Das Gesamtprojekt. Eine kurze Geschichte des Dialogs zwischen Kunst und Design

Über die Beziehungen zwischen Künstlern und Designern und Designern zu sprechen ist einfach und komplex zugleich. Es gibt viele italienische und internationale Beispiele, und inzwischen haben sogar Lehrbücher der Designgeschichte begonnen, ihre Wege zu skizzieren und ihre Auswirkungen zu untersuchen. Unsere - ausschließlich italienische - Vorstellung, dass es eine Kunst mit einem großen ’a’ und eine Art des kulturellen Ausdrucks gibt, die im Gegensatz zum Design nur die industrielle Großproduktion zum Ziel hat, ist eine moralistische und provinzielle Haltung, die, so wage ich zu behaupten, nirgendwo sonst auf der Welt eine Parallele hat. Ich sage moralisch, weil sie mit der Beziehung zwischen Kreativität und Markt verbunden ist (etwas, das als unschicklich und vage unmoralisch angesehen wird), als ob die kapitalistische Kunst nicht vom Markt, sondern nur von Luft und Intuition leben würde. Der von Walter Benjamin beschriebene Verlust der Aura geht auf die 1930er Jahre zurück und bezieht sich auch auf die Beziehung zwischen Kunst und Fotografie, Kunst und Kino, gerade wegen der Reproduzierbarkeit des mechanischen Mediums und der Wahrnehmung des Betrachters im Vergleich etwa zu einem Gemälde auf Leinwand. Er starb lange vor dem Aufkommen explosiver Phänomene, wie zum Beispiel der Pop Art, die unerwartete Wege einschlug und eine Sprache hervorbrachte, in der das Wort Pop auf alles ausgedehnt werden kann, so wie ein Film als “Fellini-mäßig” bezeichnet werden kann, und wir alle verstehen, was gemeint ist.

Aber wir hatten Leon Battista Alberti und seine “Kategorien”, und wir haben nicht viel von dort reformiert. Andererseits wurde die Erfindung von Arts & Crafts im 19. Jahrhundert in England von einem brillanten William Morris zusammen mit seinen Weggefährten, den Präraffaeliten, geboren, die von uns lange Zeit verachtet wurden, da sie als “kleine” Künstler, als Nischenkünstler, wie man sagt, angesehen wurden. Morris dachte in der Tat an eine Kunst, die das kulturelle und soziale Universum in all seinen Deklinationen einbezog (wie es auch der Fall war, wenn auch auf andere Weise im berühmteren Bauhaus, in dem es auch Meister wie Kandinsky und Klee gab), aber er versuchte, einer Entwicklung der Industrialisierung entgegenzuwirken, die auf Ziele der wirtschaftlichen und produktiven Nivellierung ausgerichtet war, wie wir wissen, um den Markt auf die Bedürfnisse der Massen auszuweiten.

Natürlich steckte das Konzept des Designs noch in den Kinderschuhen, und das Handwerk war die Erfahrung, die die zunehmende Bulimie der Fließbänder in den Fabriken überlebte. Aber wenn Design Projekt bedeutet, dann müssen die Dinge und Phänomene auf eine andere, breitere und transversalere Weise gesehen werden.

Künstler haben schon immer ihre eigenen Entwürfe gemacht, sie haben “serielle” Stiche angefertigt, und es scheint, dass Dürer auch Schmuck kreiert hat, ganz zu schweigen von Leonardo, der Themenpartys für den König von Frankreich organisierte, und wir können nicht umhin, viel später das Ehepaar Delaunay zu erwähnen, und vor allem Sonya, “Designerin von Gemälden, Tapeten und Kleidern”. Apropos Kleider, ich erinnere mich an die Zusammenarbeit von Elsa Schiaparelli, der Rivalin von Coco Chanel, mit Salvador Dalí und Jean Cocteau. Zusammenfassend möchte ich sagen, dass Künstler Künstler sind und die experimentierfreudigeren unter ihnen sich im Namen des Designs und der Gedankenfreiheit frei mit verschiedenen Techniken und Artefakten auseinandergesetzt haben. Das Binom Kunst/Leben ist nicht das Erbe der Forschung der 1960er Jahre, sondern geht viel weiter zurück und bezieht sich auf kulturelle, soziale und politische Werte im allgemeinen Sinne. Ist die Ideologie des Futurismus nicht eine, die alle und alles umfasst und ihr avantgardistisches Denken sogar in einem anti-neutralen Kleid des Malers Giacomo Balla verkündet? Hat Fortunato Depero nicht neben der Malerei auch Paravents, Spielzeuge und Stühle geschaffen, eben im Namen dieser utopischen Idee eines Gesamtkunstwerks?

