10 Gemälde von Vincent van Gogh, die in dem Film "Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit" zu sehen sind und wo man sie live erleben kann

by Federico Giannini, Ilaria Baratta , published on 04/01/2019
Categories: Werke und Künstler / Disclaimer

Eine der Besonderheiten des Films Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit, der am 3. Januar 2019 in den italienischen Kinos an läuft( einen ausführlichen Blick darauf, warum Sie ihn sehen sollten, finden Sie unterdiesem Link), besteht darin, dass die Gemälde, die in den Szenen des Films unter der Regie von Julian Schnabel zu sehen sind, nicht einfach Reproduktionen der Werke von Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) sind, sondern von Grund auf neu geschaffene Werke, echte Gemälde, die der Regisseur von Grund auf neu erschaffen wollte. “Der Akt des Malens”, erklärt Schnabel, “musste authentisch sein, und ich wollte einen Film machen, der getreu wiedergibt, was Maler denken und auch, wie die Beziehung von uns Künstlern zu anderen Malern ist, auch zu denen, die vor uns gelebt haben”.

Der Hauptdarsteller Willem Dafoe, der den großen holländischen Maler spielt (und für seine Darstellung bei den 75. Filmfestspielen von Venedig mit der Coppa Volpi ausgezeichnet wurde), musste lernen, wie man malt: “In diesem Film geht es ebenso sehr um die Malerei wie um Van Gogh”, erklärt der Schauspieler, “deshalb bestand ein großer Teil der Arbeit für mich darin, zu lernen, wie man malt, und noch mehr, wie man beobachtet. Wir begannen ganz einfach damit, dass ich die Materialien studierte und lernte, wie ich den Pinsel in der Hand halten sollte. Dann fing Julian an, mich aufzufordern, selbst zu malen. Man kann nicht sagen, dass ich in dieser kurzen Zeit ein richtiger Maler geworden bin, aber ich habe das Gefühl, dass das, was Julian mir beigebracht hat, mir geholfen hat, die Dinge anders zu sehen”. Julian Schabel ist nicht nur ein erfolgreicher Filmemacher, sondern auch und vor allem ein international anerkannter Künstler. “Auf eine sehr reale Art und Weise”, fügt Dafoe hinzu, "hat er mich dazu gebracht, mich Vincent’s Realität tiefer anzunähern, weil er mich entdecken ließ, wie es ist, die Veränderungen in der Wahrnehmung zu erleben, die während der Arbeit auftreten. Er hat mich dazu gebracht, einige Aspekte der Kunst besser zu verstehen, von denen ich dachte, ich wüsste sie bereits, aber ich wusste sie nicht wirklich. Ich lernte, wie man eine Leinwand berührt, wie man sich der Farbe nähert, welche Strategien man anwendet und wie man jede Strategie wieder aufgibt. Vor allem habe ich erkannt, dass die Malerei eine Kombination aus Inspiration, Impuls, Technik, Übung und anschließendem Verlassen der Übung ist. Eines der Dinge, die ich am meisten an dem Film mag, ist, dass er einen Teil dieses Prozesses dokumentiert, etwas, das wir nur selten zu sehen bekommen.

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Dafoe machte sich also daran, echte Gemälde von Vincent van Gogh nachzubilden. Es gibt mehrere berühmte Gemälde, die im Film zu sehen sind. In diesem Artikel werden zehn von ihnen genauer betrachtet, wobei wir Ihnen die Stelle im Film, an der sie erscheinen, das Bild des echten Gemäldes und eine kurze Beschreibung anbieten.

1. Blühender Pflaumenbaum
(1887; Öl auf Leinwand, 55,6 x 46,8 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Der Film beginnt in Paris zu Beginn des Jahres 1888: Vincent van Gogh hat seine Ausstellung in einem Café in der französischen Hauptstadt eingerichtet (der Film gibt nicht an, in welchem), aber sie erweist sich als Misserfolg, und der Besitzer des Ladens (gespielt vom belgischen Schauspieler Vincent Grass) fordert ihn unhöflich auf, seine Bilder zu entfernen und zu gehen. Hier ist der Dialog:

- Ich will das ganze Zeug jetzt loswerden! Du hast von einer Gruppenausstellung gesprochen, mit echten Künstlern. Das sind alles deine. Alle von ihnen! Wo sind die anderen? Niemand kommt zu dir. Keiner. Ja, gut, ein Kunde ist gekommen. Ein einziger. Aber die Idee war, Kunden anzulocken, nicht sie zu verschrecken! Das Zeug muss weg, sofort!
- Aber es sollte doch noch zwei Wochen dauern...
- Aber es endet heute. Das reicht!
- Was gefällt dir nicht?
- Nichts, verstanden? Mir gefällt gar nichts!

