolani, Roberto Rossini, Petr Štembera, Geggi Tagliafico) mit Bezug zu diesen Jahren präsentierte. Die Ausstellung wurde von einem kritischen Text begleitet, den Pamela Pastori, keine Kritikerin, sondern eine Weggefährtin, die viel von den Ereignissen jener aufregenden Saison miterlebt hat, für diesen Anlass geschrieben hat. Ich lese einige Passagen vor... "In den 1970er Jahren ist in Genua etwas passiert, Jahre, die schwer zu vergessen sind, Jahre des Zorns, Jahre des Kampfes, auch in der Kunst, Jahre des Protestes, von anderen vulgär als die Jahre des Bleis bezeichnet. [...] Sensationell, befremdlich, absichtlich desorientierend, stellten die Aktionen dieser Künstler vor dem Hintergrund einer faszinierenden Mehrdeutigkeit jedes klassische Konzept von ’Inszenierung’ oder Happening in Frage, denn ja, es geschah etwas , und genau dieses Happening erzeugte in dervisuellen Begegnung mit dem Betrachter einen Sinn; Oft war der Betrachter erstaunt und verstand nicht, während andere sich erlaubten, "etwas als etwas zu sehen" (Wittgenstein), aber auch als etwas anderes, denn in der Aufführung geht es nie um Darstellungen, sondern um Präsentationen, in einer Fülle von Anmutungszuständen, die diejenigen befriedigten, die sie zu begreifen vermochten, und denen, die sie nicht als solche erkannten, völlig fremd waren. Auch heute, vierzig Jahre später, sind diese Darbietungen immer noch energiegeladen. [...] Körper, in Freiheit; wie die Worte von Marinettis Erinnerung. Niemals still und statisch, selbst wenn sie stillstehen. Bereit, Lärm zu machen, ja, heute wie damals, in einem unaufhaltsamen Kontinuum, das einfach notwendig ist, denn es geht hier weder darum, eine historische Tatsache zu aktualisieren, noch darum, mit der Geschichte im Schlepptau zu sein. [...] für bestimmte Künstler kann es gar nicht anders sein, und das ist die Schönheit, die Kunst ist und nicht das Künstlerische. Außergewöhnlich zu sein, sich zu entschleiern, außerhalb jedes Mythos von Fluch, außerhalb des Grauens der Konsumgesellschaft und des Spektakels [...] in einer neuen Definition der Beziehung zwischen Kunst und Leben".

Ist die Beziehung zwischen Kunst und Leben für Sie eine politische/poetische Tatsache?

Der Slogan ’Das Persönliche ist politisch’ begleitete die meisten Kämpfe der 1970er Jahre... wir können darüber nachdenken, ihn in ’Das Persönliche ist poetisch’ umzuwandeln, die andere Seite der gleichen Medaille... Licht und Dunkelheit... wie meine Performances, die immer mein tägliches Leben durchkreuzen, ist auch die Beziehung zwischen Kunst und Leben ein politischer/poetischer Akt... ’Alles ist politisch’, sagte Thomas Mann einmal.

Welche Rolle spielt Ihrer Meinung nach der Künstler in der Gesellschaft?

Kunst ist völlig nutzlos", sagte Oscar Wilde... Ich würde hinzufügen: nutzlos in materieller Hinsicht, aber nützlich in geistiger Hinsicht. Der Künstler, der sie produziert, kann folglich nur eine Randfigur in der Gesellschaft sein... in seiner Marginalität hat er keine andere gesellschaftliche Aufgabe, als Schönheit zu verströmen... aus dem Grau der Konsumgesellschaft und des Spektakels.

Was ist Ihrer Meinung nach Schönheit?

Sie ist ein harmonisches Ganzes, das verschiedene Formen haben kann und von jedem anders wahrgenommen wird, je nach Sensibilität und Kultur... und das Emotionen hervorruft, ein Gefühl.

Hat das Heilige in Ihrer Arbeit eine Bedeutung?

Ich antworte mit “Fischen” aus der Ekphrasis meiner Performances von “Under the pavement...”: Montag, 13. Dezember 2010. Angelo setzt die Wege des Sakralen fort: Er fixiert ein steigendes Meer oder einen fallenden Himmel auf einer Leinwand. Er schreibt unbeholfen mit Lippenstift: Ich drücke mich nicht aus, ich entblöße mich. Er bedeckt die Worte mit sieben Feigenblättern - Inszenierung von heiligen Handlungen, Opfern. Freitag, 2. Oktober 2015. Angelo setzt seine Reise auf den Pfaden des Heiligen fort; er flüstert, man sei nicht im Suchen, sondern im Finden. Er kämpft mit den flüssigen Instanzen des Vergessens - dem Zeichnen: er durchquert das anfängliche Nichts, indem er einem undefinierbaren Gefühl Raum gibt, indem er tief durchatmet, indem er mit dem Kugelschreiber kleine Schläge auf die Oberfläche setzt, Sekunde für Sekunde, ohne Eile, indem er Kontakt herstellt, indem er ruft: kleine Schläge auf den Körper einer Zeichnung, die sich langsam erhebt, weil sie schon da war; indem er die Geste, das Auge, den Verstand und das Herz eines Tanzes rhythmisiert, manchmal makaber, manchmal freudig, wollüstig, indem er sogar den Stift wechselt, um die Farbe zu ändern. Er trägt seine rechte Hand auf der Stirn wie ein Visier. Freitag, 30. Dezember 2016. Angelo seufzt; erschöpft; tagelang sitzend sieht er zu, wie der Körper seines Vaters sein Leben verliert, er flüstert, ein weiteres Stück von mir geht. Vom Endlichen zum Unendlichen. In die Straßen des Sakralen zeichnet er, markiert, ohne zu wissen wo, verstreut. Freitag, 18. Juni 2021. Angelo benetzt zuerst seine Stirn und dann seinen Nacken mit dem Wasser, das er letzten Freitag in der Neumondnacht ausgesetzt hat; er flüstert, die Schatten hinter sich lassend; es ist ein Landeplatz. Eine Freundin, die von seiner Reise in die Ungewissheit der Existenz weiß, hat ihm ihre Geburtskarte gegeben. Er schließt seine rechte Hand zu einer Faust und trägt sie über seinem Herzen.

