Der Mensch ist organisch und künstlich und lebt mit diesen beiden Aspekten. Die Kunst von Paolo Grassino

Paolo Grassino, einer der interessantesten zeitgenössischen italienischen Bildhauer, schlägt eine Forschung mit starker Wirkung vor, die sich der unterschiedlichsten Materialien bedient, von Zement bis Styropor, von Holz bis Gummi, und die Themen wie die Unsicherheit unserer Welt, das Abdriften der heutigen Gesellschaft, unsere Zerbrechlichkeit untersucht. Grassino wurde 1967 in Turin geboren: Sein Vater Alfredo wies ihn schon als Kind auf künstlerische Disziplinen hin. 1984 schrieb er sich an der Kunstschule ein, wo er die Ateliers von italienischen Künstlern wie Marco Gastini, Luigi Mainolfi, Gilberto Zorio, Michelangelo Pistoletto und Sergio Ragalzi kennenlernte und zu besuchen begann. Seit 1988 stellt er in Einzel- und Gruppenausstellungen aus und setzt seit 1991 seine Studien an der Accademia Albertina in Turin zusammen mit Luisa Rabbia, Saverio Todaro und Domenico Borrelli fort, mit denen er eine Arbeitsgruppe bildet und seine ersten Workshops teilt. Im Jahr 2000 widmete ihm das GAM in Turin eine persönliche Ausstellung, die seine künstlerische Forschung bei nationalen und internationalen Galerien und Institutionen bekannt machte. Im Jahr 2008 nahm er an der XV. Quadriennale d’Arte in Rom teil. Im Jahr 2011 widmete ihm Luca Massimo Barbero einen Einzelraum im MACRO in Rom und im selben Jahr nahm er an der 4. Biennale in Moskau teil. 2012 sind seine Werke in Museen wie dem Frost Art Museum in Miami und dem Loft Project ETAGI in St. Petersburg zu sehen. Phillip Van den Bossche lud ihn 2012 zur Beaufort 04 Triennale für zeitgenössische Kunst am Meer in Ostende ein und 2013 widmete ihm das IIC Madrid eine Einzelausstellung. 2013 erscheint ein von Skira herausgegebener Band, der seine wichtigsten Werke von 1992 bis 2012 versammelt und anlässlich seiner Einzelausstellung “Percorso in tre atti” im Luigi Pecci Centre for Contemporary Art in Mailand präsentiert wird. In diesen Jahren begann er seine Lehrtätigkeit als Dozent in den Kursen für Bildhauerei und Zierplastik an den Akademien der Schönen Künste von Carrara, Palermo und später Brera und Turin. Im Jahr 2019 hatte er eine große Einzelausstellung in den historischen Räumen des Palazzo Saluzzo Paesana in Turin. Im Jahr 2021 nimmt er an der Wanderausstellung “Die Seidenstraße. Kunst und zeitgenössische Künstler aus Italien” teil, die von der Farnesina mit Stationen in Museen in Kiew, Ankara, Tiflis, Taschkent, Peking und Xi’an organisiert wird. Im Jahr 2023 wurde er von der Stadt Pinerolo zur dritten Biennale Diffusa eingeladen und zeigte eine persönliche Ausstellung mit dem Titel “Incursions”, kuratiert von Franco Fanelli, in der historischen Cavallerizza Caprilli und an den wichtigsten Orten der Stadt. Grassino spricht in diesem Gespräch mit Gabriele Landi über seine Kunst.

GL. Paolo, es kommt oft vor, dass das Werk eines Künstlers in der mythischen Zeit der Kindheit verwurzelt ist: Ist das auch bei Ihnen so?

PG. Mein Vater Alfredo war Autodidakt und hat mich schon als Kind in die künstlerische Praxis eingeführt. Ich verbrachte ganze Nachmittage mit ihm beim Zeichnen und Malen. Ich liebte von Anfang an die Erinnerung, die sich aus der kreativen Betätigung ergibt. Ich habe meinem Vater viel zu verdanken, und dieser Aspekt der Existenz ist vielleicht das Wertvollste, was er mir gegeben hat.

Hatten Sie eine künstlerische ’erste Liebe’?

Ich habe viele künstlerische Lieben gehabt. Jede Phase meiner persönlichen kreativen Entwicklung wurde von einem “Vorbild” begleitet, dem ich folgen konnte. Heute habe ich das nicht mehr nötig. Vielleicht sind es nur notwendige Lieben während der Ausbildung.

Welche Studien haben Sie absolviert?

Ich habe das Primo Liceo Artistico und die Accademia Albertina in Turin besucht, wo ich heute unterrichte.

Sie haben als Assistentin von Luigi Mainolfi gearbeitet: Was haben Sie aus dieser Erfahrung mitgenommen?

Luigi ist ein Meister der italienischen Bildhauerei, und ich denke, ich hatte das Glück, ihm auf meinem Weg im Alter von sechzehn Jahren zu begegnen. Ich habe in seinem Atelier gearbeitet, parallel zu meiner schulischen und akademischen Ausbildung. Als meine didaktische Ausbildung endete, endete auch meine Lehrzeit bei ihm. Luigi blieb ein guter Freund, wie auch andere Weggefährten aus dieser Zeit.