Zu den Werken, die hinter van Gogh und dem Cafébesitzer zu sehen sind, gehört die Pflaumenblüte von 1887, eine Japonaiserie (d.h. ein Gemälde mit einem japanischen Thema), die der Maler nach einem Druck von Hiroshige aus dem Jahr 1857, Kameido Garden, anfertigte. Van Gogh hatte seit seiner Übersiedlung nach Antwerpen im Jahr 1885 begonnen, japanische Drucke zu sammeln: Es handelte sich um Objekte, die man zu sehr niedrigen Preisen kaufen konnte, und van Gogh war schon immer von allem fasziniert, was aus dem Fernen Osten kam, so dass seine Entscheidung, nach Arles zu ziehen, auch durch den Wunsch motiviert war, in der Provence ein ähnliches Licht zu finden wie im Land der aufgehenden Sonne. Um mehr über die Beziehung zwischen van Gogh und der japanischen Kunst zu erfahren, lesen Sie den Artikel, den unser Magazin diesem Thema gewidmet hat.

Vincent van Gogh, Pflaumenblüte (1887; Öl auf Leinwand, 55,6 x 46,8 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

2. Im Café: Agostina Segatori im Le Tambourin
(1887; Öl auf Leinwand, 55,5 x 47 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Auch in der Eröffnungsszene, der Ausstellung im Pariser Café, sehen wir in dem Moment, in dem van Gogh äußerst bestürzt und in einem resignierten Ton fragt, was dem Besitzer nicht gefällt, wie er das Porträt von Agostina Segatori im Café Le Tambourin in die Hand nimmt. Das Werk wurde Anfang 1887 in Paris gemalt: Agostina Segatori war die Besitzerin des Café Le Tambourin, das van Gogh während seines Aufenthalts in Paris häufig besuchte und in dem er auch seine Gemälde sowie seine eigene Sammlung japanischer Drucke ausstellte, um sie zu verkaufen. Agostina Segatori (Ancona, 1841 - Paris, 1910) war schon in sehr jungen Jahren nach Paris gezogen: Wir wissen weder etwas über ihre Kindheit noch über ihre Eltern, aber wir sind sicher, dass sie sich bereits 1860 in der französischen Hauptstadt aufhielt, wo sie begann, für Künstler zu posieren (ein außergewöhnliches Porträt von ihr, das sich heute in der National Gallery of Art in Washington befindet, wurde von Jean-Baptiste-Camille Corot gemalt). Van Gogh porträtiert sie an einem Bartisch sitzend, eine Zigarette rauchend und mit einem Krug Bier vor sich. Es sei darauf hingewiesen, dass es zu jener Zeit als anrüchig galt, eine Frau mit guten Sitten an einer Bar zu sehen, die trinkt und raucht, und dass Frauen, die dies taten, in der Gesellschaft wenig Ansehen genossen.

Vincent van Gogh, Im Café: Agostina Segatori im Le Tambourin (1887; Öl auf Leinwand, 55,5 x 47 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

3. Schneelandschaft
(1888; Öl auf Leinwand, 38,2 x 46,2 cm; New York, Solomon R. Guggenheim Museum)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