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Wenn ich Ihre Antwort lese, habe ich den Eindruck, dass Ihre Arbeit in ihrem täglichen Auftreten eine weite, einhüllende Landschaft zum Leben erweckt. Ich wollte Sie fragen, wo Sie sich selbst in Bezug auf Ihr Werk verorten?

Ich kann diese Frage beantworten, indem ich einen Satz von Cristina Palmieri über Nitsch klaue... Nur wenn man sich, wie im Leben, ganz in die Kunst stürzt, ist es möglich, die eigene Vergänglichkeit zu überwinden.

Zum Abschluss dieses Interviews möchte ich Sie bitten, überSotto il selciato c’è la spiaggiazu sprechen , einen Zyklus von Performances, den Sie seit zehn Jahren wöchentlich auf Facebook veröffentlichen.

Sotto il selciato c’è la spiaggia (Unter dem Bürgersteig ist der Strand) ist der Titel, der diese performative Ausstellung von mir vereint, die seit 2008 auf Facebook stattfindet, ein Projekt, das ausdrücklich geschaffen wurde, um das kommunikative Potenzial dieses sozialen Netzwerks zu nutzen. Ich habe diese Aktion Sotto il pavciato c’è la spiaggia (Unter dem Pf laster ist der Strand) genannt, nach dem Film von Helma Sanders aus dem Jahr 1975, der wiederum einem berühmten Slogan des französischen Mai entnommen wurde... Sous le pavés, la plage. Es handelt sich um minimale und grenzwertige Performances, die sich um das Selbst drehen... um das Sein in der Enérgheia, um Aktionen der Meditation und folglich der Synkretisierung... die dann auf meiner Facebook-Seite transkribiert werden. Die Ekphrasis dieser Aktionen sind echte Performances, es handelt sich nicht um ein literarisches Werk oder ein Gedicht oder ein Haiku, sondern um ein Performance-Werk, in dem alles wirklich passiert! Eine Idee von Performance, die auch als eine Praxis der Selbstbeobachtung verstanden werden kann und daher als eine geistige und körperliche Erfahrung zugleich aufgenommen wird. Der Rhythmus dieser Performances war bis April 2013 täglich, was bedeutet, dass ich fünf Jahre lang jeden Tag eine Performance auf Facebook gepostet habe. Danach nahm die Operation verschiedene Formen und vor allem verschiedene Zeiten an: nicht mehr jeden Tag, sondern jeden Freitag, wobei ich an der wilden Identität des Freitag-Robinson arbeitete und mich tatsächlich auf einer einsamen Insel fühlte, immer in einem performativen Modus und begleitet von Zeichnungen (ich ziehe es vor, sie dissegni zu nennen , ein Begriff, den ich seit der Performance vom 14. April 2017 übernommen habe), die ich dann, wie Flaschenpost, dem großen Meer des Netzes anvertraue. Luca Blissett kommentierte auf Facebook: “Zeichnungen, die an Mandalas erinnern, magische und symbolische Bilder; Rituale der Meditation über die Symbolik des Universums - Kairos löscht Kronos aus und setzt die Vorstellung von Zeit außer Kraft. Diese Zeichen erzeugen Energien, die im Kreislauf des Rades des Lebens, im ewigen Kreis, dem Kosmòs, fließen. Cristina Palmieri hat darauf hingewiesen: ”Verbreiten heißt, Zeichen zu verbreiten, sie zu finden, sie entstehen zu lassen. Aus der Aneinanderreihung von kleinen und kleinsten Spuren ein Design zu konstruieren. Elemente, die zusammen ein Ganzes ergeben, wie winzige, aber dringende und unersetzliche Teile. Teile eines unendlichen Universums, aber letztlich “zerlegbar” - oder “zusammengesetzt” - in Millionen von Elementen, wie der Kosmos, wie wir, die Menschen. Nicht umsonst ist die Hauptform schlechthin, die in jedem Werk wiederkehrt, der Kreis. Eine Art jungsches Mandala, in dem der Künstler seine Zeichen verstreut“. Außerdem werden diese Aktionen auf Facebook unmittelbar nach dem Ereignis in der dritten Person transkribiert, so als ob nicht ich, sondern jemand anderes die Aktion durchgeführt hätte. Ein liminaler Akt. Wie ich bereits an anderer Stelle erklärt habe, handelt es sich um eine ”Enteignung“, ich verliere am Ende der Aktion immer etwas von mir. Ich entblöße mich, ich drücke mich nicht aus. Als Produzent von Sinn und nicht von Bedeutung. Um es mit den Worten Ciorans zu sagen: ”Es entleert sich selbst, deshalb rettet es dich, es befreit dich von einer lästigen Überlastung", und ich würde hinzufügen, in dem Moment, in dem es an andere weitergegeben wird, wird es zu einem Geschenk.

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.