Der Barockzyklus von Valerio Castello im Palazzo Balbi-Senarega in Genua

Das große Ansehen, das Valerio durch so viele seiner wertvollen Werke erlangt hatte, veranlasste Signor Francesco Maria Balbi, ihm den Auftrag zu erteilen, die Fresken in der Galerie seines prächtigen Palastes zu malen, der sich in der breiten Straße befindet, die ihren Namen von dieser illustren Familie hat. Der unerhörte Künstler brachte sowohl im Gewölbe als auch an den Wänden einige Gottheiten mit falschen Statuen, Puttengruppen und anderen pittoresken Fantasien zum Ausdruck, die allgemein und vor allem beim genannten Cavaliere Anklang fanden, der ihn reichlich belohnte. So beschreibt Raffaele Soprani in seinem Leben der Genueser Künstler in wenigen Zeilen die Entstehung, die Verwirklichung und den Erfolg eines der größten Meisterwerke von Valerio Castello (Genua, 1624 - 1659) und des gesamten 17. Jahrhunderts in Genua: den Freskenzyklus, der die Räume des Palazzo Balbi-Senarega schmückt. Das Gebäude aus den 1650er Jahren ist noch heute im Besitz der Familie Balbi, einer der mächtigsten Familien Genuas. Er befindet sich in der großen Straße, die nach der Familie benannt ist (und auch heute noch Via Balbi heißt), da sich hier ihre Residenzen befanden und ein Großteil des heutigen Aussehens auf die Sanierungsarbeiten zurückzuführen ist, die die Balbi selbst zu Beginn des 17. Der Bau des Palastes geht auf das Jahr 1618 zurück: Er war für die Wohnungen von Giacomo Balbi (und seiner Frau Bettina Senarega, daher der Name, unter dem das Gebäude noch heute bekannt ist) und dessen Bruder Pantaleo bestimmt.

Die Doppelloggia des Palazzo Balbi-Senarega in Genua vom Innenhof aus gesehen

Das von Valerio Castello gemalte Wappen der Balbi

Als der Palazzo Balbi-Senarega erbaut wurde, war Valerio Castello noch nicht geboren. Er war ein junger Künstler, als der neue Besitzer Francesco Maria Balbi ihn mit der Ausschmückung der Säle und Salons des zweiten Piano Nobile beauftragte. Wir schreiben das Jahr 1654: Valerio ist einunddreißig Jahre alt, aber bereits ein erfolgreicher Maler, der größte Vertreter des Barocks in Genua. Das Gebäude war modernisiert worden, und man brauchte ein Dekorationsschema, das der Bedeutung des Palastes und der dort lebenden Familie angemessen war. Das ikonografische Programm hat ein präzises Ziel: die Macht der Familie Balbi zu feiern, indem es ihre Macht, ihre Eigenschaften, ihre Gaben und ihr Wirken durch verschiedene Episoden aus der Mythologie in Erinnerung ruft. Das Programm bezieht sich auf dengesamten Palast: Der Besucher muss schon beim Eintreten und beim Anblick der Skulpturen des prächtigen hängenden Gartens wissen, mit wem er es zu tun hat. Die bei Valerio Castello in Auftrag gegebenen Fresken sind also Teil dieses Programms, das den Glanz der Familie Balbi verherrlichen soll.

