Der Oneirische Expressionismus von Francesca Banchelli

Man könnte mit einem einzigen Substantiv beginnen, um die Kunst von Francesca Banchelli (Montevarchi, 1981), einem der interessantesten Namen der jungen italienischen Malerei, vorzustellen: “Begegnung”. Es ist vielleicht das erste Wort, das einem in den Sinn kommt, wenn man ihre Bilder betrachtet, die immer von den unterschiedlichsten, überraschenden und unerwarteten Begegnungen bevölkert sind. Und auch sie wiederholt es häufig. Begegnungen zwischen Seelen, die sich vor der Kulisse trostloser Wüsten bewegen. Begegnungen zwischen sich selbst und den Tiefen der eigenen Innerlichkeit. Begegnungen zwischen dem persönlichen Selbst und dem kollektiven Selbst. Begegnungen zwischen Menschen, Tieren, Naturelementen in traumhaften Landschaften, die ständig zwischen dem Realen und dem Surrealen balancieren. Begegnungen zwischen der Dimension des Alltäglichen und der Dimension der Erinnerung. Begegnungen, die in Kompositionen stattfinden, die weder Raum noch Zeit kennen. Begegnungen auch formaler Art, zwischen Figuration und Abstraktion: Es ist eine schwierige Aufgabe, die vielen Bilder zu entziffern, die die toskanische Künstlerin auf ihren farbenfrohen Territorien anlegt, vor allem, weil die Malerei für sie ein Medium ist, das ausdrückt, anstatt zu beschreiben, und vor allem ein Medium, das ihr erlaubt, das auszudrücken, was sonst nicht entstehen könnte.

Im Raum des Gemäldes, so erklärt sie, "finde ich einen Raum, der aus den Proportionen herauszuwachsen beginnt, wo Verbindungen zwischen kleinen Ereignissen entstehen, die zu einer Konstellation von Ereignissen werden und eine Art Raum-Zeit-Veränderung erreichen. Es ist eine Begegnung zwischen mir, meinem Unbewussten, meinem Imaginären, meinen Spannungen und dem Kollektiv, eine Begegnung zwischen mir und der Welt, eine Art Versöhnung, bei der durch diese revolutionäre Begegnung zwischen dem Individuum und dem Kollektiv auch eine Versöhnung mit der Natur möglich ist. Eine neue Art des gegenseitigen Verstehens, ein Versuch, besser zu verstehen, ein revolutionärer Raum, in dem es endlich ein Verständnis auf einer tieferen Ebene gibt, auch wenn es nicht linear ist, weil es mit einer zeitlosen Bildsprache zu tun hat und mit etwas, das über die Zusammenhänge, wie wir sie kennen, hinausgeht. Es ist eine Malerei, die alles andere als unmittelbar ist, denn sie ist nicht nur eine wandelbare und sich ständig verändernde Synthese ihrer Art, unsere Beziehung zu allem, was uns umgibt, zu verstehen (und folglich braucht man, um zu versuchen, in diese Bilder einzudringen, eine gewisse Neigung zur Offenheit, Akzeptanz und vielleicht sogar ein wenig Einfühlungsvermögen), sondern trägt auch Spuren aller Erfahrungen von Francesca Banchelli.