In einer der Eröffnungsszenen von Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit sehen wir die sogenannte Schneelandschaft, die der Künstler im Februar 1888, kurz nach seiner Ankunft in Arles, malte. Der erste Eindruck des Künstlers von der Stadt in der Camargue war kein glücklicher: Van Gogh kam mitten im Winter dort an und fand die Provence entgegen seinen Erwartungen schneebedeckt vor (obwohl sich seine Einstellung mit der Ankunft des Frühlings änderte, als er das mediterrane Licht der Region zu schätzen wusste). Der kalte Winter jenes Jahres hinderte den niederländischen Künstler jedoch nicht daran, seiner Kreativität Ausdruck zu verleihen, und sobald er in Arles angekommen war, schuf er dieses Gemälde, das heute zu seinen berühmtesten zählt. In dieser Darstellung der provenzalischen Landschaft, in der die einzige menschliche Präsenz eine Figur ist, die mit ihrem Hund durch die Felder streift (und die wahrscheinlich auf das Haus zusteuert, das wir in der Ferne sehen: der rote Akzent auf dem Dach ist das auffälligste Detail der gesamten Komposition), ist die Anlehnung an die japanische Kunst noch spürbar. Die Schneelandschaft war Anfang 2018 Gegenstand einer kuriosen Episode: US-Präsident Donald Trump hatte das Werk als Leihgabe für das Guggenheim Museum angefordert, um es im Oval Office des Weißen Hauses auszustellen. Die New Yorker Institution lehnte jedoch ab und schlug als Ersatz das Werk America von Maurizio Cattelan vor, die berühmte Toilette aus 18 Karat Gold, die der in Padua geborene Künstler eigens für das Guggenheim geschaffen hat.

Vincent van Gogh, Schneelandschaft (1888; Öl auf Leinwand, 38,2 x 46,2 cm; New York, Solomon R. Guggenheim Museum)

4. Schuhe
(1888; Öl auf Leinwand, 45,7 x 55,2 cm; New York, The Metropolitan Museum of Art)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Vincent van Goghs Aufmerksamkeit für Alltagsgegenstände ist nicht ungewöhnlich. Vor allem Schuhe tauchen immer wieder auf: ein Thema, das der niederländische Maler bereits während seines Aufenthalts in Paris dargestellt hatte und auf das er sich auch während seines Aufenthalts in der Provence konzentrierte. Die Schuhe, die sich heute im Metropolitan Museum in New York befinden, wurden 1888 in Arles gemalt, und diese Version unterscheidet sich von den anderen dadurch, dass sie als einzige einen quadratischen Boden aufweist, der einen genauen räumlichen Bezug hat: Wissenschaftler haben herausgefunden, dass es sich um den Boden des berühmten “gelben Hauses” handelt, in dem van Gogh während seines Aufenthalts in Arles wohnte. Die Schuhe könnten also von ihm stammen, aber es gibt auch Spekulationen, dass es sich um die Schuhe von Patience Escalier handelt, einer örtlichen Bäuerin, die von van Gogh in einem anderen berühmten Gemälde porträtiert wurde. Die Schuhe könnten in der Tat ein Symbol für die Empathie des Künstlers für die Bauern sein, deren Leiden er schon früh in seiner Karriere eine Stimme geben wollte (nicht zuletzt, weil van Gogh ein begeisterter Leser der Werke sozial engagierter Schriftsteller war).

Vincent van Gogh, Schuhe (1888; Öl auf Leinwand, 45,7 x 55,2 cm; New York, The Metropolitan Museum of Art)

5. Oleander
(1888; Öl auf Leinwand, 60,3 x 73,7 cm; New York, The Metropolitan Museum of Art)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Die Oleander, die jetzt im Metropolitan Museum in New York zu sehen sind, sind die Protagonisten eines der interessantesten Dialoge des Films, in dem zum ersten Mal die Idee des Zunder-Künstlers von der “Ewigkeit” auftaucht. Van Gogh findet sich beim Malen in der Gegenwart von Gabby wieder (eine fiktive Figur, sie ist die Verwalterin des Hotels, in dem der Maler in den ersten Tagen nach seiner Ankunft in Arles wohnte, und wird von Julian Schnabels Tochter Stella gespielt), und die beiden tauschen ein paar Witze über das Werk aus:

- Die Blumen, warum malst du sie?
- Findest du sie nicht schön?
- Es sind wirklich schöne Blumen. Mehr als die Art, wie du sie malst.
- Findest du das?
- Natürlich.
- Vielleicht hast du Recht. Aber diese Blumen werden verwelken und sterben, wie alle Blumen.
- Ich weiß, das weiß jeder.
- Meine hingegen werden überleben.
- Bist du sicher?
- Zumindest haben sie eine Chance.