Der Maler beginnt mit der vielleichtanspruchsvollsten Aufgabe: der Bemalung der langen Galerie über dem Garten, die heute als Galerie der Vergewaltigung der Persephone bekannt ist, weil sich die gesamte Dekoration um diese Episode dreht. Dreh- und Angelpunkt der Erzählung ist die Göttin Demeter (bei den Römern Ceres), Schutzgöttin der Ernten, des Getreides, des Ackerbaus und der Fruchtbarkeit der Erde: Der symbolische Bezug bezieht sich nicht nur auf das Thema der Natur, die den Wohlstand hervorbringt, das Leitmotiv der Dekorationen im gesamten Palast, sondern auch auf den Reichtum der Familie Balbi. Die Geschichte beginnt auf der Lünette der Eingangswand mit einer Szene, die den Sturz von Phaeton darstellt, dem mythischen Sohn des Sonnengottes Helios, der von seinem Vater die Möglichkeit erhielt, den Wagen zu lenken, mit dem Helios das Licht auf die Erde brachte. Aufgrund seiner Unerfahrenheit stürzte Phaeton jedoch in den Fluss Eridanus (der mit dem Po identifiziert wird). Einigen Versionen des Mythos zufolge wurde er von Zeus durch einen Stromschlag getötet, um zu verhindern, dass der junge Mann mit dem Wagen der Sonne weiteren Schaden auf der Erde anrichtet. Phaeton hatte nämlich einen Großteil der Vegetation der Erde verbrannt und sie damit ausgetrocknet: Die Episode, die scheinbar nichts mit dem Kontext zu tun hat, wird daher mit der Figur der Demeter in Verbindung gebracht, die nach Phaetons Sturz alles daran gesetzt hätte, die Erde wieder fruchtbar zu machen. Phaeton ist als junger, gut aussehender Mann dargestellt, der von einem Wagen gestürzt wird, der von zwei tänzelnden Pferden gezogen wird: Der Held ist perspektivisch verkürzt, denn Valerius Castello wollte die Illusion erwecken, dass wir den Sturz miterleben und Phaeton so sehen, als würde er auf uns, die wir unter ihm stehen, herabstürzen. ZumIllusionismus dieses Freskos trägt auch der Kontext bei, in dem sich die Episoden abspielen: eine Scheinloggia aus Marmor mit einer mächtigen und phantasievollen Barockarchitektur, die von dem jungen Andrea Seghizzi (Bologna, 1630 - 1684) geschaffen wurde, der mit den Quadraturen, d. h. dem Komplex der perspektivischen Darstellungen der gefälschten architektonischen Elemente, betraut war.

Valerio Castello, Galerie der Vergewaltigung der Persephone (1655-1659; Fresken, Genua, Palazzo Balbi-Senarega)

