15 der gewalttätigsten und brutalsten Gemälde der Kunstgeschichte, vom Mittelalter bis zum 20.

Wir haben uns, nicht zuletzt durch die Auswüchse der Medienrhetorik, der Politik und der Werbung, daran gewöhnt, Kunst mit Schönheit zu assoziieren: Nichts könnte falscher sein. Seit der Antike hat die Kunst die schlimmsten Abscheulichkeiten des menschlichen Wesens dargestellt: Gewalt, verschiedene Morde und Tötungen, Vergewaltigungen, Kriege. In dieser neuen Bildergalerie konstruieren wir eine kleine Geschichte der gewalttätigen und grausamen Kunst anhand von fünfzehn Werken, die zu uns von Brutalität und Wildheit sprechen, vom Mittelalter bis zum 20.

1. Duccio di Buoninsegna, Massaker an den Unschuldigen, aus der Majestät von Siena (1308-1311; Tempera auf Tafel, 220 x 412 cm; Siena, Museo dell’Opera del Duomo)
Das Massaker an den Unschuldigen, eine der bekanntesten Episoden aus dem Leben Jesu und vor allem aus seiner Kindheit, hat vielen Künstlern die Gelegenheit gegeben, ein breites Spektrum an grausamen Grausamkeiten und entsetzten oder bestürzten Blicken auf die Leinwand oder die Tafel zu bringen. Einer der ersten, der diese Episode sehr düster darstellte, war der große Sieneser Duccio di Buoninsegna (Siena, ca. 1255 - 1319), der 1308 seine berühmte Maestà für den Hauptaltar des Doms von Siena zu malen begann. Das Werk ist zu einem der Symbole der Stadt geworden und ist auch deshalb bekannt, weil die Rückseite ebenso außergewöhnlich ist wie die Vorderseite: Während die Maestà die gesamte Vorderseite des Werks einnimmt, ist die Rückseite in Tafeln unterteilt, die die Geschichten Christi erzählen. Eine davon ist eben das Massaker: Man beachte insbesondere das monströse Detail der Folterknechte, die ihre Schwerter unter den entsetzten, fassungslosen und zutiefst verstörten Blicken der Mütter in die Körper der wehrlosen Kinder stoßen und sie dann blutgetränkt herausziehen, während auf dem Boden bereits die Körper der Kleinen, die dem Massaker nicht entkommen konnten, über eine Blutlache verstreut liegen.

Duccio di Buoninsegna, Massaker an den Unschuldigen

2. Gerard David, Das Urteil des Cambises (1498; Öl auf Tafel, 202 x 349,5 cm; Brügge, Groeningemuseum)
Der niederländische Maler Gerard David (Oudewater, ca. 1460 - Brügge, 1523) malte 1498 im Auftrag der Stadt Brügge, die den Bürgersaal mit einer Reihe von Tafeln schmücken wollte, ein Diptychon mit der Darstellung des Urteils des Cambyses. Die Geschichte wird von Herodot erzählt: Kambyses II., König von Persien, hatte herausgefunden, dass einer seiner Richter, Sisamne, korrupt war und deshalb ungerechte Urteile fällte. Kambises ließ ihn deshalb verhaften und zum Tode durch Häuten verurteilen, und der Geschichte zufolge wurde seine Haut verwendet, um den Stuhl auszukleiden, auf dem sein Sohn, der anstelle von Sisamne zum Richter ernannt wurde, seinen Platz einnahm, so dass er jeden Tag an das Ende erinnert wurde, zu dem sein Vater wegen seiner Korruption gekommen war. Die blutige Szene ist mit den für die nordischen Schulen der Renaissance typischen naturalistischen Zügen gemalt: Die mit der Vollstreckung des Urteils beauftragten Personen sind bereits mit der Arbeit an Sisames Körper beschäftigt, wobei einer von ihnen die Haut von seinem Bein entfernt (und das Messer zwischen den Zähnen hält), während andere gerade damit begonnen haben, seine Arme und seine Brust aufzuschneiden. Die bestialische Gewalt der Szene wird noch tragischer durch die Teilnahmslosigkeit von Cambises, der die Szene beobachtet, und seiner Würdenträger, die wie er das Ganze beobachten, ohne berührt zu werden.