Van Gogh assoziierte Oleander, die Blumen in diesem Werk (der Künstler arrangiert sie in einer Majolika-Vase), mit positiven Gefühlen: ein Beweis dafür ist die Tatsache, dass die Blumen in der Komposition in der Nähe des Buches La joie de vivre von Émile Zola erscheinen, ein weiterer greifbarer Beweis für das literarische Interesse des Künstlers. Das Werk wurde 1888 in Arles ausgeführt.

Vincent van Gogh, Oleander (1888; Öl auf Leinwand, 60,3 x 73,7 cm; New York, The Metropolitan Museum of Art)

6. Sonnenblumen
(1889; Öl auf Leinwand, 95 x 73 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Das wohl berühmteste Werk des Films, die Sonnenblumen, wurde im Januar 1889 in Arles gemalt und befindet sich heute im Van-Gogh-Museum in Amsterdam. Fünf Gemälde, die Sonnenblumen in einer Vase zum Thema haben, befinden sich in öffentlichen Sammlungen (neben dem Amsterdamer Gemälde eines im Philadelphia Museum of Art, eines in der National Gallery in London, eines im Sompo Japan Museum of Art in Tokio und eines in der Neuen Pinakothek in München), außerdem eines in einer Privatsammlung, und ein siebtes, das sich einst in Japan befand, wurde im August 1945 bei Luftangriffen der USA auf die Japaner während des Zweiten Weltkriegs zerstört. Van Gogh malte seine Sonnenblumen nur in verschiedenen Gelbtönen, um zu zeigen, dass es möglich ist, Kunstwerke mit nur einer Farbe zu schaffen, ohne an Intensität zu verlieren. Wir wissen auch, dass die Sonnenblumen, die der Künstler malte, um das von ihm gemietete Haus in Arles zu schmücken (im Film wird van Gogh dabei ertappt, wie er das Werk, das sich jetzt in Amsterdam befindet, an eine Wand hängt), für ihn eine wichtige Bedeutung hatten: Der Maler verband sie mit Dankbarkeit, wie er in seinen Briefen schrieb. Am 22. Januar 1889 schrieb er eine Nachricht aus Arles an seinen Freund, den damals 29-jährigen holländischen Maler Arnold Koning, in der van Gogh schrieb: “In all dieser Zeit habe ich viele Studien und Bilder gemalt. Unter anderem habe ich in diesem Sommer zwei Blumenstillleben mit lauter Sonnenblumen in einer gelben Terrakotta-Vase gemalt. Gemalt mit Chromgelb, Ocker und Veroneser Grün, und sonst nichts”.

Vincent van Gogh, Sonnenblumen (1889; Öl auf Leinwand, 95 x 73 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

7. Der Postbote Joseph Roulin
(1888; Öl auf Leinwand, 81,3 x 65,4 cm; Boston, Museum of Fine Arts)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Herr Joseph Roulin war Postbote in Arles und freundete sich bald mit Vincent van Gogh an, der ihn zum Gegenstand eines seiner berühmtesten Porträts machte, wahrscheinlich wegen seines Aussehens und seiner Haltung, die für den Künstler besonders eindrucksvoll waren. So schrieb er am 31. Juli 1888 an seinen Bruder Theo: “Ich arbeite jetzt mit einem anderen Modell, einem Briefträger in einer blauen Uniform mit Goldverzierungen und einem großen Gesicht mit Bart, das mich an Sokrates erinnert. Ein wilder Republikaner, wie Père Tanguy. Ein interessanterer Mann als viele andere Menschen”. In der Tat verleiht van Goghs Porträt dem bescheidenen Briefträger eine sehr hohe Würde: Er sieht nicht mehr wie ein Briefträger aus, sondern fast wie ein Marinekommandant, mit seiner blau geschmückten Uniform, seiner gelassenen Pose, fast wie ein offizielles Porträt, seinem stolzen, geradeaus gerichteten Blick. Die Nähe Joseph Roulins zu Vincent van Gogh wird durch die vielen anderen Porträts bezeugt, die der Künstler von ihm anfertigte und die heute in verschiedenen Sammlungen auf der ganzen Welt aufbewahrt werden (und wir kennen auch einige Porträts seiner Familienmitglieder, angefangen bei Josephs jüngster Tochter Marcelle, die erst vier Monate alt war, als Vincent sie porträtierte).

