1. Mai, Es gibt Arbeit und Arbeit: Handwerk in der Kunst von den Ägyptern bis zum 20.

Der 1. Mai war Schauplatz vieler bedeutender und revolutionärer Ereignisse. Dieser Tag, der auch als Tag der Arbeit oder Tag der Arbeit bekannt ist, erinnert an den Kampf der Arbeiter für bessere Arbeitsbedingungen, Gewerkschaftsrechte und eine gerechtere Verteilung des Wohlstands. Seine Ursprünge gehen auf die Bewegung zur Verkürzung der Arbeitszeit mit der Forderung nach dem Achtstundentag zurück. Einer der entscheidenden Momente, die zur Konsolidierung der Feierlichkeiten zum 1. Mai beitrugen, war das Haymarket-Massaker in Chicago im Jahr 1886. Während einer friedlichen Demonstration für den Achtstundentag kam es zu Zusammenstößen zwischen Polizei und Demonstranten, die in einer Bombenexplosion und dem Tod mehrerer Polizisten und Demonstranten endeten(in diesem Artikel die Geschichte im Detail). Das Ereignis lenkte die internationale Aufmerksamkeit auf die Sache der Arbeitnehmer und trug dazu bei, den Kampf für die Rechte der Arbeitnehmer weltweit zu fördern. Trotz der Fortschritte, die in den letzten Jahren erzielt wurden, stehen die Arbeitnehmer in der ganzen Welt jedoch noch immer vor vielen Herausforderungen. Wirtschaftliche Unsicherheit, unsichere Arbeitsplätze und fehlender Sozialschutz sind nur einige der Themen, die weiterhin im Mittelpunkt der Debatte über die Zukunft der Arbeit stehen. Mit dem Aufkommen der Globalisierung und neuer Technologien entstehen zudem neue Herausforderungen und Chancen für die Arbeitnehmer. Die zunehmende Automatisierung und Digitalisierung der Arbeit wirft die Frage nach dem Verlust von Arbeitsplätzen auf, aber auch nach der Notwendigkeit neuer politischer Maßnahmen und Strategien, um eine faire und integrative Entwicklung hin zu einer digitalen Wirtschaft zu gewährleisten.

Anlässlich des 1. Mai finden Sie hier eine Sammlung von zehn Kunstwerken, die sich mit dem Thema Handwerk und Arbeit beschäftigen, vom alten Ägypten bis zum 20. Jahrhundert. Die Auswahl bietet einen Blick auf die verschiedenen Facetten der Arbeitswelt im Laufe der Jahrhunderte und verdeutlicht sowohl die praktische als auch die symbolische Bedeutung, die die Arbeit in der Kunstgeschichte gehabt hat.

1. Ägyptische Kunst, Handwerker, aus dem Grabmal von Nebamun und Ipuky (Kopie von Norman de Garis Davies)

Auf diesen Grabmalen aus dem 14. Jahrhundert v. Chr. imalten Ägypten arbeiten Handwerker eng zusammen und schaffen ornamentale Keramiken, Skulpturen, Hieroglyphen und Schmuck, um die Gräber von Pharaonen und Würdenträgern zu schmücken. Der gemeinsame Akt des Kunstschaffens wird in der Umgebung verewigt, die die Früchte ihrer Arbeit willkommen heißt, auch wenn die Handwerker von ihren hochrangigen Auftraggebern nicht mit dem ihnen gebührenden Respekt betrachtet wurden. Die altägyptischen Handwerker waren die Vorläufer des Streiks in der Geschichte der Arbeit, was in einer königlichen Nekropole in der Nähe ihrer Siedlung Deir el-Medina bezeugt ist. Obwohl es keine visuellen Darstellungen des Streiks gibt, hält ein Papyrusdokument, das wahrscheinlich von dem Schreiber Amennakht verfasst wurde, die Worte der Handwerker fest: “Die Bedrohung durch Hunger und Durst hat uns dazu getrieben”.