Gerard David, Das Urteil des Cambises, rechte Tafel

3. Niccolò Circignani, genannt Pomarancio, Szenen des Martyriums (1583; Fresken; Rom, Santo Stefano Rotondo al Celio)
1583 erhielt der toskanische Manierist Niccolò Circignani, genannt il Pomarancio (Pomarance, ca. 1530 - ca. 1597), den Auftrag, den Wandelgang der Basilika von Santo Stefano al Celio mit Szenen des Martyriums zu schmücken: Als der Künstler sein Werk vollendete, hatte er einen der blutigsten und verstörendsten Zyklen der gesamten Kunstgeschichte geschaffen. Die Hinrichtungen der Heiligen sind keineswegs abgeschwächt, sondern im Gegenteil, die blutigsten und grausamsten Details werden hervorgehoben: Die heilige Agatha ist mit einer Zange in den Sinnen an ein Brett gefesselt, von dem sie sich nicht lösen kann, der heilige Primo wird von den Flammen seiner Peiniger erfasst, die seine Haut, die bereits zu rauchen beginnt, verbrennen, es gibt Heilige, die bei lebendigem Leib gekocht oder von Hunden zerfleischt werden, aber der Höhepunkt wird mit dem Martyrium des heiligen Petrus von Alexandria erreicht, der von einem mit einem Krummsäbel bewaffneten Henker buchstäblich in Stücke gerissen wird (mit großen Blutungen).

Niccolò Circignani nannte das Werk Pomarancio, Martyrium des Heiligen Petrusvon Alexandria

4. Alessandro Allori oder Giovanni Maria Butteri, Caterina de’ Ricci - Die Kinder von Babylon (1588-1590; Öl auf Leinwand; Florenz, Fondazione Cassa di Risparmio di Firenze)
Dieses Gemälde, das abwechselnd Alessandro Allori (Florenz, 1535-1607) oder Giovanni Maria Butteri (Florenz, ca. 1540-1606) zugeschrieben wird, stellt eine seltene Ikonographie der heiligen Caterina de’ Ricci dar, einer regulären dominikanischen Tertiarin, die zwischen 1522 und 1590 lebte und fast ihr gesamtes Leben im Kloster San Vincenzo in Prato verbrachte, dessen Oberin sie auch war. Die Heilige war zu ihren Lebzeiten besonders berühmt, da sie als Mystikerin und fast als lebende Heilige bekannt war, so dass sich Darstellungen von ihr schon lange vor ihrer Heiligsprechung verbreiteten (sie wurde 1732 selig und 1746 heiliggesprochen), und dieses Werk wurde wahrscheinlich noch zu ihren Lebzeiten gemalt. Ihr Ruhm zeigt sich in diesem Gemälde, das sie sogar als Heilige zeigt (ihr Kopf ist von einem Heiligenschein umgeben: es gibt auch ein Porträt von Giovanni Battista Naldini, der sie zu seinen Lebzeiten als Heilige Katharina von Siena darstellte), während sie Kinder gegen einen Felsen schleudert, auf dem die Inschrift “beatus qui allidit parvulos suos ad petram” (“selig ist, wer seine Kinder gegen den Felsen schleudert”, aus Psalm 137) steht. Die Kinder sind offensichtlich ein Sinnbild für die Widersacher der Kirche, aber die Szene besticht durch die wahnsinnige Grausamkeit, mit der die Frau eines der Kleinen gegen den Stein wirft, während die bereits Getöteten alle bleich am Boden liegen.

Alessandro Allori oder Giovanni Maria Butteri, Caterina de’ Ricci - Die Kinder von Babylon

