Der Gärtner, der eigentlich ein Bauer ist: Van Goghs "italienisches" Meisterwerk

Es gibt spezifische Gründe dafür, dass sich nur drei Werke von Vincent van Gogh in öffentlichen italienischen Sammlungen befinden: der Gärtner und dieArleserin in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rom und die Bretoninnen in der Galleria d’Arte Moderna in Mailand. Einer dieser Gründe ist das geringe Interesse, das Van Goghs Werk bei den italienischen Kritikern hervorrief, für die der niederländische Künstler 1910 noch ein Unbekannter oder wenig mehr war. Zu den wenigen italienischen Kritikern, die sein Werk zu schätzen wussten, gehörte der Apulier Ricciotto Canudo, Dichter und Filmkritiker, Korrespondent aus Paris für die sienesische Zeitschrift Vita d’Arte: In einem seiner Artikel bezeichnete er Van Gogh 1908 als “den größten modernen Koloristen” und reihte ihn in die “Triade der großen neuen Primitiven mit Cézanne und Gauguin” ein, die “den Menschen nicht kopieren, sondern in jedem ihrer Holzstiche, in jedem gemalten Zeichen die Idee Mensch mit naivem und ergreifendem Stolz bekräftigen”.

Es war der Intelligenz eines Macchiaioli-Malers, Gustavo Sforni, der auch ein großer Sammler war, zu verdanken, dass Italien 1910 zum ersten Mal ein Werk von Van Gogh live zu sehen bekam, wie oben erwähnt. Im Februar desselben Jahres war es Sforni, einem weitsichtigen und wohlhabenden 22-Jährigen, gelungen, in Begleitung von Ardengo Soffici, der schon Jahre zuvor in der französischen Hauptstadt gewesen war und den Markt gut kannte, nach Paris zu reisen: Ziel der Reise war ein Rundgang durch die Galerien auf der Suche nach den interessantesten neuen Werken, ein Rundgang, der die beiden in das Atelier von Paul Rosenberg führen sollte, wo Sforni Vincent van Goghs “Bauer” finden und kaufen konnte. Das Urteil von Soffici war jedoch nicht positiv, und es hätte auch nicht anders sein können: seine Neudimensionierung des Holländers war Teil einer kritischen Orientierung, die dazu tendierte, Cézanne als Führer der Schule zu identifizieren, auf die Soffici auch die Malerei von van Gogh bezog, der seiner Meinung nach, zusammen mit Gauguin, nichts anderes als ein Bewunderer und Schüler von Cézanne war: “Anstatt sich auf dem neuen Weg, den dieser eingeschlagen hatte, weiterzuentwickeln”, mussten Van Gogh und Gauguin laut Soffici “die Schwächen seines Werks übertreiben - wie es in solchen Fällen immer der Fall ist - und das Ideal, das ihm am Herzen lag, verraten”.

Vincent van Gogh, Gärtner (September 1889; Öl auf Leinwand, 61 x 50 cm; Rom, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Der Florentiner hatte genau den Gärtner im Sinn (ein etwas unglücklicher Titel, der dem Werk später gegeben wurde: damals hieß es Bauernkopf): Sforni hatte die Leinwand auf der Ersten Italienischen Impressionisten-Ausstellung ausgestellt, die von Soffici selbst im Lyceum Club in Florenz zwischen April und Mai 1910 organisiert wurde. Und obwohl Soffici Van Goghs Talent “und vielleicht einen Funken Genie” anerkannte, schrieb er, dass er “an der Vernunft scheiterte, obwohl die Reife der Jahre ihn vielleicht zu einem einfacheren Verständnis der Natur geführt hätte”. Und weiter schrieb Soffici: "An Vincent van Goghs Bauernkopf mangelt es nicht. Aber es ist schwierig, wenn man die echte, gesunde und offene Kunst eines Renoir, eines Degas, eines Cézanne verstanden und geliebt hat, nicht unzufrieden zu sein angesichts von Werken wie diesem, das mehr oder weniger das mehr oder weniger die Vorzüge und Mängel all jener des holländischen Malers darstellt und statt eines aufrichtigen künstlerischen Temperaments einen widerspenstigen Willen offenbart, der sich mit dem rebellischen und unbesiegbaren Material auseinandersetzt".

Der Primitivismus Van Goghs und die damals fast als wild empfundene Authentizität dieses “sehr seltsamen Künstlers, der aus Unzufriedenheit starb”, wie Canudo ihn definiert hatte, waren jedoch die Züge seiner Persönlichkeit, die Sforni, der 1913 auch in die Provence reiste, um Van Goghs Stätten zu besuchen, am meisten faszinierten. Der Gärtner ist eines der Porträts, die der Künstler während seiner Behandlung in der psychiatrischen Klinik von Saint-Rémy-de-Provence gemalt hat, und die formalen Elemente, die es auszeichnen, sind typisch für den gequältesten Moment seiner Existenz: Der Pinselstrich ist weich, strukturiert und fragmentiert, manchmal von großer Spontaneität geprägt, wie bei den Streifen auf seinem Hemd, manchmal akribischer, mit kurzen Linien, die entlang der Nebeneinanderstellung von Komplementärfarben ständig die Richtung wechseln, vertikal, horizontal, schräg, den Kurven der Landschaftselemente folgend. In der Mitte ist ein junger Mann in halber Länge dargestellt, mit einem ungewöhnlichen Naturalismus: Er wurde kürzlich als ein gewisser Jean Barral identifiziert, ein Bauer, der tagsüber in Saint-Rémy arbeitete. Im Hintergrund ist ein Gemüsegarten zu sehen, was das Gemälde fast einzigartig in Van Goghs Schaffen macht, denn es gibt nur wenige Porträts, die in einer Kulisse entstanden sind, und noch weniger Porträts, bei denen die Identifikation zwischen Subjekt und Umgebung so tiefgreifend ist.

