Zeitgenössische Ausstellungen in einer Kirche aus dem 14. Jahrhundert. Wann kann man das? Der Fall von Pietrasanta

Wenn eine alte Kirche zu einem Ausstellungsort für zeitgenössische Kunst wird, wie unscharf ist dann die Grenze zwischen einer Gestaltung, die die Räume respektiert, und einer, die stattdessen so schwer und invasiv ist, dass sie die Wahrnehmung der Räume stört? Immer häufiger werden Gebäude, die vor Jahrhunderten errichtet wurden, umgenutzt und mehr oder weniger erfolgreich zu Ausstellungsorten umfunktioniert: In diesem Sinne ist die Geschichte der Kirche Sant’Agostino in Pietrasanta lang und voller waghalsiger Einrichtungen, ein Fall, der als Beispiel für ihre lange Ausstellungsgeschichte dienen könnte, gespickt mit erfolgreichen Episoden, aber auch, und vielleicht sogar noch mehr, mit Projekten, die in das Notizbuch der Praktiken aufgenommen werden sollten, die mit äußerster Vorsicht zu vermeiden sind.

Der Tiefpunkt des Brunnens wurde wahrscheinlich 2008 erreicht, als das strenge Kirchenschiff in eine Art roten Teppich für ein Filmfestival verwandelt wurde: rote Teppiche wurden über die großen Marmorplatten des Fußbodens ausgebreitet, um die Skulpturen von Gina Lollobrigida der Öffentlichkeit zu präsentieren, die bei der Einweihung von einer Menschenmenge begrüßt wurden, die nie wieder bei einer Ausstellung in der Versilia-Stadt zu sehen sein würde. Von den 1990er Jahren bis heute (das jüngste Kapitel ist die Ausstellung " Africa Tunes", die am vergangenen Samstag eröffnet wurde und von der weiter unten die Rede sein wird) sind hier Hunderte von Ausstellungen in rasantem Tempo über die Bühne gegangen: Das Publikum hatte kaum Gelegenheit, den alten Tempel von Pietrasanta leer zu sehen, eine strenge Augustinerkirche aus dem 14. Jahrhundert, die noch ihre gotische Fassade bewahrt hat, die an die der Kathedrale von San Martino in Lucca erinnert. Im Inneren, das zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert umgebaut wurde, sind wertvolle Altarbilder aus der Toskana des 17. Jahrhunderts erhalten: eine Gnadenmadonna, ein Meisterwerk von Astolfo Petrazzi (der auch mit der Ausmalung des angrenzenden Kreuzgangs beauftragt war): Acht Lünetten seines Werks sind heute noch erhalten), eine Kreuzigung von Francesco Curradi, eine Rosenkranzmadonna , die Cesare Dandini, Jacopo Vignali und anderen Künstlern der Zeit zugeschrieben wird, sowie eine Madonna mit Kind von Tommaso Tommasi. An den Wänden befinden sich Fragmente der ursprünglichen Dekoration aus dem 14. Jahrhundert, auf dem Altar das Altarbild mit derVerkündigung , das Matteo Boselli zugeschrieben wird, und dahinter, in der Apsis, dieKrönung der Jungfrau von Jean Imbert. Von besonderer Bedeutung ist der Altar, der die drei Fragmente der Geburt Christi von Zacchia da Vezzano beherbergt, ein bemerkenswertes Altarbild aus dem Jahr 1519, das 1921 gestohlen, bei dieser Gelegenheit zertrümmert und dann in Fetzen wiedergefunden wurde: Heute sind auf dem Altar die Überreste ausgestellt, in der Erwartung, dass früher oder später auch der Rest des Altarbildes gefunden wird.