5. Artemisia Gentileschi, Judith enthauptet Holofernes (1617; Öl auf Leinwand, 158,8 x 125,5 cm; Neapel, Museo Nazionale di Capodimonte)
Die Enthauptung des Holofernes durch Judith von Artemisia Gentileschi (Rom, 1593 - Neapel, 1654) ist fast zu einem Symbol für die gewalttätige Kunst des 17. Die Szene bezieht sich auf die berühmteste Episode in der Geschichte der biblischen Heldin, einer jüdischen Anführerin und Gegnerin des assyrischen Heeres unter dem Befehl von Holofernes. Nach der biblischen Erzählung gab Judith vor, sich zu Holofernes hingezogen zu fühlen, machte ihn betrunken und tötete ihn mit Hilfe ihrer Magd Abra durch Enthauptung. Artemisia Gentileschi schuf mehrere Versionen dieses Gemäldes: beide wurden in Florenz angefertigt, das Gemälde in Neapel wurde für die Adelige Laura Corsini gemalt (zumindest nach einer neueren Hypothese der Gelehrten Francesca Baldassari), während das Gemälde in den Uffizien in Florenz, das besser erhalten ist, aber einige Jahre später entstand, für den Großherzog Cosimo II de’ Medici bestimmt war. Viele Gelehrte haben die abscheuliche Gewalt, mit der Judith Holofernes inmitten von Blutspritzern und -strömen enthauptet, mit der Vergewaltigung in Verbindung gebracht, die die Malerin durch ihren Kollegen Agostino Tassi erlitten hatte, und haben das Gemälde als eine Art Rachewunsch interpretiert: Vielleicht ist dies jedoch eine allzu vereinfachende Interpretation, die nicht berücksichtigt, dass das Gemälde voll und ganz in seinen kunsthistorischen Kontext passt, in dem es ebenso blutige Darstellungen der Episode gab (wie die von Caravaggio, Domenico Fiasella oder Bartolomeo Manfredi, wobei letzterer der Protagonist eines weniger gewalttätigen, aber makabren Gemäldes ist, da die Episode im Nachhinein und mit dem kopflosen, noch blutenden Körper von Holofernes dargestellt wird). Nichtsdestotrotz bleiben die Kraft und die außergewöhnliche Macht dieses Gemäldes, das zu den aufregendsten seiner Zeit gehört, unangetastet.

Artemisia Gentileschi, Judith enthauptet Holofernes

6. Giuseppe Vermiglio, Jael und Sisara (um 1620; Öl auf Leinwand, 130 x 103 cm; Mailand, Pinacoteca Ambrosiana)
Im 17. Jahrhundert gibt es zahlreiche gewalttätige und abscheuliche Gemälde, darunter Jael und Sisara des piemontesischen Künstlers Giuseppe Vermiglio (Alessandria, um 1585 - um 1635), das die Geschichte der biblischen Heldin Jael erzählt, die sich wie ihr Gegenstück Judith dem General eines feindlichen Heeres gegenübersieht: in diesem Fall ist es Sisara, der Heerführer der Kanaaniter, der von Jael in seinem Zelt beherbergt und dazu überredet wird, im Zelt zu ruhen. Nachdem er eingeschlafen ist, wird er von Jael mit einem großen, scharfen Nagel getötet, den die Frau ihm in die Schläfe schlägt. Viele Künstler haben diese Geschichte dargestellt (darunter, um im 17. Jahrhundert zu bleiben, Artemisia Gentileschi und Jacopo Vignali), aber Vermiglios Werk unterscheidet sich von vielen anderen dadurch, dass es Sisara auf ungewöhnliche Weise darstellt, nämlich so, wie er sich der Anwesenheit Jaels bewusst wird und deshalb versucht, dem Nagel der Heldin auszuweichen, sie aber mit ihrem Hammer bereits im Begriff ist, ihn mit Gewalt niederzuschlagen. Das Gegenstück von Artemisia Gentileschi hat Vermiglio wahrscheinlich zu seinem Werk inspiriert. Wir kennen jedoch nicht die Vorgeschichte dieses Gemäldes, das erstmals 1991 veröffentlicht und erst im Jahr 2000 anlässlich einer monografischen Ausstellung, die auf die Entdeckung einer Reihe von Werken des Künstlers folgte, Vermiglio zugeschrieben wurde.

Alessandro Allori oder Giovanni Maria Butteri, Caterina de’ Ricci Landet die Kinder von Babylon