Was das Design betrifft, so muss man sagen, dass ein sehr junger Bruno Munari sich der Poetik des Futurismus annäherte, um sich dann zu lösen und andere Wege zu beschreiten, wie den der Konkreten Kunst, zusammen mit einem Gillo Dorfles, der seinerseits ein gefeierter Kunstkritiker auf internationaler Ebene werden sollte. Bruno Munari verkörpert am besten den eklektischen Geist, der ihn zu einem Designer macht, der perfekt in die Welt der industriellen Produktion integriert ist, aber er ist auch derjenige, der die nutzlosen Maschinen zum Leben erweckt, und er ist auch derjenige, der sich an die Welt der Kinder wendet, indem er die Prelibri mit dem Rat von Gianni Rodari kreiert.

Heute ist Design auch Innenarchitektur, Landdesign, Lichtdesign, Bekleidungsdesign, Grafikdesign, Stadtdesign und vieles mehr. Künstler haben auf das Design geschaut und Designer haben auf die Kunst geatmet, jeder nach seiner eigenen Zeitrechnung.

Die beiden Familien bleiben minimal und Pop-Forschung und haben sich im Laufe der Jahrzehnte abgewechselt, während sie heute in der globalisierten Welt koexistieren, ohne sich gegenseitig zu stören, so hat Bolidismo in der Figur von Massimo Iosa Ghini, einem Designer-Architekten, der idealerweise aus einer Affinität zum Futurismus geboren wurde, wie er selbst erklärt, und Gufram weiterhin das Sofa Bocca von Studio 65, das Anfang der 1970er Jahre entstand, inspiriert durch das Porträt von Mae West von Savador Dali (der nicht nur als Maler, sondern auch als Bildhauer, Filmemacher, Drehbuchautor, Fotograf und Designer in Erinnerung bleiben sollte), der seinerseits surreale Objekte und Einrichtungsgegenstände in Mae Wests Zimmer geschaffen hatte, wie z. B. das Lobster Telephone.

Lobster

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Eine andere Künstlerin, Meret Oppenheim, hatte 1939 den Beistelltisch Traccia mit Beinen in Form von Vogelfüßen entworfen, der in den 1970er Jahren für die Ultramobile-Kollektion im Auftrag des Bologneser Unternehmers Dino Gavina neu aufgelegt wurde. Einer der bedeutendsten Minimalisten wie Donald Judd inspirierte viele Designer, darunter Ron Arad und sein Bookworm in den 1990er Jahren, ganz zu schweigen von Stefano Giannonis TV-Schrank von 1990, der sich an das unverwechselbare Ikonenlogoauch Tejo Remy mit seinem Rag Chair, der eine offensichtliche Affinität zu Michelangelo Pistolettos Venus aus Lumpen aufweist und im Namen des nachhaltigen Designs natürliche Materialien wiederverwertet. In diesem Sinne kommt man nicht umhin, Jurgen Beys Tree - Trunk - Bench von 1999 mit einigen Arbeiten von Giuseppe Penone zu vergleichen. Darüber hinaus ist der berühmte Ingo Maurer mit seinem System Ya Ya Ho ein klarer Verweis auf Calder und seine schwebenden Skulpturen.

Mit dem poppigen Einsatz von Plastik, oder besser gesagt von Kunststoffen, sind hier die Installationen von Gino Marotta und die Sicofoils von Carla Accardi zu sehen. Das MOMA in New York, der Tempel der modernen und zeitgenössischen Kunst, zeigte 1972 die erste Ausstellung über italienisches Design mit dem Titel Italy, The New Domestic Landscape. Das Museum, das in dieser Hinsicht Pionierarbeit leistete, hat eine eigene Abteilung, die dem Design gewidmet ist.

Das Manifest dessen, was ich bisher ausgestellt habe, bleibt der Stuhl von Gerrit Rietveld, eine Hommage an Piet Mondrian aus dem Jahr 1921, der zum Motiv eines berühmten Kleides des Modeschöpfers und Kunstsammlers Yves Saint Laurent wird.

Es gibt einige Figuren in der Welt der Kunst, die komplexer sind als andere: Yayoi Kusama und ihr Universum aus Polka Dots, interaktiven Polka Dots und Polka Dots, die in der jüngsten Werbekampagne von Louis Vuitton zu sehen sind. Provokant frage ich: Ist Kusama eine Künstlerin - Künstlerin, Innenarchitektin, Modemarke? Künstlerin durch und durch.

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