Die Beziehung zwischen der toskanischen Künstlerin und der Malerei begann bereits während ihrer Schulzeit am Liceo Artistico di Porta Romana in Florenz und vertiefte sich dann an der Accademia di Belle Arti. Bald darauf kam es jedoch zu einer Trennung: Francesca Banchelli entfernte sich für einige Zeit von der Malerei, um mit einer ganz anderen Sprache zu experimentieren, der der Performance, die sie zunächst nach London, dann nach Barcelona und für einige Zeit auch nach Brasilien führte. Was die Künstlerin suchte, war der Kontakt mit der Welt: Dank der Erforschung dieses Ausdrucksmittels, das sich so sehr von der Malerei unterscheidet, interessierte sie sich für “die Beziehung zwischen dem Individuum und dem Kollektiv, indem sie die Performance als eine Erfahrung von Möglichkeit und Risiko betrachtete”, wie sie selbst in einem Interview mit der Zeitschrift Artext erklärte. Nach dem Abschluss eines Masterstudiums am Central Saint Martins in London im Jahr 2010 kehrte sie dann allmählich zur Malerei zurück, ohne jedoch die Performance aus den Augen zu verlieren. Und wenn die großen europäischen Städte und die Gewohnheit der Performance-Kunst die Themen der Erforschung des Selbst und der Beziehungen zu anderen in Francesca Banchellis Horizont einführten, so machte die Gelegenheit, sich mit China zu messen, wo sie nach ihrem Abschluss einen zweimonatigen Aufenthalt verbrachte, es unvermeidlich, dass die uralte Dialektik zwischen Natur und Kultur in ihre Kunst einfließt.

Banchelli,

In ihren jüngsten Arbeiten ist die Malerei von Francesca Banchelli zur Summe all ihrer Erfahrungen geworden. “Malerei und Performance sind miteinander verbunden, sie gehen Hand in Hand”, fährt sie fort. "Der entscheidende Punkt, von dem aus sich die Malerei auf der einen Seite und die Performance auf der anderen Seite entfalten, ist das Konzept, das jedem Projekt zugrunde liegt, das einen ziemlich langen Entwicklungsprozess hat, den ich durch Zeichnung entwickle. Die Zeichnung ist die Grundlage für alles in meiner Arbeit, eine Basis dafür, wie ich die Performance und die Malerei visualisiere. Die Zeichnung wird traditionell nicht als vorbereitende Arbeit im Hinblick auf einen endgültigen Entwurf verstanden. Die Zeichnung ist eine Art Einführung in das Werk, ein Incipit. "Dann entwickelt sich jede der beiden Praktiken mit unterschiedlichen Möglichkeiten: die Malerei, die mit dem unendlichen Zugang zwischen den Ereignissen der Welt und dem Unbewussten zu tun hat, unendliche Visionen, die unvorstellbare Welten durchqueren. Und auf der anderen Seite die Performance, die, ausgehend von einer Grundeinstellung, die Kontrolle durch das unkontrollierbare Risiko der Live-Performance außer Kraft setzt. In meinen Performances sind die Persönlichkeiten, die ich einlade, niemals Nummern, sondern reale Beiträge echter Menschen, die nicht choreografiert sind und die die Möglichkeit haben, sich in diesem unglaublichen Raum/Zeit zu treffen, der der Live-Zeit gewidmet ist, wo sie sich ohne Vermittlung wieder treffen, kleine neue Gesellschaften schaffen oder andeuten können, was unweigerlich zu unkontrollierbaren Ereignissen führt".