7. Gioacchino Assereto, Martyrium des Heiligen Bartholomäus (um 1630-1635; Öl auf Leinwand, 120 x 170 cm; Genua, Museo dell’Accademia Ligustica di Belle Arti)
Von den Malern, die in Genua unter den Einfluss und die Faszination der Kunst Caravaggios gerieten, gehörte Gioacchino Assereto (Genua, 1600 - 1650) zu denen, die den Realismus Caravaggios bis zum Äußersten trieben. Ein Beweis dafür ist sein Martyrium des heiligen Bartholomäus, das sich heute im Museo dell’Accademia Ligustica in Genua befindet und eine der grausamsten Darstellungen des Martyriums des Heiligen ist, der einer der zwölf Apostel Jesu war und der Überlieferung nach an einem nicht näher bezeichneten Ort im Nahen Osten den Märtyrertod erlitt, wobei er bei lebendigem Leib gehäutet wurde. In einigen Werken sehen wir ihn, während er auferstanden ist oder in Herrlichkeit seine Haut bei sich trägt (berühmt ist der Heilige Bartholomäus in der Sixtinischen Kapelle), und gewöhnlich konzentrierten sich die Maler, die besonders gnadenlose Szenen vermeiden wollten, auf die ersten Momente des Martyriums, wenn der Henker gerade sein Messer gezückt hatte. Assereto hat diese Probleme nicht und fängt die Szene in dem Moment ein, in dem einer der beiden Folterknechte einen Streifen Haut vom Bein des Heiligen Bartholomäus abzieht und die blutenden Muskeln freilegt: Das 17. Jahrhundert ist reich an solchen Szenen, aber der Eifer und Sadismus von Asseretos Schergen sucht seinesgleichen.

Gioacchino Assereto, Das Martyrium des Heiligen Bartholomäus

8. Rembrandt, Die Blendung des Samson (1636; Öl auf Leinwand, 236 x 302 cm; Frankfurt am Main, Städelsches Kunstinstitut)
Die Geschichte des biblischen Helden Simson wird im Buch der Richter erzählt: Ein Mann von sprichwörtlicher und beeindruckender Stärke, die ihm direkt von Gott verliehen wurde, hatte eine Philisterin geheiratet, aber die Heirat geschah gegen den Willen ihrer Eltern, da Simson als Jude natürlich ein Feind der Philister war (die die Heirat ebenfalls nicht wollten). Nach einiger Zeit gab der Vater der Frau die Frau Samsons einem anderen Mann, und aus Rache verwüstete Samson die Felder der Philister, die daraufhin seine Frau und seinen Schwiegervater töteten und in Brand steckten. Auf dem Höhepunkt seines Zorns schnappte sich Simson den Kiefer eines Esels und schlachtete allein mit dieser Waffe die Philister ab, wobei er tausend Männer tötete. Nach dieser Episode traf der Held jedoch Delila, eine andere Philisterin, die ihn verriet, indem sie ihn gefangen nehmen ließ: Die Philister blendeten ihn und versklavten ihn. Als er sich schließlich in einem Haus wiederfand, in dem sich die Anführer der Philister versammelt hatten, brachte er mit seiner ungeheuren Kraft das Gebäude zum Einsturz und tötete alle, die sich darin befanden, und natürlich auch sich selbst (“Möge ich mit den Philistern sterben” ist der Satz, den Simson in der Bibel sagt, bevor er das Gebäude zum Einsturz bringt). Auf diesem Gemälde, das in Frankfurt aufbewahrt wird, stellt Rembrandt van Rijn (Leiden, 1606 - Amsterdam, 1669) die Episode der Erblindung dar: Einige philippinische Soldaten halten ihn fest, ein anderer bedroht ihn mit einer Pike, einer reißt ihm mit einem Dolch das Auge aus, während er sich vor Schmerzen windet. Die Gewalttätigkeit der Episode wird auch durch das für den Rembrandt der 1930er Jahre typische Helldunkel mit starken Abstufungen unterstrichen.