Es handelt sich um einen Spaziergang durch vier Jahrhunderte der Geschichte Pietrasantas, der zum Verständnis der Bedeutung dieses scheinbar marginalen Gebiets des Großherzogtums Toskana beiträgt, mit dem das Schicksal der Stadt lange Zeit verbunden war. Dieser Rundgang ist jedoch nur mit der Erlaubnis der Personen möglich, die in der Kirche, die derzeit für den Gottesdienst gesperrt ist, regelmäßig Ausstellungen organisieren. Der Komplex Sant’Agostino (das ehemalige Renaissance-Kloster ist in seiner architektonischen Struktur noch erhalten) ist seit der napoleonischen Aufhebung der Mönchsorden im Besitz der Gemeinde Pietrasanta und wird heute für Ausstellungen genutzt, zu denen auch die Kirche gehört. Dies ist das jüngste Kapitel seiner Geschichte: Im 19. Jahrhundert war es Sitz einer Schule der Scolopianer, die bis 1880 aktiv war. Danach wurde die Kirche weiterhin für den Gottesdienst genutzt, während das Kloster in einen Zustand starken Verfalls geriet, bis der gesamte Komplex zwischen den 70er Jahren und 1988 restauriert wurde. Danach eröffnete die Gemeinde dort das Museum für Zeichnungen und die Stadtbibliothek, während das Erdgeschoss des Klosters und die Kirche für Ausstellungen offen blieben. Und die Kirche Sant’Agostino mit ihren großen Bänden, ihrer nüchternen Ausstattung, ihren Altären, ihren Tabernakeln hat offensichtlich die Phantasie der Ausstellungsmacher angeregt, die sie seit geraumer Zeit unablässig jeder Art von Nutzung und Missbrauch aussetzen, sie oft mit den ungebührlichsten Ärgernissen quälen, die sich das Gehirn eines Kurators ausdenken kann, und ihre Geschichte mit Füßen treten (wörtlich: Alte Grabsteine sind auf den Böden zu sehen), die Altarbilder werden unsichtbar gemacht oder in völliger Dunkelheit belassen, das vielschichtige Gebäude wird behandelt, als wäre es eine neutrale White-Cube-Galerie.

Im Laufe der Jahre hat die Kirche St. Augustinus, die auf diese Weise in einen einzigartigen Ausstellungsort verwandelt wurde, trotz ihrer selbst die ganze Bandbreite an eindrucksvollen Installationen gezeigt. Es muss gesagt werden, dass das Gotteshaus vor allem für Ausstellungen von Skulpturen genutzt wurde, zum einen, weil dies die wichtigste künstlerische Berufung der Gegend ist, und zum anderen, weil es viel einfacher und heikler ist, eine Skulpturenausstellung in einer Kirche einzurichten, als Zeichnungen, Gemälde und Quadrate hineinzustopfen, wie es dennoch wiederholt geschehen ist. Dennoch gab es keinen Mangel an Bildhauern, die sich unbedingt bemerkbar machen wollten. Das Beschwerdebuch könnte mit der Ausstellung von Igor Mitoraj aus dem Jahr 2015 beginnen, der das Kirchenschiff von Sant’Agostino buchstäblich mit überdimensionalen Werken überschwemmte, die überall platziert wurden, in einigen Fällen sogar so, dass sie die Gemälde aus dem 17. Jahrhundert behinderten. Jahrhundert behindert haben. Buchstäbliche Mammut-Skulpturen auch für Stefano Bombardieri, der 2009 vor dem Hauptaltar eine Art vergesslichen Zoo mit Gorillas, Elefanten, Nashörnern und verschiedenen Dickhäutern aufstellte. Noch schlimmer war die Ausstellung von Medhat Shafik im Jahr 2008, als die Skulpturen des ägyptischen Künstlers fast den gesamten zur Verfügung stehenden Raum verstopften und vielleicht den Höhepunkt des unbeholfenen und unzusammenhängenden Durcheinanders erreichten. Und im Jahr 2022 wurden die Altarbilder aus dem 17. Jahrhundert fast vollständig von Martín Romeos Videos verdeckt, die auf riesige Leinwände projiziert wurden und den Blick auf die antiken Werke verhinderten, teils weil sie sie physisch verdeckten, teils weil die Kirche in völliger Dunkelheit belassen worden war. Ganz zu schweigen von der Ausstellung von Giuseppe Carta im Jahr 2017, als die Werke von Petrazzi und Kollegen abgedeckt wurden, um Platz für die von Carta zu schaffen (eine Art Unikat: Ich glaube nicht, dass jemals jemand die Dreistigkeit besessen hat, die alten Werke zu ersetzen) und die gesamte Kirche in eine Art Privatclub verwandelt wurde.

