Das Gefängnis des Geistes. Die Kunst von Mona Hatoum auf der Triennale von Brügge

DieWippe gehört seit jeher zu den freiesten und glücklichsten Spielen, die ein Kind kennt: Sie ist ein sicherer, öffentlicher und unpersönlicher Nicht-Ort, an dem man so tut, als würde man fliegen, während die Luft einem respektlos die Haare zerzaust und die Flucht, die Träume, der Verwirklichung ein paar Zentimeter näher zu sein scheinen. Aber wenn dieselbe Schaukel beschließen würde, das Unbewohnbare zu bewohnen, in einer unheimlichen unterirdischen Struktur zu schwingen, würde sich die Freiheit plötzlich in Gefangenschaft verwandeln. Und genau das ist das Werk der Künstlerin Mona Hatoum, die für die diesjährige Ausgabe der Triennale von Brügge, Space of possibility, beschließt, ihre Full Swing zu inszenieren und damit ein beunruhigendes visuelles Oxymoron zu schaffen.

Jenseits des Brügger Bahnhofs und jenseits des für das Stadtzentrum typischen Trubels befindet sich im Garten des psychiatrischen Krankenhauses Onzelievevrouw eine sehr niedrige Mauer aus Steinen unterschiedlicher Größe, die durch ein Drahtgeflecht zusammengehalten werden. Wenn man sich dieser niedrigen Mauer nähert, entdeckt man eine Art dunkles Verlies, in dessen Mitte eine Schaukel steht , die in der Schwebe bleibt. Der einzige Ausweg scheint der Himmel zu sein, ein unerreichbares blaues Fenster, das mit seinem nutzlosen Freiheitsversprechen spottet. Und dieser Himmel wird zu einem verbotenen Traum, der den Besucher in ein eisernes Fegefeuer und die Gefängnisse seines Kopfes verbannt. Zusammen mit der Wippe schwankt man zwischen Licht und Dunkelheit, zwischen Falle und unbezwingbarem Ausbruch, zwischen Freude und Unbehagen, doch je weiter man schwankt, desto mehr wird einem klar, dass nur ein Gefühl der Unsicherheit und der Begrenzung herrscht. Die Wände scheinen sich mit jedem Atemzug enger zu ziehen, der Himmel scheint immer weiter entfernt zu sein und das Knarren der Saiten verschlingt die Gedanken. Jeder Schritt durchbricht die Stille und erklingt wie ein taubes Echo, ein ersticktes Klagelied, das sich in die Falten des Geistes einschleicht, aber gleichzeitig die Möglichkeit bietet, das Gefühl des Lebens in der Enge physisch zu erfahren.

Alle Oberflächen des Werks bestehen aus lokalem Stein und sind von den für Militär- und Gefängnisumgebungen typischen Käfigen inspiriert. Nichts wird dem Zufall überlassen: Sogar der Ort, an dem die Schaukel aufgestellt wird, ist von grundlegender Bedeutung, und der Garten des psychiatrischen Krankenhauses in Onzelievevrouw, der in der Ferne Gestalt annimmt, setzt die Menschen in eine erzwungene Beziehung zur Geschichte des umgebenden Ortes.

Im Mittelalter wurden geistig behinderte Menschen in einem speziellen ’dulhuus’ (Irrenhaus ) untergebracht: einer städtischen Einrichtung, die anderen Hospitälern in der Stadt ähnelte und in der die Pflege zunächst nur von Laien übernommen wurde. Texte über psychiatrische Krankenhäuser in Brügge sind eher spärlich, aber eine 1596 für das Sint-Hubrechts-Asyl verfasste Verordnung berichtet, dass die Einrichtung einer Art Aufseher übertragen wurde, dessen Aufgabe es war, sich um die Patienten zu kümmern, die Schlösser und Ketten zu kontrollieren, “damit sie nicht zerbrechen”, die Zellen zu reinigen und sie mit dem nötigen Stroh zu versorgen und sie schließlich dreimal täglich mit Brot, Butter und dicker Suppe zu füttern, während die Stadt für ihre Kleidung und das Holz zum Heizen des Hauses aufkam.