Rembrandt, Die Blendung des Samson

9. José de Ribera, Apollo und Marsyas (1637; Öl auf Leinwand, 202 x 255 cm; Brüssel, Musées Royaux des Beaux-Arts)
Dem Mythos zufolge wollte der Silenus Marsyas, der die Flöte sehr gut beherrschte, Apollo, den Gott der Künste und der Musik, herausfordern, da er überzeugt war, dass sein Talent auf dem Musikinstrument noch größer war als das des Gottes. Apollo nahm die Herausforderung an (nach anderen Versionen des Mythos war es Apollo, der Marsyas wegen seiner Streben herausfordern wollte), und die Musen sollten den Wettbewerb beurteilen. Offensichtlich gewann Apollo den Wettbewerb und beschloss, Marsyas zur Strafe für seinen Stolz bei lebendigem Leib zu häuten. Diese Episode, ein Symbol des bestraften Stolzes, ist eine der am häufigsten dargestellten mythologischen Episoden der Kunstgeschichte, und im 17. Jahrhundert, mit der Verbreitung des Geschmacks für realistische Szenen, begannen die Darstellungen immer gewalttätiger zu werden und sich auf die grausamsten Details der Szene zu beschränken. Eine der wirkungsvollsten Darstellungen in diesem Sinne ist derApollo und Marsyas von José de Ribera (Xàtiva, 1591 - Neapel, 1652), der 1637 gemalt wurde und sich im Musée des Beaux-Arts in Brüssel befindet. Ribera schuf im selben Jahr eine weitere Version des Gemäldes, die heute in Neapel aufbewahrt wird, aber die belgische Version ist sicherlich gewalttätiger, da der Künstler sich mehr auf das Detail des gehäuteten Beins konzentriert: Wie in der Ikonographie üblich, ist der Gott seraphisch und teilnahmslos bei der Verhängung der schrecklichen Strafe, und seine zarte und verweichlichte Schönheit steht in krassem Gegensatz zu den entsetzlichen Details des Beins von Marsyas und seiner Erscheinung, die ergriffen ist, während er schreit und sich mit allen Gliedmaßen vor Schmerzen windet.

José de Ribera, Apollo und Marsyas

10. Felice Ficherelli, Tarquinio und Lucrezia (um 1640; Öl auf Leinwand, 117 x 163,5 cm; Rom, Accademia di San Luca)
Felice Ficherelli (San Gimignano, 1603 - Florenz, 1660) schildert in diesem Gemälde eine Begebenheit aus der römischen Geschichte, die Vergewaltigung von Lukrezia, der Frau von Collatinus, durch Sextus Tarquinius, den Sohn des letzten Königs von Rom, Tarquinius dem Stolzen. Die Frau beschloss aufgrund der erlittenen Schande, sich das Leben zu nehmen, und dies war die Episode, die den Aufstand gegen Tarquinio il Superbo auslöste, der mit dem Ende des monarchischen Roms und dem Beginn des republikanischen Roms endete. Ficherellis Werk ist eine der gewalttätigsten Darstellungen dieser Episode, so dass das Gemälde zu einem Symbol des Kampfes gegen die Gewalt gegen Frauen werden könnte: Lucrezia liegt nackt und wehrlos auf ihrem Bett, sie versucht sich zaghaft zu verteidigen, kann aber nichts gegen die rohe Gewalt von Sextus Tarquinius ausrichten, der zur Demütigung der Vergewaltigung die schreckliche Drohung mit dem Dolch hinzufügt. Wie für die Werke dieser Zeit typisch, befindet sich das Werk in einem Haus aus dem 17. Das Gemälde ist eines der Meisterwerke Ficherellis: Lange Zeit als Werk von Guido Cagnacci angesehen, wurde es 1915 von Corrado Ricci erstmals einem Maler aus der Toskana zugeschrieben (der Gelehrte formulierte den Namen Giovanni Bilivert), während Mina Gregori es 1960 der Hand von Felice Ficherelli zuschrieb, eine Zuschreibung, die seither nie angezweifelt worden ist.

Felice Ficherelli, Tarquinio und Lucrezia

11. Francisco Goya, Saturn verschlingt seine Kinder (1820-1823; Öl auf Gips auf Leinwand transportiert, 143,5 x 81,4 cm; Madrid, Prado)
Der Gott Saturn (bei den Griechen Cronus), König der Götter, hatte, nachdem er von seinen Eltern Gaea und Uranus erfahren hatte, dass eines seiner Kinder ihn verdrängen würde, die Idee, sie zu verschlingen, um keinem von ihnen zu erlauben, ihn vom Thron zu stoßen. Sein Schicksal erfüllte sich jedoch, denn Jupiter (Zeus) konnte dem Massaker heimlich entkommen (Saturns Frau Rhea zeugte ihn heimlich) und kehrte, nachdem er erwachsen geworden war, zurück, um seinen Vater zu besiegen. Francisco Goya (Francisco José de Goya y Lucientes; Fuendetodos, 1746 - Bordeaux, 1828) stellt in einem seiner bekanntesten und abscheulichsten Gemälde den Gott dar, während er mit animalischem Blick von einer schrecklichen Kannibalenwut erfasst wird und bereits begonnen hat, einen seiner Söhne zu verschlingen (sein Kopf ist bereits sauber abgetrennt und er ist dabei erwischt worden, wie er seinen rechten Arm isst). All dies geschieht in der Dunkelheit: Das Werk gehört zu einem Zyklus, der als Pinturas Negras (" schwarze Gemälde“) in die Geschichte eingegangen ist, da sie alle durch die Verwendung sehr dunkler Farben gekennzeichnet sind. Die schwarzen Gemälde schmückten ursprünglich ein Haus namens ”Quinta del Sordo“ in der Nähe von Madrid, das Goya 1819 kaufte. Darüber hinaus gibt es für dieses Gemälde Interpretationen, die über die bloße mythologische Episode und ihre traditionelleren Lesarten hinausgehen (Saturn ist auch der Gott der Zeit, und der Mythos ist eine Metapher für die alles verschlingende Zeit): insbesondere könnte es eine Allegorie des Wahnsinns oder sogar eine sarkastische Lesart der politischen Situation der Zeit sein (”Saturn“, schrieb der Kunsthistoriker José Rogelio Buendía, ”ist ein Symbol für das absolutistische Spanien, das seine eigenen Kinder verschlingt").