Der Blick auf den Garten von der Galerie aus

Der Sturz des Phaeton

Wenden wir unseren Blick von der Lünette Phaetons ab und wenden uns der Galerie zu, sehen wir Demeter (in roter Kleidung, in Begleitung einiger Mägde und erkennbar an den Ähren auf ihrem Kopf), die sich direkt an ihren Bruder Zeus wendet, den Göttervater, den Valerius Castello auf einem Wolkenthron sitzend zusammen mit Neptun (dem Gott des Meeres, mit seinem Dreizack) und Kronos (letzterer erkennbar an seiner Sense), begleitet von seinem Adlersymbol, darstellt, während er ein Bündel von Donnerkeilen hält: Die Göttin zeigt auf die unfruchtbare Erde und fleht Zeus an, etwas zu tun. Es gibt eine weitere Episode, die mit dem Thema der Unfruchtbarkeit der Erde zusammenhängt, diesmal in direktem Zusammenhang mit der Göttin der Ernte: Es handelt sich um die Entführung ihrer Tochter Persephone, die von Hades, dem Gott der Unterwelt, in die Unterwelt entführt wurde, der sich in sie verliebt hatte und sie zu seiner Braut machen wollte. Demeter hätte ihre Tochter gerne auf die Erde zurückgebracht: Persephone musste jedoch, nachdem sie einige Granatapfelkerne gegessen hatte, in der Unterwelt bleiben, denn nach der Mythologie gab es für diejenigen, die die Früchte der Unterwelt aßen, keinen Ausweg. Zeus fungierte als “Vermittler” zwischen Demeter und Hades, und es kam zu einer Einigung: Da Persephone nur sechs Kerne gegessen hatte, durfte sie sechs Monate des Jahres in der Unterwelt bleiben, und in den restlichen sechs Monaten durfte sie sich mit ihrer Mutter vereinen. Der Mythos wurde entwickelt, um denWechsel der Jahreszeiten zu erklären: Herbst und Winter während der sechs Monate, die Persephone in der Unterwelt verbrachte, Frühling und Sommer während der Zeit, in der sie auf die Erde zurückkehrte und diese wieder mit Blumen und Früchten bedeckt war. In der von dem genuesischen Maler dargestellten Episode drückt Hades, der in eine schwarze Wolke gehüllt erscheint, eine sich wehrende Persephone fest an sich, um sie mit in sein Reich zu nehmen. Das Erzählschema und die Posen der Figuren (z. B. die des Hades, der Persephone mit seinem muskulösen Arm um die Taille fasst, um sie ruhig zu halten) erinnern an andere “Ratten der Persephone”, die Valerio Castello zuvor gemalt hatte: Dies gilt beispielsweise für die ebenfalls in Genua, aber im Palazzo Reale erhaltene Leinwand und vor allem für das Gemälde im Palazzo Barberini in Rom, wo die Posen der Figuren fast identisch mit denen im Palazzo Reale sind. Es handelte sich nämlich um ein Thema, das der Künstler mehrfach aufgegriffen hatte und dessen ikonografische Tradition im Barock auf die berühmte Vergewaltigung der Persephone von Gian Lorenzo Bernini zurückgeht, die sich heute in Rom in der Galleria Borghese befindet (das Motiv des Arms von Pluto, der sich ausstreckt, um das junge Mädchen zu ergreifen, taucht auch bei Bernini auf).

Eine andere Ansicht der Galerie der Vergewaltigung der Persephone. <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_03.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Ein Detail des Gewölbes der Galerie

Links, Demeter (rotes Kleid) und Persephone beim Spiel mit ihren Gefährtinnen. Rechts, von links, Athene, Aphrodite und Artemis

Von links: Kronos, Zeus, Neptun

Die Vergewaltigung der Persephone

Valerio Castello, Die Entführung der Persephone (um 1650; Öl auf Leinwand, 148 x 217 cm; Genua, Palazzo Reale)

Valerio Castello, Die Entführung der Persephone (um 1650; Öl auf Leinwand, 128 x 151 cm; Rom, Palazzo Barberini, Galleria Nazionale d’Arte Antica)

Gian Lorenzo Bernini, Die Vergewaltigung der Persephone, Detail (1621-1622; Marmor, 255 cm; Rom, Galleria Borghese). Kredit