Sein Atelier inmitten der Wälder des Valdarno, in einem kleinen mittelalterlichen Weiler mit einigen Steinhäusern oberhalb von Reggello, ist voll von Papieren und Aquarellen, die wie Atome seiner größeren Kompositionen wirken, Ideen für das, was später auf der Leinwand Gestalt annehmen wird, die aber auch in der Lage sind, ein eigenes, autonomes Leben zu führen: Es sind kleine Szenen, die mit einer fast instinktiven Haltung skizziert sind, es sind abgemagerte Figuren auf undefinierten Hintergründen, Menschen und Tiere im Zusammenspiel, Visionen von Luft und Wasser, Fragmente von Träumen. Schon seine frühen Bilder hatten diesen fast gestischen Charakter, der eine Disposition des Künstlers in Formen und Farben zu übersetzen schien, auch verstärkt durch Naturereignisse(Metaphysischer Optimismus oder noch besser Strandereignis und Mann beim Duschen, moderne Landschaften - Gemütszustände, in denen das lyrische Fließen des Wassers auf das Leben selbst anspielt), bis hin zu einer mystischen Vision(Auge im Himmel). Dann wird seine Malerei entspannter, meditativer, offener für die Figuration(Romance), aber immer bevölkert von unerkennbaren Ansichten, Niemandsländern, unentzifferbaren Einblicken, wo es scheint, dass immer etwas passieren wird oder schon passiert ist. Wenn man jedoch die Bilder von Francesca Banchelli durchblättert, stellt man fest, dass es in ihren Bildern Motive gibt, die alltäglich sind und in der gesamten Karriere der Künstlerin unverändert bleiben, wie Ángel Moya García feststellte: “Unabhängig von der gewählten Sprache gibt es wiederkehrende Elemente: Steine als etwas, das schon immer da war; Zeit als etwas, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft vereint; Tiere (vor allem Hunde und Vögel) als Elemente, die die Lebewesen auf der Erde zusammenbringen; der Mensch als eine nie definierte Präsenz, die zum Träger und Übermittler von Vielfalt und gleichzeitig zum Zeugen von Veränderungen wird”. Es gibt keine klare Unterscheidung zwischen Innen und Außen: In A bird, a girl, a bird, a boy, a bird, a man, einem Gemälde aus dem Jahr 2016, sehen wir einen Raum, der von allen Seiten mit Glaswänden verschlossen ist, der jedoch mit dem Raum, der ihn umgibt, verwechselt wird (und es ist nicht einmal klar, ob wir uns vor dem Meer oder zwischen den Hügeln befinden), und in dem wir Zeugen seltsamer Begegnungen zwischen Vögeln und Menschen werden, während in der rechten unteren Ecke eine Agave die ganze Szene zu verschlingen scheint. Begegnungen, die immer eine Anspielung auf eine der Notwendigkeiten des menschlichen Wesens sind: die Fähigkeit, mit den anderen Arten, die den Planeten bewohnen, in Verbindung zu treten.

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Es mangelt jedoch nicht an kontingenten Situationen: Francesca Banchelli hat in den letzten Jahren mit einigem Nachdruck das Thema der Flüchtlinge verfolgt, das auch einer ihrer Performances den Titel gibt(The Fugitive, die im Übrigen aus einer Serie von Zeichnungen hervorging, in denen sich die Künstlerin Begegnungen zwischen Menschen, Tieren, natürlichen Elementen wie Felsen und Pflanzen in unbekannten Umgebungen vorstellte), und das auch in ihren Gemälden wiederkehrt. Seine Flüchtlinge, schrieb Eva Francioli, “können als Figuren betrachtet werden, die vor sozialen, politischen, wirtschaftlichen und klimatischen Realitäten fliehen und sich in anderen Kontexten wiederfinden, in denen gerade ihr Status als Flüchtige ihnen eine spezifische Identität verleiht”, sie sind “reale und zugleich imaginäre Figuren”, sie leben “in unserer Zeit und in unserem Raum, sie bewohnen unsere Vorstellungskraft, unsere Alpträume und unsere Fantasien”. Man flieht, um anderswo etwas Besseres zu finden, aber man flieht auch, um die Grenzen der eigenen Existenz zu überschreiten, man flieht mit der Phantasie, und die Flucht nimmt die Konturen eines Eskapismus an und ähnelt schließlich dem Konzept von Emmanuel Lévinas: “Der Eskapismus ist die Suche nach dem Wunderbaren, das die Schläfrigkeit unserer bürgerlichen Existenz durchbrechen kann. Sie besteht jedoch nicht darin, sich von der entwürdigenden Knechtschaft zu befreien, die uns der blinde Mechanismus unseres Körpers auferlegt, denn dies ist nicht die einzige mögliche Identifikation zwischen dem Menschen und der Natur, die in ihm Schrecken hervorruft. [...]. Es geht nicht nur darum, auszusteigen, sondern auch darum, irgendwo hinzugehen. Im Gegenteil, das Bedürfnis zu entkommen ist absolut identisch mit jedem Punkt, zu dem ihn sein Abenteuer als Bedürfnis führt; es ist, als ob der Weg, den er zurückgelegt hat, seine Unzufriedenheit nicht mindern kann”. Die Flucht wird in den Werken von Francesca Banchelli fast zu einem Synonym für die conditio humana, auch weil die Flucht einen anschließenden Übergang mit sich bringt: den Wiederaufbau einer Gemeinschaft, einer kleinen Gesellschaft, in einem revolutionären Moment, der “die Hierarchien auf Null zurücksetzt”, wie die Künstlerin erklärt. Dies ist in Fires zu sehen, einem Ölgemälde auf Baumwolle, das genau auf The Fugitive zurückgeht. Die Szene spielt an einem scheinbaren Flussufer, in der Ferne sind rote Blitze zu sehen, die nicht an einen Sonnenuntergang, sondern an ein Feuer erinnern, daher der Titel des Bildes. Einige Menschen sind im Wasser versunken, andere stehen draußen und beobachten eine Gruppe bunter Hunde, die sich nicht weit von den Menschen entfernt aufhalten. Wie zu erwarten, tauchen Hunde immer wieder in Francesca Banchellis ikonografischem Repertoire auf, aber sie haben nie eine präzise und definierte Rolle: manchmal sind sie Beschützer und beruhigende Wesen, manchmal bedrohliche Wesen, drohende Schatten.