2. Italiotische Kunst, Künstler bei der Arbeit

Darstellungen von Künstlern bei der Arbeit sind in antiken Kunstwerken selten, aber Keramiken bieten einen Einblick in ein oft vernachlässigtes Handwerk. Der apulische Säulenkrater aus der Zeit um 350 v. Chr., der im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt ist, gehört zur rotfigurigen italiotischen Keramik und wurde aus gereinigtem Ton hergestellt, der auf einer Töpferscheibe modelliert wurde. In der Hauptszene der Vase sehen wir im Inneren eines Tempels (erkennbar an der Säule und der Phiale, einer rituellen Vase, die die alten Griechen in den Tempeln aufhängten) einen Bildhauer, der an einer Skulptur arbeitet, die auf einem hohen Sockel steht und einen Helden in einem Löwenfell darstellt (wir sehen, wie der Künstler mit Hilfe eines seiner Assistenten die Details der Mähne anpasst), während einige Gottheiten von oben zusehen. Es handelt sich um Zeus, den König der Götter, und Nike, die Siegesgöttin, die an ihren großen Flügeln zu erkennen ist. Rechts unten erscheint Herakles selbst, jung und bartlos, hinter dem Künstler (wir erkennen ihn an seiner Keule). Der Halbgott bleibt stehen und beobachtet die Entstehung der Statue mit Erstaunen, denn das Abbild ist er selbst: Die mit Keule, Bogen und Löwenfell bewaffnete Skulptur ist tatsächlich als Statue des Herakles zu erkennen.

3. Pompeji, die 36 Graffiti der Lupanare

Die Lupanare, die 1862 in Pompeji entdeckt wurden, sind ein Gebäude mit drei Eingängen und zwei verschiedenen Stockwerken. Im unteren Stockwerk befanden sich fünf kleine Zellen mit gemauerten Betten und einer Latrine, während das obere Stockwerk zusätzliche Räume enthielt, die über eine Treppe zur Gasse hin zugänglich waren. Die Räume waren durch Vorhänge unterteilt und mit erotischen Gemälden geschmückt. Die 36 Graffiti, die an den Wänden des unteren Stockwerks gefunden wurden, zeugen von der Nutzung des Gebäudes als Ort der Prostitution: Die Frauen, die in diesem Bordell arbeiteten, waren überwiegend Sklavinnen griechischer und orientalischer Herkunft, und der Preis für ihre Dienste lag nach den Erkenntnissen der Wissenschaftler des Archäologischen Parks von Pompeji zwischen zwei und acht Assen (zur Zeit des Augustus, d. h. einige Jahrzehnte vor der Zerstörung Pompejis, konnte man mit zwei Assen einen Liter Wein oder ein Kilo Brot kaufen, während eine Tunika zwölf Sesterzen oder achtundvierzig Asen kosten konnte). Der Begriff “Lupanare” leitet sich von “lupa” ab, dem lateinischen Wort für Prostituierte. Die erotischen Graffiti an den Wänden stellen die Prostituierten der damaligen Zeit dar. Ihr sozialer und rechtlicher Status war von einer weitgehenden Ausgrenzung geprägt.