Das Fresko, das die Gewölbe der Galerie schmückt, enthält alle Figuren des Persephone-Mythos sowie weitere Gottheiten, die Valerio Castello einfügt, um dem Betrachter zu helfen, die Protagonisten der Geschichte zu erkennen. Es beginnt mit der Figur des Apollo, der seine Leier hält und den wir im ersten Gewölbe sehen, dem neben der Wand mit dem Sturz des Phaeton: nicht weit von ihm entfernt, auf der gegenüberliegenden Seite der Szene, haben wir einige der Musen. Die Gruppe, der die Mythologie den Schutz der Künste und der Poesie anvertraut hat, hat die Funktion, die gesamte Erzählung “einzuleiten”, fast so, als ob sie einen Text oder ein Gedicht vorträgt. Auf dem Gewölbe unmittelbar vor dem Ausgang der Galerie zeigt Dionysos mit seinem rechten Arm auf Eros, den Amor der Römer, der die Pfeile vorbereitet, die er auf den Gott der Unterwelt schießen soll, um ihn dazu zu bringen, sich in Persephone zu verlieben. Hades kommt inmitten der üblichen schwarzen Wolken an: Er ist von hinten dargestellt, erkennbar an der gleichen Krone, die er in der Lünette trägt, und er steht der Figur der Demeter gegenüber. Nicht weit entfernt streiten drei Göttinnen, nämlich Athene, Aphrodite und Artemis, miteinander: Die Verbindung zwischen diesen Göttinnen und der Entführungsgeschichte wird deutlich, wenn man annimmt, dass zu den literarischen Quellen von Valerius Castello neben Ovids Metamorphosen auch ein Gedicht von Claudianus, De raptu Proserpinae, gehört, in dem Athene und Artemis zusammen mit Persephone Blumen pflücken, als das junge Mädchen von Hades entführt wird, und Aphrodite Eros auffordert, Hades dazu zu bringen, sich in sie zu verlieben. Nach der von der Kunsthistorikerin Ezia Gavazza vorgeschlagenen Identifizierung hätte der Maler dann einige der Figuren gemalt, die in der Geschichte nach Persephones Verschwinden auftauchen: Es handelt sich um die Töchter des Celaeus und der Metanira, die Demeter auf der Suche nach ihrer Tochter getroffen hatte und die sie zum Haus ihrer Eltern geführt hätten, die der Göttin Gastfreundschaft angeboten hätten. Im Gegenzug soll Demophon, ein anderer Sohn von Kaelaeus und Metanira, die Gabe der Göttlichkeit angeboten haben: Auf der gegenüberliegenden Wand ist Demeter dargestellt, wie sie das Kind säugt. Auf der gegenüberliegenden Wand ist Demeter abgebildet, die das Kind säugt. Auch hier ist die Nymphe Arethusa zu sehen, die Demeter als erste von der Entführung Persephones berichtet: Sie befindet sich in der Nähe des Gottes Aeolus. Erwähnenswert ist auch die Figur des Götterboten Hermes, der von Zeus beauftragt wurde, Persephone auf die Erde zurückzubringen. Wie in der Lünette ist das junge Mädchen auch im Hauptfresko dargestellt: Wir sehen sie in der Nähe ihrer Mutter, die unbeschwert mit einigen Gefährten spielt.

Links steht Aeolus, rechts Hades. <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_20.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Apollon mit einer Muse

Drei Musen und, links, der Gott Hephaistos

Links die Gruppe mit Athene, Aphrodite und Artemis. In der Mitte Eros, rechts unten Hermes. <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_20.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Die Figur der Zeit, die im Gewölbe der Galerie von Chronos symbolisiert wird, ist der große Protagonist des großen und szenografischen Freskos, das die Decke des Saals des Wagens der Zeit schmückt und charakterisiert (und dem Raum seinen Namen gibt). Eine kraftvolle Darstellung, bei der die Architektur Mühe hat, die Figuren zu fassen, denn die Hände und die Wolken dringen in die falschen Gesimse ein: Ein Vorgriff auf die Erfindungen, die von einem anderen großen Genie der barocken Freskenmalerei, ebenfalls aus Genua, Giovanni Battista Gaulli, genannt Baciccio, endgültig eingeführt werden sollten, der sich fünfzehn Jahre später in seinem in Rom gemalten Triumph des Namens Jesu wahrscheinlich an die Hinweise und Anregungen erinnerte, die er in seiner Heimatstadt erhalten hatte, die zur Zeit von Valerio Castello tatsächlich zu einer der Hauptstädte der barocken Dekoration geworden war.

