Das traumhafte und historische Universum von William Kentridge

Das Werk von William Kentridge (Johannesburg, 1955) ist reich an Referenzen. Kino, Literatur, bildende Kunst, Theater, aber auch soziale, historische und politische Themen bilden sein Universum. Seine künstlerische Praxis ist in der Tat das Ergebnis einer vielseitigen Ausbildung, die der Künstler selbst als “Biografie des Scheiterns” bezeichnet. In Interviews erzählt Kentridge von seiner allmählichen “Kapitulation” vor der Idee, Künstler zu sein, nachdem er verschiedene Wege ausprobiert hatte. Als er im Alter von drei Jahren darüber phantasierte, was er später einmal werden wollte, hatte er keine Zweifel: ein Elefant. Diese Anekdote, die der Künstler immer wieder erzählt, verrät bereits ein Merkmal seiner Arbeit und seiner Person: eine starke selbstironische Haltung. Im Alter von fünfzehn Jahren träumte er davon, ein Orchester zu dirigieren, was er jedoch bald aufgab, nachdem er sich des dafür erforderlichenStudiums bewusst wurde. Er schloss sein Studium der Politikwissenschaften und Afrikastudien (1976) an der University of the Witwatersrand in Johannesburg ab, seiner Heimatstadt, die er nie verlassen hat. Von klein auf der Kunst, insbesondere der Zeichnung, und dem Theater zugetan, besuchte Kentridge zwischen 1976 und 1978 die Johannesburg Art Foundation. Hier experimentierte er mit mäßigem Erfolg mit der Malerei, die er damals als das Ausdrucksmittel schlechthin betrachtete, vielleicht in einer stereotypen Identifizierung zwischen Künstler und Maler. Er beschließt dann, sich endgültig dem Theater zuzuwenden und studiert an der École Jacques Lecoq in Paris. Nach einigen Wochen gab er die Bühne wieder auf. Er versucht sich auch im Kino, aber in seinen Dreißigern ist er schließlich nur noch ein Künstler (das Interview Reduced to being an artist, Louisiana Museum of Modern Art, trägt auch den Titel dieses Zustandes).

Die Inspirationsquellen für seine Werke (Drucke, Skulpturen, Wandteppiche, Performances, Theaterproduktionen, Animationen) sind vielfältig und speisen sich aus den autobiografischen Erfahrungen des Künstlers, der in einer Familie weißer Anwälte aufwuchs, die sich stark im Kampf gegen dieApartheid engagierten, die bekanntlich bis in die 1990er Jahre der schwarzen südafrikanischen Bevölkerung alle Rechte zugunsten der weißen Minderheit vorenthielt. Starke Erfahrungen, die in seinem Werk widerhallen, das ausdrücklich der Lehre des etwas jüngeren Südafrikaners Dumile Feni (Worcester, 1942 - New York, 1991) geschuldet ist. Letzterer, einer der bedeutendsten südafrikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts, ist der Autor von African Guernica (1967), einer Überarbeitung von Picassos Meisterwerk von 1937. Sein figuratives Werk ist eine Art visueller Kommentar zur Apartheidpolitik aus der Perspektive der Schwarzen. Von ihm hat Kentridge den kräftigen Strich und den sehr reduzierten Einsatz von Farbe in einem schwarz-weißen Universum geerbt, das in einigen Fällen Blau oder Rot willkommen heißt.

Wie bereits erwähnt, führt Kentridges breit gefächerte Ausbildung seine Forschung natürlich zu einer Hybridisierung verschiedener Techniken und Genres, die sich gegenseitig durchdringen, verschmelzen und ihr Ausdruckspotenzial steigern können. Der Ausgangspunkt ist nach wie vor die Zeichnung, aus der der Künstler ausgefeilte Animationsfilme entwickelt, die durch die Verkettung verschiedener, nicht von vornherein festgelegter Szenen in einem Prozess ständiger Streichungen und Änderungen der Geschichten in Bildern entstehen. In der Tat ist eines der grundlegenden Merkmale von Kentridges Werk die Unsicherheit. Innerhalb dieser Kategorie legt der Künstler verschiedene Arbeitsweisen für den kreativen Prozess fest. Die Wahl von Holzkohle als bevorzugtes Medium ist gerade auf die Möglichkeit zurückzuführen, dass sie leicht gelöscht werden kann und Schatten auf dem Untergrund hinterlässt. Auf diese Weise kann man im Idealfall die Entfaltung eines Gedankens verfolgen, der nicht immer geradlinig und definiert ist, sondern in der Vorstellung des Künstlers auf dem Blatt Gestalt annimmt. Die Entscheidung, den Animationsfilmen kein präzises Storyboard zugrunde zu legen, entspricht auch der Notwendigkeit, dem Konzept der Zufälligkeit in der künstlerischen Produktion Rechnung zu tragen. Für den Künstler ist dies nämlich genau die Art und Weise, wie wir die irrationale Welt um uns herum interpretieren können, indem wir in einem kontinuierlichen Prozess des Schreibens, des teilweisen Auslöschens und des Umschreibens eine Erinnerung mit Erzählungen konstruieren, die manchmal verzerrt sind. Diese Vorgehensweise verleiht dem Werk eine starke zeitliche, subjektive und impulsive Dimension. In dieser Hinsicht scheint die komplexe Installation Die Verweigerung der Zeit (2012) Kentridges Gefühl, dass das Konzept der Zeit selbst nicht als unidirektionale, kontinuierliche Linie zu verstehen ist, vollständig wiederherzustellen. Das Werk, das von der Theateraufführung Refuse the hour (2012) begleitet wird, führt einige Elemente des frühen Kinos und des experimentellen Theaters ein, die von den Avantgarde-Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts vorgeschlagen wurden, um die aurale Forschungsperiode, die zur Veröffentlichung von Einsteins Relativitätstheorie im Jahr 1905 führte, visuell vorzustellen und Hypothesen aufzustellen.