In Fuochi kontrastiert eine scheinbar entspannte Begegnung mit einer bedrückenden Atmosphäre, es herrscht ein unbehagliches Gefühl des Wartens, und wie so oft in Francesca Banchellis Gemälden scheint es, als würde etwas geschehen. Ein “Durchgang von Energien”, so die Künstlerin, der durch die Verwendung von Farben hervorgerufen wird. Die Wirkung der Farben von Francesca Banchelli lässt kaum jemanden, der ihre Bilder bewundert, gleichgültig. Die leuchtenden, unwirklichen und gesättigten Töne erinnern an die Kunst von Antonietta Raphaël, aber die gesamte Römische Schule, von Mario Mafai bis Scipione, scheint ein ständiger Bezugspunkt für die Kunst von Francesca Banchelli zu sein, die das gesamte 20. Jahrhundert umspannt, sich aus der koloristischen Gewalt der Fauves speist, sich auf eine Konfrontation mit Sandro Chia und der Transavanguardia einlässt (in deren Gegenwart die Kunst von Francesca Banchelli unruhiger und visionärer erscheint), und die unruhig und visionär), die manchmal an bestimmte abstrakte Gemälde von De Kooning oder an die zeitgenössische Forschung von Künstlern wie Miriam Cahn und Peter Doig erinnern. Francesca Banchelli vereint all diese Anregungen in einer Art traumhaftem Expressionismus, der vielleicht dort seinen Höhepunkt findet, wo die Künstlerin eher zur Figuration neigt, wie in einem ihrer wichtigsten Gemälde, den Stummen Hunden, denen sie selbst einen äußerst relevanten Wert zuschreibt, ein Werk, das in der Zeit der ersten Entbindung von Covid-19 als eine allmähliche Entdeckung der Natur entstand, als ein Versuch, sich der Welt zu nähern, als ein Gefühl, Teil des Ganzen und gleichzeitig ein Ganzes zu sein.