Für Van Gogh war es eine Rückkehr zu einem Thema, das ihm schon immer am Herzen lag: Die durch seine Krankheit hervorgerufene Melancholie erinnerte ihn an die Zeit, die er in Brabant verbracht hatte, und inspirierte ihn sogar dazu, einige seiner Gemälde aus dieser Zeit neu zu malen, wie z. B. Die Kartoffelesser, was dem Künstler jedoch nicht gelang. Sjraar van Heugten, einer seiner größten Gelehrten, hat geschrieben, dass Van Gogh, ein Maler, der auf dem Lande geboren wurde und dem das ländliche Leben völlig vertraut war, seinen Ehrgeiz, ein Maler des ländlichen Lebens zu werden, verwirklichen konnte: ein ländliches Leben, das in seiner Produktion nicht nur durch die schmerzhaften Gemälde von Nuenen zum Ausdruck kommt, sondern auch aus seinen Stillleben, seinen Landschaften und in diesem Fall auch aus dem Porträt des Gärtners, der kein Gärtner ist, hervorgeht.

In den widrigen Umständen seines Krankenhausaufenthalts in Saint-Rémy hatte Vincent van Gogh eine Gelegenheit gefunden, die vollkommene Einheit zwischen Mensch und Natur zu feiern. Am 6. September 1889 schrieb Vincent einen Brief an seinen Bruder Theo, in dem er nicht nur seinen großen Wunsch äußerte, sich dem Genre der Porträtmalerei zu widmen (und der Bauer wurde im September gemalt), sondern auch über eines seiner Gemälde sprach, das die Figur eines Schnitters zeigt: “Ich sah darin das Bild des Todes, in dem Sinne, dass der Mensch das Korn wäre, das gemäht wird [...]. Aber dieser Tod hat nichts Trauriges, er geschieht im vollen Licht des Tages, mit einer Sonne, die alles mit einem Licht von feinem Gold durchflutet”. Mit diesen Überlegungen im Hinterkopf muss man die Gegenwart der Landschaft hinter dem Bauern lesen, die sich in den Farben des Herbstes zu färben beginnt. Dem kräftigen jungen Mann, der sich auf den Weg zu den Verwandten macht, entspricht hinter ihm der Gemüsegarten, der bald seine Üppigkeit verlieren wird: Der “Kreislauf des Lebens”, der in Van Goghs bäuerlichen Werken zentral und allgegenwärtig ist, der Wechsel der Jahreszeiten in einem kontinuierlichen Prozess von Tod und Wiedergeburt, durchdringt hier sowohl das grüne Feld als auch den jungen Dorfbewohner, und in nur wenigen anderen Gemälden Van Goghs findet sich eine so aufrichtige Harmonie, eine so umfassende und vollständige Kontinuität der Farben. In kaum einem anderen Gemälde gibt es eine so aufrichtige Harmonie, eine so vollständige Kontinuität zwischen der Natur und dem Menschen, der in einer Art “heiterer Angst” durch die Trümmer seines verdrehten und nervösen Zeichens explodiert, das nur im Gesicht des Bauern Haltung und Entspannung finden kann. Selbst in Saint-Rémys Zeit gibt es nur wenige andere Werke, die mit solch ekstatischer Unmittelbarkeit all den inneren Dissens zum Ausdruck bringen, den wir aus den Briefen des Künstlers und vielleicht noch mehr aus einigen seiner Gemälde kennen: nicht zufällig hat Giuliano Briganti den Gärtner als Saint-Rémys Meisterwerk betrachtet. Vielleicht nicht ohne einen Hauch von Engstirnigkeit, wenn man bedenkt, dass es sich um das größte “italienische” Meisterwerk des Künstlers handelt: DieArlesiana ist eine Variante eines Themas, das schon oft aufgegriffen und kopiert wurde, die Bretoninnen sind eine Kopie von Gauguin. Der Gärtner ist dagegen ein einzigartiges und wertvolles Gemälde, das Italien auch mehrmals zu verlieren drohte: Zunächst während der Überschwemmung von Florenz im Jahr 1966, vor der es dank der Schnelligkeit von Sandra Verusio, der Ehefrau des damaligen Eigentümers, des Rechtsanwalts Giovanni Verusio, Sfornis Onkel, gerettet werden konnte, und dann in den 1980er Jahren, als das Werk auf den Markt gebracht wurde und Gefahr lief, ins Ausland zu gelangen, weil Und schließlich im Mai 1998, drei Jahre nachdem das Gemälde in die Nationalgalerie gelangt war, als es in einem der spektakulärsten Kunstdiebstähle der Geschichte gestohlen und nur gut einen Monat später wiedergefunden wurde.

Und jetzt, da das Werk endlich ein Zuhause gefunden zu haben scheint, wäre es vielleicht keine schlechte Idee, den Namen zu überdenken, unter dem es der Öffentlichkeit präsentiert wird. Émile Bernard bezeichnete die Leinwand in einem seiner Briefe als " Paysan provençal". Das könnte eine Idee sein.

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