Francisco Goya, Saturn verschlingt seine Kinder

12. Karl Pavlovič Brjullov, Ines de Castro im Moment der Opferung (1834; Öl auf Leinwand, 213 x 290,5 cm; St. Petersburg, Russisches Staatsmuseum)
Der russische Maler Karl Brjullov (St. Petersburg, 1799 - Rom, 1852) schildert in diesem Gemälde eine der dunkelsten Episoden der portugiesischen Geschichte: die Ermordung von Ines de Castro und ihren Kindern auf Geheiß ihres Schwiegervaters, König Alfons IV., der ihre Heirat mit dem Infanten Don Pedro, dem portugiesischen Thronfolger, dem späteren König Peter I., missbilligte. Das war im Jahr 1355: Alfonso IV. schlug, angestachelt von einigen Feinden der Adelsfamilie Castro, vor, die Frau und ihre Kinder zu beseitigen, da er befürchtete, dass sie Peter in Zukunft stürzen könnten. So überfiel Alfonso die Frau im Januar 1355 während der Abwesenheit ihres Mannes und begab sich zusammen mit seinen adligen Komplizen zum Kloster Santa Clara in Coimbra, wo sie mit ihren Kindern lebte. Alfonso verkündete seine Absichten, und die Bitten von Ines de Castro waren vergeblich: Die drei Adligen stürzten sich auf sie und töteten sie mit Messern. Peter, der über die Ermordung seiner Frau sehr wütend war, führte einen Krieg gegen seinen Vater, der mit einem Frieden beendet wurde. 1357, als er den Thron bestieg, rächte sich Peter I. und ließ die Frau, die mit Anfang dreißig gestorben war, hinrichten. Brjullov schildert den Moment, in dem Ines de Castro und ihre Kinder von den drei Adligen gewaltsam vor ihren Schwiegervater geführt werden, alle bereit, sich mit bestialischer Miene mit Dolchen auf sie zu stürzen. Die Geschichte, so die Kunsthistorikerin Elena Lissoni, "bot sich mit ihren düsteren Implikationen für die Inszenierung extremer Leidenschaften und Gefühle an, die hier mit einer Sprache von großer dramatischer Emphase wiedergegeben wurden, die dem Künstler, der sich häufig in musikalischen Kreisen aufhielt, sicherlich nicht fremd war. [...] Das Gemälde hinterließ einen starken Eindruck bei den Kritikern, die seine Neuartigkeit sowohl in seinem vom Schrecken beherrschten Thema als auch in seiner Ausdrucksweise sofort erkannten.