Doch erst 1793 entstanden offiziell die ersten Asylen in Europa, dank der Intuition des französischen Arztes Philippe Pinel, der der Legende nach die Geisteskranken aus den Gefängnissen befreite, weil sie nicht mit Verbrechern gleichgesetzt werden konnten. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden Asylen in Frankreich, Deutschland und den Vereinigten Staaten gut angenommen: In ihnen waren die Kranken, eingeteilt nach Krankheitsbildern, jedoch ständigen Schikanen, Folterungen, Eisbädern, Zwangsjacken, Aderlässen und vielem mehr ausgesetzt. Zur gleichen Zeit beschloss der “holländische Pinel”, ein gewisser Joseph Guislain, diese Behandlungen im Buitengasthuis in Amsterdam und im Dulhuys in Utrecht anzuwenden. Es war jedoch der Psychiater Wilhelm Griesinger, der das französische Modell umstieß, indem er periphere Einrichtungen mit sehr wenigen Betten und einer Aufenthaltsdauer von höchstens einem Jahr vorschlug, und nach diesem Modell entstand die psychiatrische Klinik von Gheel in Belgien, in der psychische Störungen durch Arbeit auf dem Feld behandelt wurden. Die Geschichte der Irrenanstalten liegt viele Jahrhunderte im Dunkeln, und das Werk Full Swing erhebt sich über diese Geschichte.

Wir wissen, dass die Onzelievevrouw zu Beginn des 20. Jahrhunderts so veraltet war, dass eine sofortige Renovierung notwendig wurde. Am 8. Dezember 1906 begann der Architekt Jules Coomans mit dem Entwurf und der Überwachung der Arbeiten an dem Krankenhaus, wie wir es heute kennen. Es wurde am 17. August 1910 eingeweiht, und von da an wurde die medizinische Versorgung durch eine Organisation in Abteilungen für verschiedene Arten von Geisteskrankheit ohne separate Pavillons erneuert. Während des Ersten Weltkriegs änderten sich die Dinge erneut, und die Evakuierung von Krankenschwestern und Patienten führte zu einer Stagnation, die bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs andauerte, wonach das Krankenhaus wieder in Schwung kam. Mit den medizinischen und therapeutischen Fortschritten in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde das Krankenhaus grundlegend renoviert, und in den 1980er Jahren wurde ein ehrgeiziger Masterplan für den Bau eines Seniorenheims mit neuen Pflegestationen, Einzelzimmern und privaten Sanitäranlagen in einem ruhigen Park in Angriff genommen. Es könnte also keinen besseren Ort geben, um das Werk von Mona Hatoum zu zeigen, die sich seit ihren frühesten Arbeiten mit dem Gefühl von bedrückender Gefangenschaft und Kontrolle auseinandersetzt, das durch die typische Architektur von Haftanstalten verkörpert wird. Full swing bringt all jene Materialien wie Metallgitter, Schaukeln und Käfige zusammen, die in ihren Werken obsessiv wiederkehren und Geschichten von erstickender Gewalt erzählen.

Die Erfahrung der Flucht kehrt in ihrer Kunst immer wieder und wird zum Objektiv, durch das Mona Hatoum die Welt betrachtet und sich mit ihr auseinandersetzt. Sie wurde 1952 in Beirut in eine palästinensische Familie hineingeboren und war 1975 aufgrund des Ausbruchs des Bürgerkriegs im Libanon gezwungen, sich in London niederzulassen. Ihre künstlerische Recherche beginnt mit einem ständigen Dialog zwischen der Vergangenheit in einem verleugneten Land und der Erfahrung einer Migrantin. Obwohl sie seit Jahren in England und Europa arbeitet, taucht in ihren Werken immer wieder die Erinnerung daran auf, warum sie nicht an ihre Herkunftsorte zurückkehren konnte, und nicht die Orte selbst. Die Künstlerin setzt zunächst ihren Körper ein, um ihre Erfahrung als Frau und Migrantin anzuprangern, und sucht nach einer hochpolitischen Sprache, um die Grundlagen ihrer Situation zu diskutieren. Das Thema der Identität ist ein unausweichlicher Ausgangspunkt, der dann durch eine Spannung von Materialien erkundet wird, die keinen Aufschub duldet und deren Beziehung sich nie in einer Aufgabe auflöst, sondern krampfhaft und hartnäckig weiterkämpft und ein beunruhigendes Knarren zwischen Flucht und Rückkehr, zwischen Zugehörigkeit und Verlassenheit erzeugt.