4. Maciejowski-Bibel, Der Turmbau zu Babel

Die Maciejowski-Bibel, ein illuminiertes mittelalterliches Manuskript, besteht aus 46 Blättern und wurde um 1250 von französischen Künstlern aus Nordeuropa kunstvoll verziert. Das dritte Blatt des Textes schildert die Geschichte des Volkes von Babel, das eine kolossale Stadt und einen Turm bauen will, der den Himmel überragt. Der Herr, der über ihren übermäßigen Stolz empört ist, verwirrt die Sprache des Volkes und unterbricht so ihre ehrgeizigen Pläne. Zwietracht macht sich breit, die Arbeit wird eingestellt, und die Baumeister zerstreuen sich in alle Himmelsrichtungen. In dieser Miniatur sehen wir ein Beispiel dafür, wie im Mittelalter gebaut wurde. Wir sehen ausgeklügelte Hebesysteme wie Flaschenzüge, die von Männern in Holzrädern bewegt werden. Am Fuße des Turms sind Arbeiter damit beschäftigt, die Steinblöcke vorzubereiten, die auf einer Art Sänfte getragen werden, die mit Gurten ausgestattet ist, um das Gewicht zu verteilen. Ein Steinmetz, der auf einer Leiter steht, trägt einen Behälter mit Kalk auf dem Rücken, während ein anderer einen kleineren Hammer benutzt, um die Steine präzise anzuordnen. Diese Darstellung gibt einen Einblick in die Techniken und Werkzeuge, die bei der Errichtung monumentaler Bauwerke verwendet wurden. Nach dem Untergang des Weströmischen Reiches im 5. Jahrhundert n. Chr. ging die Bautätigkeit zurück, um dann ab dem 9. Jahrhundert wieder aufzuleben. Der Höhepunkt dieses Aufschwungs fand zwischen dem 12. und 16. Jahrhundert statt, dem goldenen Zeitalter der Baumeister. Viele von ihnen erlernten das Handwerk in der Praxis: Ab dem 13. Jahrhundert setzte sich jedoch der Brauch durch, Lehrlinge aufzunehmen, wodurch die Ausbildung formaler wurde. Während die Grundlagen des Handwerks direkt in den Steinbrüchen erlernt wurden, wurden die verfeinerten Techniken direkt am Arbeitsplatz weitergegeben, was von der Kompetenz der Zunft zeugt.

5. Meister von Parral, der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer

Zwischen 1480 und 1490 malte der Meister von Parral ein lebendiges Bild des klösterlichen Lebens in seinem Werk, das den heiligen Hieronymus zeigt, wie er im Skriptorium eines Klosters an seiner Übersetzung der Vulgata arbeitet, umgeben von seinen ergebenen Schülern. Die Mönche, Figuren, die das Konzept “ora et labora” des Benediktinerordens widerspiegeln, sind in ihre Arbeit vertieft und verbinden Gebet und Handarbeit. Das Werk befindet sich heute im Museo Lázaro Galdiano in Madrid. In den Klöstern gab es Räume, die der wertvollen Tätigkeit des Abschreibens von Manuskripten gewidmet waren. Hier widmeten sich Amanuensis-Mönche dem Kopieren von heiligen Texten und den Klassikern der Antike. Jeder Kopist konnte damit beauftragt werden, ein ganzes Manuskript oder Teile davon abzuschreiben, wobei er dem Diktat des Armarius oder Bibliothekars folgte. In der Kunst des Kopierens gab es eine Arbeitsteilung: Die Kopisten ließen Leerstellen für Initialen, Titel und Illustrationen, die dann von den Miniaturisten und Illuminatoren ausgefüllt wurden. Letztere bereicherten die Miniaturen mit goldenen Pinselstrichen und verliehen ihnen so einen besonderen Glanz. Auf Gemälden, die sie darstellen, sind die Kopisten oft mit Werkzeugen wie Federmessern abgebildet, die zum Anspitzen der Stifte oder zur Korrektur von Fehlern auf dem Pergament verwendet wurden. Die Vorbereitung der Schreibfedern, die für das Schreiben unerlässlich waren, war ein mühsamer Prozess. Vogelfedern wurden zunächst angefeuchtet, dann unter heißem Sand gehärtet und anschließend sorgfältig geschärft. Diese Details vermitteln ein anschauliches Bild von den Praktiken und Werkzeugen der mittelalterlichen Schreibkunst und verdeutlichen die Geduld, die für die Herstellung der damaligen Manuskripte erforderlich war.