Die Künstler hingegen, die kleinere Werke zu den Ausstellungen beisteuerten, konzentrierten sich oft auf die Quantität und verwandelten das Kirchenschiff von St. Augustinus in einen Wald von Totems: Die Ausstellung von Maurizio Toffoletti aus dem Jahr 2009 wirkte wie Stonehenge, während man sich beim Betreten der Ausstellung von Paolo Ruffini aus dem Jahr 2015 (eine der schlechtesten) wie am Set von Hitchcocks Die Vögel fühlte, mit Möwen, die von der Decke hingen, und Netzen, die vor dem Altar verteilt waren, um Käfige zu simulieren.Bei der Ausstellung 2019 von Umberto Cavenago und Bart Herreman, die die Kirche respektierte, wurden aus irgendeinem Grund Poller aufgestellt, um das Publikum daran zu hindern, die linke Seite des Kirchenschiffs zu betreten. Der letzte Fall, in zeitlicher Reihenfolge, war die Design Week 2023, die den Boden des Kirchenschiffs mit Lampen, kleinen Tischen und Sesseln füllte, die den größten Teil des verfügbaren Raums einnahmen.

Da ein Gemälde nicht wie eine Skulptur überall hingestellt werden kann und für sich allein steht, sondern aufgrund seiner physischen Prominenz an einem vertikalen Träger aufgehängt werden muss, und da es aus offensichtlichen Gründen nicht erlaubt ist, Gemälde an den Wänden der Kirche anzubringen, mussten die Ausstellungsorganisatoren lange überlegen, um das Problem zu lösen, ein Gemälde in einem leeren Raum aufrecht stehen zu lassen. Bei der Botero-Ausstellung im Jahr 2000 wurden zwei hohe Flügel geschaffen, die dem Verlauf des Kirchenschiffs folgten und die Kirche in eine improvisierte Galerie verwandelten, und dasselbe Modell wurde bei der “Quasi-Dali”-Ausstellung im Jahr 2016 verfolgt, mit dem erschwerenden Umstand, dass in diesem Fall auch einige besonders wichtige Skulpturen hinzugefügt wurden, die die Wahrnehmung der Kirche stören. Gegen Mitte der 2010er Jahre wurde für eine Weile die entgegengesetzte Ausrichtung Mode: große parallele Wände quer zum Kirchenschiff, die schlangenförmig weitergeführt werden (wie z. B. bei den Ausstellungen von Franco Miozzo 2014 und Francesco Stefanini 2015), wobei die provisorischen Elemente in einigen Fällen grob auf den alten Grabsteinen aufliegen. Natürlich blieb auch die Fassade nicht verschont: Als Beispiel, von dem man sich fernhalten sollte, sei Tano Pisanos “Meccano” aus dem Jahr 2021 genannt, eine Ausstellung, die die Bögen der Außenfassade mit unangemessen farbigen Mosaiken füllte (ganz zu schweigen von dem Haufen von Gegenständen im Inneren: Wenn es eine Rangliste der schlechtesten Installationen gäbe, wäre diese Ausstellung ein hervorragender Kandidat für eine mögliche Top 5), der bereits erwähnte Ruffini, der eine Art dreidimensionale Ausarbeitung des Titels seiner Ausstellung vor dem Kircheneingang platzieren ließ, und der Amerikaner Fred Nall, Autor von schwerfälligen und ungeschickten Interventionen sowohl außerhalb als auch innerhalb der Kirche.

