Wie ist der Sieg des falschen Strandes des litauischen Pavillons auf der Biennale von Venedig zu interpretieren?

Es war nicht schwer vorherzusehen, dass der litauische Pavillon auf der Biennale von Venedig die fast einhellige Anerkennung des Publikums und vieler Insider finden würde, obwohl es vielleicht nicht so offensichtlich war, dass die von Lucia Petroiusti kuratierte und von den drei Künstlern Rugilė Barzdžiukaitė, Vaiva Grainytė und Lina Lapelytė inszenierte Performance so überzeugend sein würde, dass sie den Goldenen Löwen verdient hätte. So kann man sich leicht vorstellen, dass das Publikum Schlange stehen wird, um das Lagerhaus in der Nähe des Arsenale zu bevölkern, wo die drei litauischen Künstler einen künstlichen Strand nachgebildet haben, an dem sich die Figuren auf ihren Strandtüchern sonnen, Bücher lesen und in Zeitschriften blättern, Sandburgen bauen und mit Hunden spazieren gehen, Dabei stimmen sie operettenhafte Arien an, in denen sie ihre Sorgen zum Ausdruck bringen, die von den trivialsten (welche Sonnencreme soll man benutzen, wie vermeidet man, vom kleinen Hund des Nachbarn belästigt zu werden) bis zu den dringlichsten und globalsten reichen, vor allem den Klimawandel, der der eigentliche Protagonist dieser Art von lebendiger Krippe in sommerlicher Umgebung ist (und der Vergleich ist natürlich nicht ironisch gemeint). Die Kommentare von Insidern bei der Biennale-Preview konzentrierten sich vor allem auf die emotionale Komponente von Sun & Sea (Marina) (so lautet der Titel der Performance, auch wenn sowohl Sonne als auch Meer in der Arbeit fehlen): Nicht selten traf man auf Kollegen, die das von Barzdžiukaitė, Grainytė und Lapelytė gebotene Spektakel aufregend, mitreißend, ekstatisch fanden.

Und dieAnziehungskraft dieses scheinbar sorglosen Strandes, dieses farbenfrohen Urlaubskontextes, der von den litauischen Künstlern in einem Raum der Marine wiedergegeben wird, dieses Stück Menschlichkeit, das das Ende der Welt symbolisiert, wie es sich die Autoren vorstellen, denen zufolge es die Apathie, die Resignation und der Individualismus der Menschen sind, die uns in eine Zerstörung führen werden, die nicht durch plötzliche Umwälzungen, sondern einfach durch die Beständigkeit unserer Faulheit verursacht wird, ist unbestreitbar. Es ist daher leicht, einerseits die Gründe für die Faszination zu verstehen, die dieses Werk auf das Publikum ausübt, und andererseits die Beweggründe, die die internationale Jury (ebenfalls ausschließlich Frauen) dazu veranlassten, den litauischen Pavillon auszuzeichnen: Sun & Sea (Marina) behandelt ein hochaktuelles Thema mit extremer Leichtigkeit, wendet sich mit augenzwinkernder Leichtigkeit an das Publikum, bedient sich der Sprache des Musicals und präsentiert sich daher in ganz vertrauten Tönen, die es schaffen, auch die widerstrebendsten Teile des Publikums an die Performancekunst heranzuführen.

Der litauische Pavillon auf der Biennale von Venedig 2019. Ph. Credit Andrea Avezzù. Mit freundlicher Genehmigung von La Biennale di Venezia

Der litauische Pavillon. Ph. Kredit Andrea Avezzù. Mit freundlicher Genehmigung von La Biennale di Venezia

Wenn es also klar ist, warum der Pavillon ausgezeichnet wurde, ist es schwieriger zu verstehen, wofür er ausgezeichnet wurde: Die Bewertung des litauischen Sieges auf der achtundfünfzigsten Biennale von Venedig könnte zum Beispiel eine gute Übung sein, um die Erweiterung der Grenzen der Performance-Kunst und die Elemente, die sie vom Theater trennen, zu hinterfragen. Zumindest, wenn man Marina Abramović folgen will, die 2010 in einem Interview mit dem Guardian erklärte, dass man, um Performer zu sein, das Theater hassen müsse, da Theater Fiktion sei, während Performance das genaue Gegenteil sei: Der litauische Pavillon erscheint als Domäne der Fiktion, er ist ein großes Tableau vivant, das das Publikum von oben beobachtet, ohne aktiv daran teilzunehmen, und zwar auf eine Art und Weise, die gar nicht so weit von der bestimmter Formen der Unterhaltung im viktorianischen England entfernt ist (und die im Übrigen nicht einmal einen großen künstlerischen Anspruch hatte).

