Der Kritiker muss helfen zu verstehen, nicht kritisch zu sprechen". Lea Vergine über Kritik

“Heute gibt es nur noch Kuratoren, Kritiker sind sehr selten. Und wer ist der Kurator? Er ist eine Person, die ihre Zeit in Flugzeugen verbringt und auf der ganzen Welt nach neuen Dingen sucht. Das heißt, er ist ein Manager. Er ist derjenige, der früher ein von Leidenschaft getriebener Händler war. Diese werden von dem Bedürfnis getrieben, die Aufträge zu bekommen, die sie bekommen haben, das heißt, das Neue zu finden, das Neue zu finden, mit dem sie ein Geschäft machen können. Das Neue. Aber das Neue ist nie da”. Diese Worte sprach die vorgestern verstorbene große Kunstkritikerin Lea Vergine (Neapel, 1938 - Mailand, 2020) im vergangenen Jahr in einem Interview mit Stefania Gaudiosi, aus dem das Buch Necessario è solo il superfluo. Ein Interview mit Lea Vergine, das 2019 bei Postmedia Books erscheint. Lea Vergine hat in letzter Zeit mehrfach auf eines der Merkmale der heutigen Kunst hingewiesen: die Präsenz von zu vielen Kuratoren und das fast völlige Verschwinden der Kritiker. In der Praxis sind die Persönlichkeiten, die dem Publikum ein Urteil über die Künstler lieferten (wenn nötig auch ein negatives und schwerwiegendes) und ihnen halfen, Ordnung in die Vorschläge zu bringen, die aus der Umgebung kamen, fast vollständig verschwunden. Für Lea Vergine besteht eine der grundlegenden Eigenschaften des Kritikers in seiner Fähigkeit, sich dem Publikum verständlich zu machen.

Und in diesem Sinne ist ein Auszug aus L’arte non è faccenda di persone perbene, einer Art Autobiografie von Lea Vergine, die in Zusammenarbeit mit Chiara Gatti verfasst wurde und 2016 bei Rizzoli erschienen ist, sehr aufschlussreich. In diesem Werk wettert Lea Vergine gegen die “Kritik” und betont die Notwendigkeit einer Kritik, die vom Publikum verstanden werden kann. Aber das ist noch nicht alles: Die in Neapel geborene Kritikerin gibt in dem Text auch an, welche Voraussetzungen für die Beurteilung eines Kunstwerks erfüllt sein müssen. Wir geben den Auszug im Folgenden als Hommage an die Figur der Lea Vergine wieder.

Lea Vergine

Wie wichtig ist das Schreiben in der Kunstkritik?

Man kann nicht Kunstkritiker sein wollen und nicht schreiben können, weil die Funktion der Vermittlung zwischen dem Werk und dem Publikum entfällt.

Sehr oft spricht man von ’critichese’ und meint damit eine verworrene und unklare Sprache. Die Kritik hat es immer gegeben. Der Kritiker hingegen muss den Lesern helfen, Ideen zu verstehen, Beobachtungen zu schreiben, die andere in ihren Köpfen auslösen, den Leser anregen, aber auch erstaunen, Neugierde wecken. Du wendest dich immer an einen Menschen durchschnittlicher Kultur, der deine Worte lesen wird, dann gibst du ihm die richtigen Hinweise, du ebnest ihm den Weg.

Er wird sich nicht mit überzogenen Begriffen oder pseudo-interessanten Merkwürdigkeiten begnügen müssen. Er wird auch Humor und Ironie haben müssen. Ja, in der Kunstwelt sollte es mehr Ironie geben. Es hat in der Vergangenheit humorvolle Kunstkritiker gegeben. Cesare Brandi zum Beispiel war witzig, als er schrieb. Er hatte Leichtsinn und Leichtigkeit. Und auch die Tugend, sich selbst nicht zu ernst zu nehmen. Denn am Ende ist es immer noch Kunst und sicher nicht transzendent. Die Kritik, genau wie die Belletristik, erfolgt von Satz zu Satz, von Periode zu Periode, von Wort zu Wort.

Wenn ich heute zurückblicke, stelle ich fest, dass mich immer der Klang des Satzes in Verbindung mit seiner Offenbarung am meisten interessiert hat. Die Dinge, auf die es ankommt, sind die, die hinter dem Kunstwerk selbst verborgen sind; die Dinge, die man nicht sehen kann, sondern die man - der Kritiker - ausgraben muss. Man muss sie sogar erfinden, wenn es sein muss.