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Denselben Hund mit schlanker Physiognomie finden wir in Event, einem der jüngsten Werke von Francesca Banchelli, das im Sommer 2020 in der Ausstellung I cani silenziosi se ne ne ne ne vanno via gezeigt wurde, ihrer ersten Einzelausstellung in einem italienischen Museum (dem Museo del Novecento in Florenz), kuratiert von Sergio Risaliti und Eva Francioli. Das Tier steht zu Füßen eines Paares, das in eine flüssige Landschaft eingetaucht ist, in der sich ein Schneesturm zusammenzubrauen scheint: Die beiden Personen scheinen den Ereignissen ausgeliefert zu sein, sie schauen nach vorne, wissen aber vielleicht nicht einmal, wohin sie schauen sollen, ihre Körper verschmelzen und suchen einander, sie sind darauf bedacht, nicht überwältigt zu werden, sie versuchen, gemeinsam zu widerstehen, der Hund schaut sie an, vielleicht um ihnen zu verstehen zu geben, dass er da ist, dass er bei ihnen bleiben wird (und wer weiß, ob er wirklich schweigt, wenn man seine Haltung betrachtet). Francesca Banchelli hat Event zu einer Zeit gemalt, als die Welt von der Covid-19-Epidemie erschüttert wurde, und es wäre viel zu einfach, in diesem Wirbelsturm eine Allegorie der damaligen Ereignisse zu sehen: das wäre zu deskriptiv, zu didaktisch. Das Ereignis scheint vielmehr eine Allegorie der Möglichkeiten zu sein, eine tiefere Reflexion über das, was zu Beginn des Jahres 2020 geschah. Im Museo del Novecento in Florenz wurde es zusammen mit einem Werk aus den 1930er Jahren von Scipione, Apocalypse, ausgestellt, und der Satz I cani silenziosi se ne ne ne ne ne vai via stammt aus einem Gedicht von Scipione: “Bei Sonnenuntergang hat ein Schaf / Ein Lamm gemacht. / Die Menschen kommen / und gehen weg, / die schweigenden Hunde gehen weg, / die Bäume warten auf die Dunkelheit, / um sich gegenseitig zu ignorieren, / die duftenden Gräser machen sich / auf den Weg, / die Eulen schreien, alles bewegt sich / und die Angst erfüllt die Luft / mit Unruhe”). Die Wahl des Dialogs fiel jedoch auf eine Zeit, als das Coronavirus noch ein Thema für Spezialisten war: Francesca Banchelli hatte eine gewisse Resonanz im Werk des römischen Malers gefunden, der in seinen Gemälden, die derApokalypse des Johannes gewidmet sind, seine prophetische Weitsichtigkeit zum Ausdruck bringt, indem er von schrecklichen Ereignissen verwüstete Landschaften beschreibt, die jedoch von Gestalten bevölkert werden, die sich ihres Schicksals bewusst sind und gleichzeitig Angst haben, die in der Lage sind, ihr Schicksal zu akzeptieren, aber dennoch die Hoffnung nicht aufgeben und auf unbekannte Gebiete zusteuern, genau wie die Gestalten von Francesca Banchelli: In ihren Gemälden spürt man dasselbe Gefühl des Schwebens und der Unbestimmtheit, das jeden ergreift, der ScipiosApokalypse betrachtet. Und, was vielleicht noch wichtiger ist, Francesca Banchelli glaubt, in Scipione einen Künstler gefunden zu haben, der wie sie das Kunstwerk als “eine Epiphanie und ein gnoseologisches Ereignis, das untrennbar mit der Evolution der menschlichen Gattung verbunden ist” (so die Präsentation der Ausstellung), betrachtet. Mit anderen und einfacheren Worten ist die Kunst für Francesca Banchelli ein Medium, auf das der Mensch nicht verzichten kann und das im Leben eines jeden Menschen ständig präsent sein muss. “Auf diese Weise”, so die Künstlerin gegenüber Sergio Risaliti, “wird sie für die Menschen zu einer starken demiurgischen Konstante, zu einem Gefühl der Zugehörigkeit zur Gemeinschaft, zur Geschichte, zur Zukunft, zu unserer Natur und zu der Welt, in der wir leben, zu einem Heilmittel. Wenn die Kunst durch gemeinsame Medien in den Alltag eindringen könnte, könnte sie Teil der kollektiven Debatte sein und zu den Menschen sprechen”.