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Gab es bei all dem jemanden, der die Kirche Sant’Agostino respektierte? Was die Bildhauerei betrifft, so ist es ganz einfach, Beispiele zu finden: Die geeignetsten und delikatesten Installationen, die die Kirche so wenig wie möglich beeinträchtigten, waren die der Ausstellung Tempo (2021) von Bertozzi & Casoni, die vorausschauend eine sehr begrenzte Anzahl von Werken mitbrachten, die klein waren und die Wahrnehmung der Umgebung nicht verändern konnten. Dasselbe gilt für die Einzelausstellung von Roberto Barni im Jahr 2013: auch in diesem Fall wenige Werke und wenig Störung. Bei der Malerei hingegen ist es aufgrund der Besonderheiten des Mediums sehr viel schwieriger, Installationen zu finden, die in irgendeiner Weise keinen wesentlichen Einfluss auf die Kirche haben. Eine gute Lösung wurde, wie ich glaube, zum ersten Mal für die Ausstellung Africa Tunes , die am vergangenen Samstag eröffnet wurde, ausprobiert: Die Organisation hatte das Problem, die großen Gemälde des ivorischen Künstlers Aboudia in den Rundgang einzubinden. Anstatt schwere, vergängliche Wände aufzustellen, wurden Holzrahmen installiert, die nicht in der Mitte der Kirche, sondern an den Wänden des Kirchenschiffs angebracht wurden (wie bei den Neonröhren von Marco Lodola im Jahr 2006, einer anderen Ausstellung mit geringer Wirkung), die den Eindruck erwecken konnten, dass die Gemälde im Raum schweben, und die so platziert wurden, dass die Frontalansicht der Altarbilder aus dem 17. Das vor dem Altar platzierte Element hätte, wenn es voll und nicht leer gewesen wäre wie die für diese Ausstellung gewählten Rahmen, die Wahrnehmung des Raums der Apsis irreparabel beeinträchtigt: Man kann einen Vergleich mit der Ausstellung von Raffaele De Rosa (2019) anstellen, wo eine volle Wand am Anfang des Altarraums installiert wurde (also in einer viel weiter fortgeschrittenen Position als der Rahmen mit dem Gemälde von Aboudia), die fast den gesamten Raum dahinter auslöscht und die Wahrnehmung der Tiefe beeinträchtigt. Man könnte also sagen, dass das Gemälde von Aboudia einen Teil des Hochaltars verdeckt: Das stimmt, aber zumindest wurde ein bahnbrechender Versuch unternommen, in der Augustinerkirche eine Gemäldeausstellung einzurichten, die den Raum für diejenigen frei lässt, die die Kirche mit Interesse betreten.

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Es sei daran erinnert, dass die Gemeinde Pietrasanta die Kirchenräume vergibt und von den Konzessionären verlangt, dass sie sich an eine Verordnung halten, in der sie im Wesentlichen angewiesen werden, keine umweltschädigenden Installationen vorzunehmen (d. h. das Anbringen von Nägeln, das Einbringen von Flüssigkeiten, das Tragen von Elementen, die ein bestimmtes Gewicht überschreiten, usw. zu verbieten). Bei besonders komplexen Anlagen muss das Projekt der Oberaufsichtsbehörde zur Genehmigung vorgelegt werden. Die Superintendentur äußert sich natürlich nicht zur ästhetischen Qualität der Einrichtung: In diesem Fall bleibt alles dem gesunden Menschenverstand der Ausstellungsmacher überlassen, die frei entscheiden können, ob ihr kulturelles Angebot in einer Kirche Sinn macht oder nicht (mit anderen Worten: diejenigen, die wie Bertozzi&Casoni über die Zeit und die Vergänglichkeit des Daseins in einer Kirche nachdachten, und diejenigen, die sie mit verschiedenem Vieh füllten, behandelten die Kirche als Kulisse). Es wäre jedoch kein übertriebener Dirigismus, wenn die Gemeinde Pietrasanta darum bitten würde, die Belastungen durch die Ausstellung auf ein Minimum zu reduzieren, um der Kirche Sant’Agostino die angemessene Aufmerksamkeit zukommen zu lassen.

Das Ausstellungsangebot von Pietrasanta zeichnete sich vor allem in den letzten Jahren durch eine gewisse Diskontinuität aus, die dazu führte, dass sich Ausstellungen, die alles andere als interessant waren (das beste Beispiel, das von den Einwohnern noch immer angeführt wird und ihnen gut in Erinnerung ist, ist die Ausstellung der Skulpturen von Gina Lollobrigida), mit anderen von weitaus größerem Umfang und entschieden höherer Qualität abwechselten. Während wir darauf warten, dass die Ausstellungen in Pietrasanta eine harmonischere und einheitlichere Qualität erreichen, könnten wir bei den Grundlagen beginnen: Wir müssen verhindern, dass Sant’Agostino zu einem Jahrmarkt wird, auf dem das Publikum jedes Mal nicht weiß, ob es neben den Ausstellungen zeitgenössischer Kunst auch die Überreste der Vergangenheit bewundern kann, mit den richtigen Räumen, dem richtigen Licht und ohne Störungen. Die Koexistenz des Alten und des Zeitgenössischen kann nicht unreflektiert bleiben.

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