6. August Wilhelm Julius Ahlborn, Ein Blick auf das Goldene Zeitalter Griechenlands

1836 malte August Wilhelm Julius Ahlborn (Hannover, 1796 - Rom, 1857) das Gemälde Ein Blick auf das Goldene Zeitalter Griechenlands, das 1836 nach dem Original von Karl Friedrich Schinkel aus dem Jahr 1825 kopiert wurde. Das Gemälde zeigt eine idyllische griechische Stadtlandschaft, in der nackte Helden einen ionischen Tempel mit einer doppelten Säulenreihe errichten. Die Prozession auf dem Fries des Tempels erinnert an den Parthenon und hält den Moment fest, in dem der letzte Marmorblock mühsam gesetzt wird. Die Gestaltung der Säulen ist von der Antike inspiriert, als die Arbeiter innehalten, um die aus dem Krieg zurückkehrenden Soldaten zu beobachten. Für Schinkel war der Bau eines Tempels der Höhepunkt einer geordneten Gesellschaft und das Symbol einer verbesserten Weltordnung. Sein architektonischer Entwurf für ein neues Athen in Berlin spiegelt diese Sichtweise wider. In seinen Plänen für die Säulenhalle des Lustgartenmuseums verwendete er denselben Stil wie dieser Tempel. Das zentrale Denkmal erinnert an den kämpfenden Löwen von Albert Wolff und dieAmazone von August Kiß auf der Treppe des Alten Museums. Die Originalfassung von Schinkels Gemälde ging verloren, wurde aber von Wilhelm Ahlborn bewahrt, der 1826 und 1836 zwei Kopien anfertigte. Heute ist es in der Nationalgalerie, Staatliche Museen in Berlin, ausgestellt.

7. Jean-François Millet, Die Sammlerinnen

Das Gemälde aus dem Jahr 1857, das im Pariser Musée d’Orsay ausgestellt ist, ist das Ergebnis einer jahrzehntelangen Forschung zum Thema der Feldarbeiterinnen, einem der Lieblingsthemen von Jean-François Millet (Gréville-Hague, 1814 - Barbizon, 1875). Diese Frauen repräsentieren die bäuerliche Arbeiterklasse und sind in der Dämmerung auf den Feldern unterwegs, um eine nach der anderen die von den Schnittern zurückgelassenen Ähren aufzulesen. Der Maler stellt sie im Vordergrund dar: Drei Figuren stehen im Vordergrund und illustrieren die drei Phasen der harten und sich wiederholenden Arbeit: sich bücken, die Ähren auflesen und wieder aufstehen. Ihre Schlichtheit kontrastiert mit der üppigen Ernte im Hintergrund: Heuhaufen, Weizengarben, ein Karren und eine Schar fleißiger Schnitter. Das Licht der untergehenden Sonne unterstreicht die Volumen im Vordergrund, lässt die Sammler skulptural erscheinen und hebt Details wie ihre Hände, Hälse, Schultern und Rücken sowie die leuchtenden Farben ihrer Kleidung hervor. Der einsame Mann zu Pferd auf der rechten Seite ist wahrscheinlich ein Mann, der die Arbeit auf dem Landgut überwacht und die Regeln für die Sammlerinnen und Sammler durchsetzt. Seine Anwesenheit unterstreicht die soziale Distanz und erinnert an die Grundbesitzer, die er vertritt. Ohne auf pittoreske Details zurückzugreifen, verleiht Millet diesen zweifellos armen, aber ebenso würdigen Sammlern einen emblematischen Wert, der jeglicher Rhetorik entbehrt.

8. Vincent van Gogh, Die Kartoffelesser

Das Gemälde Die Kartoffelesser von Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), das im Van Gogh Museum in Amsterdam ausgestellt ist, wurde 1885 nach einer langen Reihe von Skizzen fertiggestellt und zeigt eine bescheidene Hütte, in der fünf Bauern eine maßvolle Mahlzeit aus Kartoffeln und schwarzem Kaffee genießen. Die Atmosphäre ist düster, kaum beleuchtet von einer kleinen Öllampe, die in der Mitte des Raumes hängt. Trotz der schlechten Beleuchtung wird der Blick des Betrachters auf die Details gelenkt, die Van Gogh damals besonders faszinierten. Die von der Arbeit auf den Feldern gezeichneten Hände und die von Müdigkeit gezeichneten Gesichter sind deutlich zu erkennen und zeugen von den langen Stunden unter der sengenden Sonne. Das Gefühl des Elends und der Trostlosigkeit wird durch die fast monochromatische Farbpalette verstärkt, die Vincent hauptsächlich aus Erdtönen wie Ocker, Braun, Schwarz und Grün zusammensetzt. Wie sein Meister Jean-François Millet strebte Van Gogh danach, ein authentischer Bauernmaler zu sein. Das bedeutete, dass er seine Motive mit tiefem Realismus malte, ohne in Sentimentalität zu verfallen. Van Gogh beschrieb diese Bauern als “eine Lebensweise, die sich völlig von der unseren, von der der zivilisierten Menschen unterscheidet”. Der niederländische Künstler versuchte daher, das Wesen dieser Gesichter einzufangen, “die Farbe einer guten, staubigen, ungeschälten Kartoffel”, um die Vorstellung zu vermitteln, dass diese Menschen “mit denselben Händen, mit denen sie jetzt das Essen vom Teller nehmen, die Erde umgraben und eine ehrliche Mahlzeit verdienen”.