Man muss sich also fragen, wie viel Neues, Originelles, Experimentelles in Sun & Sea steckt, das wie eine zuckrige, versüßte, kinderfreundliche, einschmeichelnde und höfliche Version der Aufführungen von Tino Sehgal oder Tania Bruguera wirkt. Werke, die nicht nur mit einer weitaus größeren Tiefe ausgestattet sind (der litauische Pavillon entmaterialisiert sich unaufhaltsam, wenn man ihn mit Werken von Tino Sehgal wie This is so contemporary, das im Übrigen auf einer anderen Biennale präsentiert wurde, oder These Associations vergleicht), sondern auch mit einer Performance wie Tatlin’s Whisper von Tania Bruguera, die auf den ersten Blick die unmittelbarsten Vorläufer der Arbeit von Barzd&zcaron zu sein scheinen;iukaitė, Grainytė und Lapelytė), und die sich sicherlich als stärker und prägnanter erwiesen als das kleine Theater, das in dem Raum in der Nähe des Arsenale eingerichtet wurde, waren enger mit jenem Element der Präsenz verbunden, das viele Kritiker als Grundlage der Performance-Kunst bezeichnet haben. Leone d’Oro ist also eine Erfahrung, die man großzügig als eine manierierte, träge und farbenfrohe Reprise der konstruierten Situationen und der de-conducta-Kunst der oben genannten Künstler bezeichnen könnte. Und nicht nur das: In Litauen haben einige in den sozialen Medien auf die große Ähnlichkeit zwischen dem Werk der drei auf der Biennale ausgezeichneten Künstlerinnen und einem Werk des ebenfalls aus Litauen stammenden Fotografen Tadao Cern aus dem Jahr 2013 hingewiesen: Die Fotoserie mit dem Titel " Comfort Zone" zeigt ahnungslose Badende am Strand von oben und wird zu einem Ort umgedeutet, an dem die Menschheit in völliger Sorglosigkeit lebt (eben eine Komfortzone, in der sich niemand, der sich einmal ausgezogen hat, um das Urteil der anderen kümmert oder zumindest eine Maske trägt, die Fehler, Laster und Unvollkommenheiten verbirgt).

Tino Sehgal, Diese Assoziationen (2012)

Tania Bruguera, Tatlin’s Whisper #5 (2008, das Foto zeigt die Aufführung in der Tate Modern im Jahr 2016)

Tadao Cern, Comfort Zone (2013)

Schließlich muss man sich fragen, ob der Goldene Löwe für Litauen bei dieser Ausgabe der Biennale von Venedig als Versuch gesehen werden könnte, die (unbestreitbare) Distanz zwischen der zeitgenössischen Kunst und der breiten Öffentlichkeit zu verkürzen. Ein Versuch, der in diesem Fall sicherlich ungeschickt wäre, so unwiderlegbar die Tatsache auch sein mag, dass für eine bestimmte, heute besonders weit verbreitete Vorstellung von Kunst (nach der Kunst gewöhnlich und in gewisser Weise beruhigend sein muss), die sowohl für die alte als auch für die zeitgenössische Kunst gilt, der litauische Pavillon in diesem Sinne das erfolgreichste Werk der gesamten Biennale darstellte (und auch unter diesem Gesichtspunkt scheint es keinen großen Abstand zwischen Sun & Sea und beispielsweise der x-ten Blockbuster-Ausstellung über Frida Kahlo oder die Impressionisten oder den zu “Schönheitsspaziergängen” umfunktionierten Museumsbesuchen zu geben, wie Gramellini es ausdrückte). Aber in diesem Fall gibt es vielleicht noch einen anderen Aspekt, über den man nachdenken sollte.

In einem seiner jüngsten Essays über die Darstellung von Unterschieden in der zeitgenössischen Kunst (die das italienische Publikum leicht in dem in diesem Jahr erschienenen Buch Che cos’è dunque l’altro? finden kann) hat Marc Augé unter anderem bekräftigt, dass das Hauptziel der Kunst nicht darin besteht, zu untergraben, sondern zu zeigen, und dass es für ein erfolgreiches Sehen und Zeigen notwendig ist, “Perspektiven zu finden, zu experimentieren und die erlaubten Grenzen zu verschieben, die Beobachtung in Zeit und Raum fallen zu lassen”, und er hat hinzugefügt, dass zum Beispiel im Bereich des Kinos die interessantesten Produktionen diejenigen sind, die die Grenzen zwischen Fiktion und Dokumentation aufheben. Im Fall von Sun & Sea liegt das Problem nicht so sehr darin, dass das Werk eher einer reinen (und nicht sehr prägnanten) Abstraktion als einem Kontext ähnelt, und auch nicht darin, dass nicht mit neuen Wegen experimentiert wird, um dem Publikum eine Darstellung der Realität zu bieten (es ist nichts falsch an einem Werk, das nicht originell ist, und es ist auch nicht zu erwarten, dass die Biennale Originalität um jeden Preis belohnt): Das Problem besteht eher darin, dass dieses Werk den Sprachen anderer kreativer Ausdrucksformen hinterherzulaufen scheint, anstatt sie zu einem hohen und kohärenten Ergebnis zu vereinen (wie es Laure Prouvost im französischen Pavillon auf brillante Weise getan hat, um nur ein Beispiel zu nennen, das innerhalb der Grenzen der diesjährigen Biennale bleibt), und es ist müßig, daran zu erinnern, dass in der Kunst wie in jedem anderen Bereich (angefangen bei der Politik) das Hinterherlaufen und die Nachahmung gegenüber dem Original nichts ausrichten können.

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