Karl Pavlovič Brjullov, Ines de Castro im Moment der Opferung

13. Otto Dix, Der Krieg (1929-1932; Mischtechnik auf Tafel, 204 x 468 cm; Dresden, Galerie Neue Meister)
Verstümmelte Leichen, Trümmer, zerstörte Landschaften, ihrer Menschlichkeit beraubte Soldaten, kahle Bäume und dramatische Trauernde sind die Protagonisten des Kriegstriptychons von Otto Dix (Gera, 1891 - Singen, 1969), ein Werk, das die heftige Dramatik des Ersten Weltkriegs gut wiedergibt. Der Künstler begann es 1929 zu malen und vollendete es 1932: Der Krieg war seit mehr als zehn Jahren vorbei, aber er war noch sehr lebendig im Gedächtnis des Künstlers, der dem Konflikt mehrere Werke widmete (insbesondere eine Serie von fünfzig Stichen, die unter dem Titel Der Krieg" bekannt ist, dem gleichen Titel wie das Triptychon, das bei seiner Veröffentlichung 1924 befremdete Reaktionen hervorrief). Die Szene liest sich von links nach rechts, mit einer Kolonne deutscher Soldaten, die das Schlachtfeld durch den Nebel verlässt, um dem Betrachter das Ergebnis des Krieges zu zeigen: eine völlig verwüstete und entsetzliche Landschaft. Oben hängt ein Skelett an einem Baum und zeigt mit dem Finger auf das, was die Soldaten getan haben, in unvergänglicher Erinnerung.

Otto Dix, Der Krieg

14. Carlo Levi, Konzentrationslager oder Die toten Frauen (Il lager presentito) (1942; Öl auf Leinwand, 50 x 61 cm; Rom, Fondazione Carlo Levi)
Der große Maler und Schriftsteller Carlo Levi (Turin, 1902 - Rom, 1975) erlebte die Härte des faschistischen Regimes am eigenen Leib, als er 1934 wegen des Verdachts auf antifaschistische Aktivitäten verhaftet wurde. 1935 wurde er ein zweites Mal verhaftet und zu einer Haftstrafe in Lucania, im Dorf Grassano und dann im Dorf Aliano verurteilt: Seine Erfahrungen in der Basilicata sollten zu dem sehr berühmten Buch Christus hielt in Eboli an führen. Nachdem er begnadigt worden war, zog Levi 1936 nach Frankreich und kehrte kurz nach dem Eintritt Italiens in den Zweiten Weltkrieg in seine Heimatstadt zurück, um sich am heimlichen Kampf gegen den Faschismus zu beteiligen. Er durchlebte die gesamte Kriegszeit im Untergrund, und obwohl er jüdischer Herkunft war, erlebte er die Schrecken der nationalsozialistischen Konzentrationslager nicht. Dies hinderte ihn jedoch nicht daran, 1942 das Werk Tote Frauen zu schaffen, das die nackten, blassen und erschöpften Körper einiger während des Krieges getöteter Frauen zeigt: Das Werk spiegelt die Gefühle des Künstlers gegenüber den Kriegsereignissen wider, und kurz darauf, als die tragische Realität der Vernichtungslager aufgedeckt und der ganzen Welt gezeigt wurde, sollte Levis Gemälde den unheimlichen Sinn einer Vorahnung annehmen.

Carlo Levi, Konzentrationslager oder Die toten Frauen (Das gegenwärtige Lager)

15. Aligi Sassu, Bürgerkrieg (Die Märtyrer von Piazzale Loreto) (1944; Öl auf Leinwand, 116 x 200 cm; Rom, Galleria Nazonale d’Arte Moderna e Contemporanea)
Aligi Sassu (Mailand, 1912 - Pollença, 2000), der nicht nur ein großer Künstler, sondern auch ein stolzer Antifaschist war, so sehr, dass er 1938 für einige Zeit verhaftet wurde, malte dieses Werk 1944 nach dem Massaker am Piazzale Loreto, einer Erschießung von fünfzehn Partisanen und Antifaschisten, die im August 1944 auf dem Mailänder Platz stattfand und von dem SS-Offizier Theodor Emil Saevecke angeordnet wurde (der übrigens nie für seine Kriegsverbrechen in der Heimat vor Gericht stand): Er wurde 1999 vom Militärgericht in Turin zu lebenslanger Haft verurteilt, aber nie ausgeliefert). Sassu malte sein Werk in völliger Geheimhaltung und schaffte es nur, es auf der Biennale von Venedig 1952 auszustellen: bei dieser Gelegenheit wurde es von Giulio Carlo Argan gesehen, der es von der Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rom ankaufen ließ, wo es noch heute zu sehen ist. Die Episode der Erschießung wird von Sassu im Nachhinein wiedergegeben: Die verstümmelten Körper der erschossenen Partisanen werden dem Betrachter in einer fast unwirklichen Atmosphäre blutüberströmt gezeigt.

Aligi Sassu, Bürgerkrieg (Die Märtyrer vom Piazzale Loreto)

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