Es ist wiederum Raffaele Soprani, der uns Hinweise gibt, wie die Figuren dieser großartigen Allegorie zu interpretieren sind: Valerio hat in dem oben erwähnten Raum den Wagen der Zeit dargestellt, der von den vier Zeitaltern des Menschen gezogen wird: und über dem Gesims andere symbolische Dinge, die denselben Zeitaltern entsprechen. Gegenüber der Haupteingangstür befinden sich der Ruhm und verschiedene andere Figuren: die Fortuna und andere Gottheiten, die das Emblem vervollständigen. Der Wagen ist dynamisch in seinem schwungvollen Vormarsch dargestellt, der vor nichts Halt macht und so den unaufhaltsamen Lauf der Zeit besonders wirkungsvoll visualisiert. Und als ob die Allegorie nicht schon deutlich genug wäre, wird sie noch deutlicher durch die Putten in der linken oberen Ecke, die eine Schriftrolle mit der Aufschrift Volat irreparabile (die Zeit vergeht unaufhaltsam) tragen, ein Ausdruck aus Vergils Georgien. Es handelt sich jedoch nicht um ein Fresko mit negativen Tönen, wie die bereits erwähnte Ezia Gavazza hervorhebt: Oben links befindet sich eine geflügelte Figur, die die Allegorie derEwigkeit darstellt. Letztere sitzt ganz links auf einem Marmorthron und verteilt die Symbole der Ewigkeit (der Kreis) und der Herrlichkeit (die Krone) an die Figuren, die den Wagen der Zeit ziehen. Ewigkeit und Ruhm sind also die Endpunkte des Zeitablaufs, und natürlich sind sie auch die Ziele, die die Familie Balbi anstrebt.

Valerio Castello, Saal des Zeitwagens (1655-1659; Fresken; Genua, Palazzo Balbi-Senarega). <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_25.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Detail aus dem Saal des Wagens der Zeit. <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_25.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Die Putten mit der Kartusche und der Figur der Zeit. <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_25.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Nachdem Francesco Maria Balbi die Ergebnisse der ersten beiden Werke von Valerio Castello und Andrea Sighizzi gesehen hatte, war er begeistert und beschloss, wie auch Soprani bezeugt, den großen Maler und seinen Mitarbeiter mit der Ausschmückung von zwei weiteren Räumen zu betrauen, nämlich dem Sala della Pace und dem Sala di Leda: Nachdem diese Arbeit beendet war, hörte das Genie von Herrn Balbi nicht auf, unseren Maler zu beschäftigen. Dieser beauftragte ihn jedoch mit der Ausschmückung zweier weiterer Salons. Im ersten stellte Valerio die drei Grazien mit verschiedenen Putten und Medaillen um sie herum dar, im zweiten vier Fabeln von Diana und anderen Göttern. Auch Sighizzi arbeitete in diesen Sälen, indem er die äußeren Ornamente und Perspektiven anfertigte. Wenn wir im Friedenssaal den Blick heben, werden wir mit dem prächtigen Schauspiel einer illusionistisch durchbrochenen Decke konfrontiert: Sighizzis bemerkenswerte Architektur öffnet sich, fast wie ein vierblättriges Kleeblatt, zu einem klaren Himmel, als gäbe es nichts über unseren Köpfen, sondern nur das Gewölbe des Himmels. Im Himmel erscheinen die Figuren dreier Gottheiten, die als Frieden,Freude undÜberfluss bezeichnet werden. Die Figuren besetzen die Lappen des vierblättrigen Klees mit großer räumlicher Weisheit: Unser Auge folgt zwei Diagonalen, die von der zentralen Figur des Friedens ausgelöst werden, die einen Olivenzweig in der Hand hält und darauf wartet, dass die beiden Putten, die von rechts kommen, zusammen mit der Taube, ihr einen weiteren bringen. Die erste Diagonale ist genau diejenige, die von diesen beiden Putten ausgeht und sich auf der gegenüberliegenden Seite mit der Figur der Allegrezza fortsetzt, die links unten Blumen auf die herbeieilenden Amoretten streut und so die imaginäre Linie vervollständigt, die rechts oben beginnt. Die zweite Diagonale hat ihr Zentrum im Olivenzweig, den der Friede hält, und ihre Enden in der Figur des Überflusses, die links vom Frieden sitzt und ihre Hand auf ein Füllhorn stützt, sowie in den Putten, die oben links flattern. Die reichhaltige Dekoration setzt sich in den Bögen fort, die sich ebenfalls zum klaren blauen Himmel hin öffnen und auf denen Putten mit allerlei Gaben erscheinen. Die Säulen, Gesimse und Zwickel sind mit Statuen von Gottheiten und dekorativen Elementen (Girlanden, Muscheln, Girlanden) besetzt, und es gibt keinen Zentimeter, der nicht verziert ist. Das Bild krönt das ikonografische Programm, indem es uns die drei Eigenschaften präsentiert, die das Werk der Familie Balbi begleiten sollten.