Doch ab den 1990er Jahren weicht bei Mona Hatoum die Erforschung des eigenen Körpers der Körperlichkeit der Räume, die zu hässlichen Behältern des Geistes zu werden beginnen: Das Haus wird zu einem engen Raum, in dem sein theoretisches Wesen als “Nest” mit dem ständigen Widerspruch der Ablehnung und der Unmöglichkeit der Aufnahme zurechtkommen muss. Und so wird jedes vorhandene Objekt zur Falle: Betten, in denen man nicht schlafen kann, ein Gitterrost, der die Möglichkeit verweigert, sich hinzusetzen und auszuruhen, Haushaltsgeräte, die nichts anderes als grausame wissenschaftliche Experimente sind, und Schaukeln, die Träume verhindern. Mit jedem seiner Werke webt der Künstler einen Wandteppich aus suggestiven und niemals didaktischen Bildern, die die harte Realität von Unterdrückung, Gewalt und Exil offenbaren und den Betrachter in eine Grenzwelt eintauchen lassen, in der sich Licht und Schatten verflechten und makabre Tänze mit widersprüchlichen Bedeutungen erzeugen. Gitterstäbe und das Gefühl, ewige Gefangene in einer Welt zu sein, die einen nicht lieben kann, nehmen eine obsessive zentrale Stellung ein, wie in der Arbeit Light Sentence von 1992, in der die Metallkäfige, die von einem aseptischen weißen Licht beleuchtet werden, sich in lange Schatten verwandeln, die den umgebenden Raum einnehmen. Der ständige Kontrast zwischen Licht und Schatten evoziert nur die für das Gefängnis typische Enge, sowohl physisch als auch psychisch, die, selbst wenn man sie nie erlebt hat, im Inneren der falschen Käfige zu etwas Reellem wird, wie eine ferne Erinnerung. Im Jahr 2011 stellte er mit Suspended fünfunddreißig rote und schwarze Schaukeln in einem Raum auf, jede mit einem Stadtplan einer anderen Hauptstadt. Diese Schaukeln, die in ständiger Bewegung sind und in einem schrägen Winkel zur benachbarten Schaukel aufgehängt sind, erzeugen ein Gefühl der Dislokation und Instabilität, das genau auf die Migrantenströme in der ganzen Welt anspielt und das Ungleichgewicht zeigt, das durch den Krieg und die Zufälligkeit seiner Opfer entsteht.

Wie in der Arbeit Full Swing, die noch bis zum 1. September 2024 in Brügge zu sehen ist, verwendet Hatoum Materialien, die für sich genommen fast banal erscheinen, und verbiegt sie nach ihrem Willen, so dass Welten entstehen, die von künstlichen Grenzen beherrscht werden und eine unerträgliche Schwere der Seele vermitteln.

Diese Installation will individuell erlebt werden, und nur in dieser Welt kann man die klaustrophobische Beklemmung, die sie vermitteln will, voll wahrnehmen. Man muss unbewaffnet in einen schmalen Korridor hinabsteigen, und während man ihn hinuntergeht, um zu dieser einsamen Schaukel zu gelangen, wird das Kreischen der Steine eins mit dem Schaudern, das sich in den Knochen ausbreitet. Auf dem unheimlichen Karussell angekommen, unterbricht sein metallisches Knarren, das wie ein geisterhaftes Klagelied klingt, die erstickende Stille der engen Zelle. Jede Schaukel ist nur ein Echo der Einsamkeit, ein Schrei, der die stille Luft zerreißt und die Verzweiflung des Einzelnen verstärkt. Mit jedem Schwung weicht das Gefühl des Gefangenseins in der Dunkelheit der Erde der Sehnsucht nach Aufstieg, nach Befreiung, und der im Raum gefangene Körper scheint sich in ein Pendel zu verwandeln, das der Schwerkraft trotzt und sich nach einer unmöglichen Freiheit von diesem Loch im Boden sehnt.

“Seit meiner Ankunft in London”, sagt die Künstlerin, während sie von oben auf ihr Gefängnis herabblickt, “begann ich zu verstehen und eine brutale Kontrolle zu spüren. Mir wurde klar, dass wir ständig beobachtet werden, wie in Orwells Big Brother, und das hat mich dazu gebracht, Machtstrukturen zu beobachten, vor allem Gefängnisse, in denen man sich so klein und unbedeutend fühlt”.

Full Swing beschäftigt sich genau mit dem Thema der Gefangenschaft, der Bewegungseinschränkung, und vor allem zeigt es den momentanen Bewohner des höllischen Korridors den neugierigen Augen der Leute oben, die sich an diese kleine graue Wand lehnen, die fälschlicherweise schwört, sie vor allem Bösen, Anderen und Unbekannten zu schützen, was in diesem Moment du bist.

Die Kunst ist aller Utopien beraubt und glaubt nicht an die Erlösung, denn schließlich sind es die Gefängnisse des Geistes, die am hinterhältigsten und grausamsten sind.

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