Vincent van Gogh, Der Postbote Joseph Roulin (1888; Öl auf Leinwand, 81,3 x 65,4 cm; Boston, Museum of Fine Arts)

8. Die sternenklare Nacht
(1889; 73,7 x 92,1 cm; New York, MoMA - Museum of Modern Art)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

“Heute Morgen sah ich von meinem Fenster aus die Landschaft, lange bevor die Sonne aufging, mit nichts als dem Morgenstern, der mir sehr groß erschien. Daubigny und Rousseau haben es bereits gemalt und dabei die ganze Intimität, den Frieden und die Majestät zum Ausdruck gebracht und ihm ein so herzzerreißendes, persönliches Gefühl hinzugefügt”. So schrieb Vincent van Gogh an einem Tag zwischen dem 31. Mai und dem 6. Juni 1889 aus Saint-Rémy-de-Provence an seinen Bruder Theo: Die Vision, die der Künstler in diesem Brief beschreibt, ist diejenige, die zu einem seiner berühmtesten Meisterwerke, der Sternennacht, führen sollte. Der “Morgenstern”, auf den er sich bezieht, ist der Planet Venus, der in den letzten Maitagen in der Morgendämmerung besonders hell leuchtet: In dem Werk ist Venus der Stern, der mit einem weißlichen Licht im unteren Teil des Bildes leuchtet, nahe der hohen Zypresse, die die Komposition teilt. Was wir in der Sternennacht sehen, ist keine wirkliche Landschaft: die Elemente sind das Ergebnis der Erfindung des Künstlers (dies wird besonders deutlich, wenn wir den Kirchturm betrachten: in der Gegend Frankreichs, in der der Maler zu dieser Zeit lebte, gibt es keine ähnlichen). Mit diesem Werk wollte er einer inneren Vision Substanz verleihen, einer Vision von großer Kraft, die sehr mitreißend ist und Gefühle des Friedens und der Ruhe hervorrufen kann, aber auch eine träumerische Dimension (für van Gogh ist der Blick auf die Sterne eine Art zu träumen).

Vincent van Gogh, Die sternenklare Nacht (1889; 73,7 x 92,1 cm; New York, MoMA - Museum of Modern Art)

9. Selbstbildnis als Maler
(1887-1888; Öl auf Leinwand, 65,1 x 50 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Im Laufe seiner Karriere schuf Vincent van Gogh eine große Anzahl von Selbstporträts. Es gibt jedoch nur zwei Selbstporträts, auf denen er sich mit seinem Handwerkszeug präsentiert, und dies ist das letzte bekannte und auch das letzte Werk, das während seines Aufenthalts in Paris entstand (es wurde zwischen Dezember 1887 und Februar 1888 gemalt). In einem Brief, den er zwischen dem 16. und 20. Juni 1888 von Arles aus an seine Schwester Willemien schickte, äußerte sich der Maler über dieses Selbstporträt: “Da ich sehr mit mir selbst beschäftigt bin, möchte ich sehen, ob ich mein Porträt schriftlich machen kann. Zunächst möchte ich sagen, dass meiner Meinung nach ein und dieselbe Person Material für sehr unterschiedliche Porträts liefern kann. Hier ist ein Eindruck von mir, der das Ergebnis eines Porträts ist, das ich vor dem Spiegel gemalt habe und das Theo hat: ”ein rosagraues Gesicht mit grünen Augen, aschblondes Haar, Falten auf der Stirn und um den Mund herum, stark steif, ein roter Bart, eher ungepflegt und traurig, aber die Lippen sind voll, es gibt ein grobes Leinenhemd und eine Palette mit Zitronengelb, Zinnoberrot, Veroneser Grün, Kobaltblau, kurzum alle Primär- und Sekundärfarben, außer dem Orange des Bartes". Orange ist eigentlich auch auf der Palette, aber van Gogh hat es von der Liste ausgeschlossen, weil er es in zwei verschiedenen Schattierungen aufgenommen hat. Van Gogh kannte die Farbtheorie und wusste, dass die Verwendung von Komplementärfarben das Gemälde aufhellen würde: So wird dem Orange des Bartes seine Komplementärfarbe, das Blau des Hemdes, gegenübergestellt.