Valerio Castello, Saal des Friedens (1657-1659; Fresken; Genua, Palazzo Balbi-Senarega). <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_27.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Detail des Saals des Friedens. <a href=’https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Palazzo_Balbi-Senarega_Genoa_27.JPG’ target=’_blank’ rel=’nofollow’ Kredit

Valerio Castellos Eingriffe in den Palazzo di Francesco Balbi enden im Sala di Leda, einem renovierungsbedürftigen Salon, der zum ältesten Teil des Palazzo gehört (also aus den Jahren 1618-1620 stammt): Auch hier simuliert eine bunte, vergoldete Architektur die Öffnung eines Okulars, in das der Genueser Künstler die Figur der Leda, der Heldin der griechischen Mythologie, stellte, die von Zeus besessen war, der, um sich mit ihr zu vereinigen, die Gestalt eines Schwans angenommen hatte (aus dieser Vereinigung gingen später die Dioskuren, Kastor und Pollux, hervor). Die freimütige Gestalt der Leda, die von drei Putten unter Mitwirkung des Göttervaters, der sich bereits in einen Schwan verwandelt hatte, in die Flucht geschlagen wird, steht im Kontrast zur hemmungslosen Pracht der dekorativen Ausstattung, die ein weiteres wichtiges Zeugnis für den besonderen (wenn auch zeitgemäßen) Geschmack der Familie Balbi darstellt.

Das Leben von Valerio Castello endete unter ungeklärten Umständen im Jahr 1659: Der Künstler war erst 35 Jahre alt und sein Werk im Palazzo Balbi wurde von anderen Künstlern vollendet, die mit der Fortsetzung des Zyklus mit anderen Szenen betraut wurden, die weitere prächtige Räume schmückten. Heute beherbergt der Palazzo Balbi-Senarega die geisteswissenschaftliche Fakultät derUniversität Genua, die ihn 1972 von den letzten Besitzern übernommen hat. Die Galleria del Ratto di Persefone (Galerie der Vergewaltigung der Persephone) beherbergt beispielsweise einen Teil der Bibliothek, während die angrenzenden Säle Lesesäle, Computerräume und Büros beherbergen. Der Besuch dieses unschätzbaren Meisterwerks des italienischen Barocks findet also in einem besonderen Kontext statt, denn wir befinden uns an einem aktiven Ort, und wir müssen berücksichtigen, dass die Bedürfnisse derjenigen, die hier täglich leben, ganz andere sind als die derjenigen, die eintreten, um die Meisterwerke von Valerio Castello (und anderen) zu bewundern. Aber das Schöne an Genua (und an Italien im Allgemeinen) ist auch das: Meisterwerke, die unsere Kunstgeschichte geprägt haben, in Gebäuden zu sehen, die, vielleicht oft mit anderen Funktionen als die ursprünglichen, noch bewohnt werden.

Referenz-Bibliographie

• Marzia Cataldi Gallo, Luca Leoncini, Camillo Manzitti, Daniele Sanguineti (Hrsg.), Valerio Castello, 1624-1659: das moderne Genie, Ausstellungskatalog (Genua, Museo di Palazzo Reale - Teatro del Falcone, 15. Februar - 15. Juni 2008), Skira, 2008
• Camillo Manzitti, Valerio Castello, Allemandi, 2004
• Ezia Gavazza, Lo spazio dipinto: il grande affresco genovese nel ’600, SAGEP, 1989

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