Ein Leser darf nicht verwirrt werden. Und die Verwirrung rührt daher, dass der Kritiker oft nicht versteht, wie wichtig es ist, sich in eine Dimension zu begeben, in der man Musik, Literatur, Theater, Kino usw. kennt; eine Konfrontation, die den Kopf mit Sauerstoff versorgt.

Wie beurteilt man ein Kunstwerk?

Kunst ist eine Frage der Form. Wenn wir einen gregorianischen oder ambrosianischen Choral oder ein Nocturne von Chopin hören, sind wir uns bewusst, dass sie alle schöne Musik sind, die sich voneinander unterscheiden, aber gleich intensiv sind. Denn ihre Form ist vollkommen, jenseits von Zeit und Raum. Das Gleiche gilt für die Kunst.

Buster Keaton war göttlich. Er hat uns mit seinen Bewegungen in seinen Bann gezogen. Wie bestimmte Tänzer. Der Körper als Sprache fand schon zu Beginn des 20. Jahrhunderts seine besten Interpreten, wenn wir zum Beispiel an die Tänze der futuristischen Künstler denken: Giannina Censi tanzte in einem Kostüm, das sie von Enrico Prampolini entworfen hatte.

Der Sinn für Komposition ist von grundlegender Bedeutung. Von den Höhlen von Altamira bis zur Körperkunst, die Geschichte ändert sich nicht. Einmal habe ich Gilbert & George im Museum für moderne Kunst in Turin gesehen. Ganz in Gold bemalt, auf einem kleinen Tisch stehend, sangen sie mit etwas heiserer Stimme und tanzten mit einem Stock in der Hand, ganz im Stil der 1930er Jahre, und sangen dabei eine alte Melodie. Bezaubernd. Es gab etwas jenseits der Musik und jenseits des Tanzes. Und so auch Gina Pane. Was immer sie tat, war beeindruckend. Sie nahm sich lange Monate Zeit, um ihre Auftritte vorzubereiten. Sie hatte einen Fotografen, der sie bei den Proben begleitete. Vor ihren Auftritten machte sie eine Jockey-Diät, um Gewicht zu verlieren.

Beide Performances hatten eines gemeinsam: eine formale Komponente. Sie waren Gemälde in Bewegung. Lebende Bilder, “lebende Skulpturen”, wie Gilbert & George sie tauften. Beide zeigten einen tadellosen Sinn für Komposition.

Ganz anders als die Performance, die ich eines Abends in der Galerie von Inga-Pin erlebte. Ich sah eine Aktion des kalifornischen Künstlers Ron Athey, The Solar Anus (1998), eine Hommage an den surrealistischen Schriftsteller Georges Bataille. Ein fast vollständig tätowierter Körper, eine strahlende schwarze Sonne in der Analgegend, aus der anstelle von Fäkalien Perlenstränge und Lichthöfe hervortreten. Zirkus, Straßendekoration wie im 18. Jahrhundert, masochistische und narzisstische Ausstellung? Sicher, fügen wir die Regression in die Kindheit hinzu. Aber wenn zwischen dem Grotesken und dem Pathetischen eine unheimliche Heiterkeit und eine märchenhafte Atmosphäre zum Vorschein kommen; wenn der Offiziant inmitten dieses “non mori sed pati” sozusagen mit äußerster Langsamkeit eine goldene Krone auf sein Haupt setzt; Wenn also im Verlauf eines Ereignisses, das als dement und abscheulich eingestuft werden kann, in den kleinsten Gesten, in den kleinsten Episoden, in unbedeutenden Umständen ein Hauch von Freude und Poesie auftaucht, eine Poesie, die aus kleinen Nichtigkeiten besteht, die auf etwas anderes aufmerksam machen (wie in der Kunst), dann bedeutet das, dass die Pathologie durchbrochen wird, um kulturell erlöst zu werden.

Hin und wieder habe ich Zweifel, wenn ich ein Pollock-Gemälde und all diese Tuben mit gepresster Farbe betrachte. Gewisse Ausbrüche von Sarkasmus sind berechtigt. Kunst ist keine Religion und auch keine Angelegenheit für anständige Menschen. Die so genannten anständigen Menschen nehmen nicht teil und urteilen nicht, niemand zwingt sie dazu. In ihren Augen entstehen missbrauchte Klischees, wie der Solipsismus von Künstlern, die als Sonderlinge gelten. Kunst muss studiert werden, um verortet, gerahmt zu werden. Es ist sinnlos zu denken, dass die Beziehung zur Kunst in absoluter Geschmacklosigkeit bestimmt wird. Kunst ist unregelmäßig. Aber wir brauchen sie, wie das Überflüssige. Das Überflüssige ist das wirklich Notwendige.

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