Dumile Feni, Afrikanisches Guernica (1967; Kohle auf Zeitungspapier, 226 x 118 cm; Alice, Universität von Fort Hare)

William Kentridge, Die Verweigerung der Zeit (2012; Fünf-Kanal-Videoinstallation, Dauer 30’)

Thematisch bewegen sich die Werke zwischen einer fantastischen und einer eher historischen und politischen Bildsprache. Zur ersten Kategorie gehören Werke wie Journey to the moon (2003), in dem der Künstler die Verwandlung einer Kaffeetasse in ein Teleskop beobachtet, mit dem er das Universum erkunden kann. Auch die Kaffeekanne verliert ihre traditionelle Funktion und hebt wie ein Raumschiff zum Mond ab. Die Weltraum-Mokka-Kaffeekanne kracht schließlich in den irdischen Trabanten - ein Zitat aus dem berühmten Le voyage dans le Lune (1902) von Georges Méliès, dem auch in der Serie 7 fragments for Georges Méliès (2003) gehuldigt wird. Wie der frühe Kinoklassiker ist auch Kentridges Mondreise im Atelier des Künstlers, dem Ort des Schaffens schlechthin, aufgenommen. Dieser emblematische Mikrokosmos stellt für Kentridge eine Art Erweiterung seines Geistes dar, wie er selbst in dem von Rosa Beiroa gedrehten Kurzfilm The mind of an artist (2018) erklärt. Das Atelier ist auch der Raum, in dem Kentridge mit einer ständigen Spaltung des Selbst experimentiert und von Zeit zu Zeit die Rolle des Schöpfers und des Betrachters der Werke übernimmt. Die Spaltung des Künstlers findet auch innerhalb der Werke statt, wo seine Selbstporträts mehrfach auftauchen. Dies ist der Fall in Second-Hand Reading (2013). In der Videoarbeit beginnt Kentridges Hand, in einer Enzyklopädie zu blättern. Darin überlagern vom Künstler gezeichnete Landschaften, Tiere und menschliche Figuren die Seiten und erwachen zum Leben. Zu den Zeichnungen gehört auch die Silhouette des Künstlers, der nachdenklich Seite für Seite den Band durchblättert.

Ein Zyklus von Animationen stellt zwei fiktive Figuren vor, die sich vor dem Hintergrund des Johannesburg der 1980er und 1990er Jahre bewegen. Soho Eckstein ist ein kalter weißer Immobilienentwickler, der nur an seinem Geschäft interessiert ist. Sein Alter Ego, ein positiverer Charakter, ist Felix Teitelbaum. Die beiden erscheinen in Johannesburg, der zweitgrößten Stadt nach Paris (1989), auf ausgebeutetem Land, einer extrem kargen Landschaft. Neben ihnen, in Ecksteins Büro, strömen Reihen gesichtsloser afrikanischer Bergarbeiter vorbei, bis Felix im Finale mehrere ihrer abgetrennten Köpfe entdeckt. Die Szene erinnert an ein Erlebnis, das der Künstler hatte, als er in jungen Jahren auf gewalttätige Fotos von Massakern stieß, die seinem anwaltlichen Vater zur Verfügung standen. Mit diesem ironisch betitelten Werk prangert Kentridge die Ausbeutung in Südafrika an, reflektiert über Kolonialismus und Kapitalismus und spielt auf die unmenschliche Politik an, die weit über die afrikanischen Grenzen hinaus in der westlichen Welt herrscht.