Ihrer Meinung nach sollte Kunst eine spontane Aneignung sein, ein vertrautes Thema, eine Art Flüssigkeit, in die man so natürlich wie möglich eintauchen kann, und eine reife Gemeinschaft sollte sie als einen wichtigen Teil ihrer selbst akzeptieren: Man denke an das Beispiel England, wo es paradoxerweise nicht die Abneigung gegenüber der Kunst gibt, die in Italien oft zu spüren ist, sondern sie im Gegenteil mit großem Interesse auch von denen betrachtet wird, die sich in ihrem Alltag mit etwas ganz anderem beschäftigen: “Kunst wird als ein Gut wahrgenommen, etwas, das Gutes tut, etwas, das die Seele erhellt und Teil des Wachstums einer Gesellschaft ist, keine Modeerscheinung”, erklärt sie. Schon in dem Text, den sie für die Ausstellung I cani silenziosi se ne ne vai via verfasst hatte, betonte Francesca Banchelli, dass es sich bei ihrer Arbeit nicht um Aktivismus handele: Es gehe lediglich darum, “seinen Platz als Künstler als Mensch wiederzufinden”. Es gibt also Möglichkeiten, eine Gesellschaft für die Kunst zu sensibilisieren und ihr mehr Aufmerksamkeit zu schenken: “Das Problem ist, dass man es will”, angefangen bei der Bildung und den Schulen. Ein Beispiel: “Ich denke oft an mein paralleles Leben, in dem ein Teil von mir in Richtung Medizin getrieben wurde. Etwas, das ich nie ganz hinter mir gelassen habe, als ob ich ständig auch mit diesem Teil von mir lebte, die ”Heilung“ hat mich immer fasziniert. Ein wichtiger Mensch, ein Mitarbeiter, sagte mir jedoch eines Tages: ”Deine Bilder heilen die Seele". Auch dafür ist die Kunst wichtig. Vor meinen Werken höre ich oft, dass es eine Bewegung gibt, die die Seele einfängt, die sie in irgendeiner Weise mit einbezieht, und das ist für mich wichtig. Nicht weil ich eine Formel dafür habe, sondern weil ich in dieser Nähe zwischen Kunst und Seele einen Grund finde. Die Möglichkeit, durch das Werk eine unvermittelte Begegnung herzustellen, ist für mich revolutionär und grundlegend.

Und genau in dieser Möglichkeit liegt vielleicht der höchste und tiefste Sinn von Francesca Banchellis Kunst. Vielleicht erscheinen ihre Bilder deshalb so ungestüm, weil ihre Werke das Alltägliche verklären, ohne es zu verleugnen, sondern indem sie es in eine ständige Spannung einbeziehen, in einen Wirbelwind, der das Gelebte, den Traum, die Gefühle, das Reale und das Imaginäre einbezieht und der aus Bildern mit einem magnetischen Gesicht besteht, aus kühnen Farben, die in der Lage sind, das Zwanzigste Jahrhundert mit Originalität neu zu lesen Jahrhunderts, aus dem ihre Bilder mit fließenden und zarten Pinselstrichen hervorgehen, Gemälde ohne jeglichen räumlichen oder zeitlichen Bezug (was auch gar nicht anders sein kann, da in ihren Werken Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft zusammenleben und die Kunst von Francesca Banchelli unweigerlich eine zyklische Auffassung von Zeit vermittelt), gefüllt mit Charakteren und Figuren, die sich nicht selten fast expliziten Zuweisungen hingeben (in Fuochi zum Beispiel wird diese Rolle den Hunden anvertraut: Sie wenden sich uns zu, die wir sie beobachten, sie richten ihre Augen auf uns, sie lenken unsere Aufmerksamkeit auf das, was auf dem Bild geschieht). Dies sind die Mittel, mit denen die toskanische Künstlerin eine maximale Beteiligung des Betrachters anstrebt und mit denen sie ihren Versuch untermauert, ihn in ihre Visionen oder in ihre “Begegnungen”, wie sie selbst vielleicht sagen würde, hineinzuziehen. Ihre Bilder, selbst in der komplexen Schichtung ihrer allegorischen Bezüge, die einen Großteil der subjektiven Sphäre der Künstlerin einschließen, schaffen es dennoch, eine universelle Sprache zu sprechen, gerade weil sie auf den ersten Blick so involvierend erscheinen, ausgestattet mit einer explosiven Unmittelbarkeit, bewegt von einer Poesie, die kraftvoll und zart zugleich ist. Sich mit anderen zu verbinden, sich durch die Kunst zu begegnen, um den Sinn unseres Tuns wiederzufinden. Das ist die ruhige und stille Energie, die von den Werken Francesca Banchellis ausgeht.

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