9. Giuseppe Pellizza da Volpedo, Der vierte Stand

Das zwischen 1868 und 1902 von Giuseppe Pellizza da Volpedo (Volpedo, 1868 - 1907) gemalte Gemälde, das heute in der Galleria d’Arte Moderna in Mailand zu sehen ist, nachdem es lange Zeit im Museo del Novecento ausgestellt war, ist das Ergebnis eines zehnjährigen Schaffensprozesses. Die Würde der Arbeiter wird durch beredte Posen und Gesten zum Ausdruck gebracht, die an Vorbilder aus der Renaissance wie Raffael und Michelangelo erinnern. Der Vierte Stand hat die ausdrückliche Absicht, die Ansprüche Italiens am Ende des 19. Jahrhunderts zu dokumentieren, und hat seinen Namen von dem Begriff, der während der Französischen Revolution verwendet wurde, um die untergeordneten Volksschichten, den “vierten Stand”, neben der Bourgeoisie (dem dritten Stand) zu bezeichnen, der später während der Industriellen Revolution für die Arbeiterklasse übernommen wurde. Pellizza da Volpedo diskutierte mit seinem Freund Angelo Morbelli über sozialistische politische Theorien und den italienischen Pointillismus, um dieses Gemälde zu schaffen. Dieses universelle Werk ist von grundlegender Bedeutung für die Geschichte der italienischen und der Weltkunst und gewann im Laufe der Zeit immer mehr an Bedeutung, auch dank seiner Verbreitung in der Massenkultur, die die proletarischen Forderungen symbolisiert. Der Vormarsch der Prozession ist gewaltlos dargestellt, denn Pellizza wollte eine Masse von Arbeitern zeigen, die sich langsam dem Sieg nähert. Die Figuren der Bauern sind horizontal angeordnet und erinnern sowohl an den Klassizismus des Frieses als auch an eine realistische Straßendemonstration, die direkt von Meisterwerken wie Leonardos Das letzte Abendmahl inspiriert ist.

10. Charles C. Ebbets, Mittagessen auf einem Wolkenkratzer

Lunchatop a Skyscraper (Mittagessen auf einem Wolkenkratzer) ist ein ikonisches Foto, das 1932 während des Baus von 30 Rockefeller Plaza im Rockefeller Center in New York City aufgenommen wurde. Obwohl es Charles C. Ebbets zugeschrieben wird, herrscht unter Historikern Unklarheit über den tatsächlichen Fotografen, da andere wie William Leftwich und Thomas Kelley an diesem Tag anwesend waren und das Foto ebenfalls aufgenommen haben könnten. Das Foto zeigt elf Arbeiter, die auf einem Stahlträger Hunderte von Metern über der Stadt sitzen. Es wurde am 20. September 1932 aufgenommen und von der New York Herald Tribune in ihrer Sonntagsbeilage vom 2. Oktober 1932 veröffentlicht. Ein späteres Foto mit dem Titel Resting on a Girder (Auf einem Träger ruhend) zeigt sie auf dem Träger im 69. Stockwerk des 30 Rockefeller Plaza. Ihre Identität ist nicht bekannt, aber es handelt sich wahrscheinlich um europäische Einwanderer, die damals häufig im Baugewerbe beschäftigt waren. Während der Großen Depression, in der Millionen von Menschen arbeitslos waren, vermittelten diese Bilder eine optimistische Vision eines expandierenden New Yorks und gaben dem Land Hoffnung auf eine Wiedergeburt.

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