William Kentridge, Reise zum Mond (2003; 35- und 16-mm-Film auf Video übertragen, Dauer 7’10"; New York, MoMA)

Le voyage dans le Lune von Georges Méliès (1902)

William Kentridge, 7 Fragments for Georges M éliès (2003; 7 Videoprojektionen, schwarz-weiß, stumm; Rivoli, Castello di Rivoli)

William Kentridge, Secondhand Reading (2013; Peking, UCCA Center for Contemporary Art)

William Kentridge, Johannesburg - Zweitgrößte Stadt nach Paris (1989; 16 mm Film; Los Angeles, The Broad)

Einige Jahre später wird in Felix in Exile (1994) eine neue Figur eingeführt. Eine afrikanische Frau, Nandi, beginnt die Animation, indem sie die noch immer trostlose afrikanische Landschaft zeichnet und die Körper einiger Verwundeter auf dem Boden zeigt. Felix, der bereits in früheren Werken zu sehen war, befindet sich im Exil und verfolgt mit der Kamera die Geschichte von Nandi. Die beiden begegnen sich durch den Spiegel, dank eines Teleskops, das sie in Kontakt bringt, bis die Frau getroffen wird und sich auflöst wie die anderen verwundeten Körper. Dann dringt Wasser in den Raum ein, in dem Felix steht, in Anspielung auf das Weinen und den Schmerz, aber auch auf die Idee einer neuen Wiedergeburt. Kentridge wirft die Frage nach dem historischen Gedächtnis der kolonialen Vergangenheit und der Neudefinition einer nationalen Identität auf, die auf Erinnerung statt auf Auslöschung beruht. In einem anderen Kapitel dieser Serie, History of the Main Complaint (1996), werden das Gedächtnis und das Bewusstsein von Soho Eckstein untersucht. Von einem Krankenhausbett aus durchläuft der komatöse Mann in seinen Gedanken die Gewalt, die an Schwarzafrikanern verübt wurde, und erhält augenblicklich dieselben Wunden an seinem Körper. Soho wacht auf und geht wieder an die Arbeit, ohne dass der Zuschauer erfahren darf, ob der Krankenhausaufenthalt auch zu einer moralischen Erlösung geführt hat. Das Stück ist historisch in den Jahren der Wahrheits- und Versöhnungskommission angesiedelt, einer Einrichtung, die 1995 gegründet wurde, um die Verbrechen der Apartheid aufzuarbeiten und das Land zur Demokratie zu führen.

Die ständige Konfrontation mit der Geschichte ist auch ein Element in Triumphs and Laments (2016), dem großen Fries am Ufer des Tiber in Rom. Das Werk ist als eine Art “Graffiti im Negativ” mit ephemerem Charakter konzipiert, das dazu bestimmt ist, mit der Zeit zu verschwinden. Kentridge fügt kein Material hinzu, sondern lässt mit Hilfe von Hydropolouring monumentale Figuren aus dem Smog und dem Schmutz auf der Wand auftauchen. Sie zeichnen den Ruhm und die Niederlagen der Stadt von der Antike bis zur Gegenwart nach. Auf einer Länge von etwa 500 Metern lädt Kentridge im Idealfall fast hundert Figuren zu einem Spaziergang entlang des Flusses ein, wobei er eine noch nie dagewesene Neuinterpretation der Geschichte vorschlägt und u. a. Marcus Aurelius, Mussolini, Romulus und Remus, Pasolini, Michelangelo, Victor Emmanuel, die kapitolinische Wölfin und viele andere, die sich aufgrund ihrer Chronologie kaum hätten begegnen können, nebeneinander stellt.

William Kentridge, Felix im Exil (1994; 35-mm-Film auf Video übertragen, Farbe, Ton, Dauer 8’43"; New York, MoMA)

William Kentridge, History of the main complaint (1996; 35-mm-Film auf Video übertragen, schwarz-weiß, Ton, Laufzeit 5’50"; London, Tate Modern)

William Kentridge, Triumphs and Laments (2016; Rom, Lungotevere)

Auch Kentridge selbst wurde von Iwona Blazwick, der Direktorin der Whitechapel Gallery, einer bedeutenden Londoner Institution, in der der Südafrikaner 2016 ausstellte, mit berühmten Künstlern wie Albrecht Dürer und Rembrandt verglichen. Im Alter von sechsundsechzig Jahren wird der Künstler offiziell als einer der Meister der zeitgenössischen Kunst anerkannt , als Erbe der expressionistischen Grafiksprache von George Grosz, Otto Dix und Max Beckmann, aber auch des dadaistischen Geistes. Mit “einer Erfindung von außerordentlicher Tragweite”, wie Renato Barilli in seinem Überblick über die Kunst vor und nach 2000 definiert, belebt Kentridge seine Kohlekreationen und experimentiert mit einer Ausdrucksweise, die “reich an künstlerischen Koeffizienten im vollsten Sinne” ist (Renato Barilli, Prima e dopo il 2000. La ricerca artistica 1970-2005, Feltrinelli Editore, Mailand, S. 198-200). In Zusammenarbeit mit verschiedenen Fachleuten (Komponisten, Kostümbildnern, Ton- und Lichttechnikern, Performern) erweckt der südafrikanische Künstler ein komplexes Universum zum Leben, das vollständig erkennbar und doch unvorhersehbar ist und in seinen vielfältigen Anregungen erforscht werden muss.

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