Vincent van Gogh, Selbstbildnis als Maler (1887-1888; Öl auf Leinwand, 65,1 x 50 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

10. Dr. Paul Gachet
(1890; Öl auf Leinwand, 68 x 57 cm; Paris, Musée d’Orsay)

Ausschnitt aus dem Film Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit

Am Ende von Van Gogh. An der Schwelle zur Ewigkeit führt der Künstler, der von Arles nach Auvers-sur-Oise umgezogen ist, ein Gespräch mit Dr. Paul Gachet, dem Arzt, der ihn behandelt hat (und der außerdem ein leidenschaftlicher Kunstsammler war). In diesem Gespräch kommt van Gogh auf das Thema der Ewigkeit zurück:

- Warum malen Sie?
- Ich male... eigentlich um nicht mehr zu denken.
- Es ist eine Art von Meditation...
- Wenn ich male, höre ich auf zu denken.
- Worüber denken Sie nach?
- Ich höre auf zu denken und fühle mich... als Teil von allem, was außerhalb und innerhalb von mir ist. Ich wollte... so gerne teilen, was ich sehe. Ein Künstler...
- Ja?
- Früher dachte ich, dass ein Künstler... lehren sollte, wie man die Welt betrachtet, aber jetzt denke ich das nicht mehr. Jetzt denke ich nur noch über meine Beziehung zur Ewigkeit nach.
- Was ist die Ewigkeit für Sie?
- Die Zeit, die kommt.
- Vielleicht meinst du, dass dein Geschenk an die Welt deine Malerei ist.
- Wozu ist ein Künstler sonst da?
- Du bist glücklich, wenn du malst.
- Fast immer, außer wenn ich versage.
- Manchmal scheinst du so traurig zu sein.
- Weißt du, ein erfolgreiches Gemälde trägt die Last der Zerstörung und des Versagens mit sich. Ich finde Freude im Schmerz. Der Schmerz ist stärker als das Lachen. Weißt du... ein Engel ist nicht so weit entfernt von den Leidtragenden. Und Krankheit... kann uns manchmal heilen. Das ist der normale Gemütszustand, aus dem ein Gemälde entsteht.
- Ist das auch Ihr Gemütszustand?
- Manchmal fürchte ich, dass ich wieder gesund werde.
- In diesem Fall brauchen Sie keinen Arzt!

Van Gogh malte mindestens zwei Porträts von Dr. Gachet, von denen sich eines im Musée d’Orsay befindet. Nach dem Tod des Arztes verblieb das Gemälde in der Familiensammlung: Seine Kinder Paul und Marguerite schenkten es 1949 dem französischen Staat für das Museum Jeu de Paume, wo es bis 1986 ausgestellt war und dann in die Sammlung des Musée d’Orsay überging. Der Arzt ist mit einer meditativen Haltung und einem “melancholischen Ausdruck” dargestellt, wie van Gogh ihn selbst in einem Brief an seine Schwester Willemien im Jahr 1890 definierte: Er sei besonders geeignet, so betonte van Gogh, “den trostlosen Ausdruck unserer Zeit” zu verkörpern. Die Niedergeschlagenheit wird auch durch die Farbpalette deutlich, die der Künstler in kalten Tönen gehalten hat (und die durch die Blume auf dem Tisch kaum belebt wird). Das Gemälde im Musée d’Orsay gilt als die zweite Version eines Originals, das in einer Privatsammlung aufbewahrt wird und dessen Spuren verloren gegangen sind: Im Original lag auf dem Tisch auch ein Buch, um die nachdenkliche Haltung von Doktor Gachet zu unterstreichen (der leider nichts gegen Vincents Verschwinden tun konnte).

Vincent van Gogh, Dr. Paul Gachet (1890; Öl auf Leinwand, 68 x 57 cm; Paris, Musée d’Orsay)

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