Gab es neben der Begegnung mit Mainolfi noch andere Begegnungen, die Sie geprägt haben?

In der Schule lernte ich Sergio Ragalzi kennen und wir verbrachten viele Jahre zusammen. Er ist in diesem Jahr verstorben, und sein Tod hat in Turin eine große Lücke hinterlassen. Ich denke, Sergio war einer der interessantesten und autonomsten Künstler in den Jahren nach der Arte Povera in Italien.

Ist das Zeichnen eine Praxis, die Sie häufig anwenden? Welche Bedeutung und Rolle spielt sie in Ihrem Schaffen?

Zunächst sollte man verstehen, was mit Zeichnung gemeint ist. Für meine Arbeiten mache ich kleine Federstriche, die oft nicht weiter verfolgt werden. Parallel zu den Skulpturen und Installationen schaffe ich Arbeiten mit Tusche auf Papier, die seit vielen Jahren privat und selten öffentlich bleiben. Nächstes Jahr werde ich eine Einzelausstellung mit dieser Art von Arbeiten haben.

Ich möchte Sie nach Ihrer Vorstellung von Zeit und Raum und der Idee der Verwandlung fragen, die in Ihren Arbeiten immer wieder auftaucht?

Für diejenigen, die Skulpturen machen, ist der Raum natürlich von grundlegender Bedeutung. Die Skulptur schafft durch ihre physische Präsenz eine Ausdehnung, die es vorher nicht gab. Die Zeit absorbiert das Werk, verwandelt es, macht es nicht nur objektiv fertig, und wenn es nicht passt, löscht sie es aus.

Spielt die Idee der Inszenierung eine Rolle bei Ihrer Arbeit?

Ich suche nach einer Temperatur, nach Stille, nach Hinweisen, die in Zusammenhänge führen, die nicht immer klar oder ausgewogen sind. Dieser Aspekt gehört zur Dramaturgie, zur Inszenierung, die zu Visionen führt, die dem Ungewissen angehören.

Können Sie mehr über die Beziehung zwischen Ihrer Arbeit und dem Publikum, das sie sieht, sagen?

Manchmal benutzt das Publikum, das meine Arbeit betrachtet, das Wort ’beunruhigend’. Vielleicht gibt es auch diesen Aspekt in meiner Arbeit, aber ich denke, er gehört nur an die Oberfläche.

Abgesehen von der angedeuteten oder offensichtlichen menschlichen Präsenz, den Rehen, den Hunden... welche Vorstellung haben Sie von der Natur in Ihrem Werk?

Rehe und Hunde vermitteln einen Konflikt. Was ich deutlich machen möchte, ist die Divergenz zwischen den Parteien. Der Hirsch ist seit der Antike ein Opfersymbol, während der Hund eine Waffe ist, die für die Jagd und die Kriegsführung ausgebildet wurde.

Interessieren Sie sich für die Mischung aus Organischem und Künstlichem?

Viele meiner Werke betonen diese Dualität, die in einigen Fällen konstruktive Forschung und in anderen Fällen traurige Zerstörung ist. Der Mensch enthält diese beiden Aspekte und lebt mit ihnen.

Wie wählen Sie die Materialien aus, mit denen Sie arbeiten?

Das Subjekt wählt aus, womit es sich ausdrücken will. Jedes Subjekt hat sein eigenes Objekt oder Material, das darauf wartet, dass es sich zu einem einzigen Akt zusammenfügt.

Welche Rolle spielt in Ihrem Werk der beunruhigende Aspekt der Bilder, die Sie inszenieren?

Ich möchte, dass der Betrachter Fragen stellt. Die Kunst hat diese Aufgabe, und ihre Verantwortung liegt in dem Kontext, in dem sie steht. Die Frage ist notwendig, um Antworten zu konstruieren.

Ist die imaginative Dimension Ihrer Arbeit auch mit einem narrativen Aspekt verbunden?

Die Erzählung ist in meinen Werken enthalten, aber sie ist verzerrt, mehrdeutig, offen für mehrere Interpretationen, so dass sie nicht völlig fassbar ist.

Gibt es auch eine ironische Seite in Ihrer Arbeit?

Ich denke nie über Ironie in meiner Arbeit nach, dieser Aspekt ergibt sich wahrscheinlich spontan.

Welche Bedeutung haben die Titel der Werke für Sie?

Ein Titel ist nicht immer notwendig. Manchmal kommen die Titel vor dem Werk, manchmal ist das Werk nur im Titel enthalten. Der Titel gibt einen Schlüssel an, aber er verrät nicht immer etwas, er ist ein Ablenkungsmanöver oder nur eine weitere Interpretation.

Gibt es eine spirituelle Spannung in Ihrer Arbeit?

Jede Forschung ist spirituell, weil sie versucht, Antworten zu finden.

Welche Vorstellung haben Sie vom Tod und wie gehen Sie mit ihm um?

Der Bogen des Lebens ist eine Klammer zwischen dem Nichts und der Nichtexistenz.

Wo stehen Sie in Bezug auf Ihre Arbeit?

Ich liebe meine Arbeit. Ich fühle mich an meinem Arbeitsplatz wohl. Wenn ich in meinem Atelier bin, denke ich nur an das, was außerhalb dieses geschützten und privilegierten Raums geschieht.

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