Warum wir Künstler in der Politik brauchen

Dieser Artikel, der ursprünglich in Artsy veröffentlicht wurde, in Italien unveröffentlicht ist und von uns mit freundlicher Genehmigung des Autors übersetzt wurde, ist dem Gedenken an Barbara Steveni gewidmet, Mitbegründerin der APG-Gruppe, die am 26. Februar verstorben ist.

Es war kein klassischer Präsidentschaftswahlkampf. Es gab keine Fahnen, kein Podium, keine Baseballmützen mit der Aufschrift “Make Cuba Great Again”. Die kubanische Künstlerin Tania Bruguera saß auf einem Bürostuhl in einem leeren Raum und sprach per Videokonferenz mit mir während eines Treffens auf dem Creative Time Summit im Oktober 2016, als sie sagte, dass sie bei den kubanischen Präsidentschaftswahlen 2018 kandidieren würde.

Wenn es jemals eine Zeit gab, in der die Welt Künstler brauchte, dann ist diese Zeit jetzt. Die Gesellschaft braucht ihre radikalen Ideen, ihre Visionen, ihre Perspektiven. Ich führe diese Idee auf den britischen Künstler, Pädagogen und Provokateur John Latham (Livingstone, 1921 - London, 2006) zurück, der sein Leben der Schaffung einer Weltanschauung widmete, die Wissenschaft und Geisteswissenschaften miteinander verbindet.

Latham war der Ansicht, dass die Welt nur von denjenigen verändert werden kann, die bereit und in der Lage sind, die Realität ganzheitlich und intuitiv zu begreifen. Und die Person, die dazu am besten in der Lage ist, so Latham, ist der Künstler. Zu diesem Zweck gehörte Latham zusammen mit Barbara Steveni, Jeffrey Shaw, David Hall, Anna Ridley und Barry Flanagan zu den Gründern der Artist Placement Group (APG), einer Initiative zur Ausweitung der Reichweite von Kunst und Künstlern in der Gesellschaft.

Lathams Verachtung für die Grenzen zwischen verschiedenen Disziplinen wurde durch die “flache Zeittheorie” untermauert, eine philosophische Auffassung von Zeit, die er im Laufe seines Lebens entwickelte. Diese Theorie schlug vor, uns zu einer zeitbasierten Kosmologie zu führen (die darin bestehen würde, soziale, wirtschaftliche, politische und ästhetische Strukturen als eine Abfolge von Ereignissen durch die Aufzeichnung ihrer kognitiven Muster auszurichten) und unsere übliche sinnes- und raumbasierte Weltsicht aufzugeben. In der Überzeugung, dass das lineare und akkumulative Wissen über Raum und Geschichte eine Täuschung sei, schlug Latham eine “Struktur der Ereignisse” vor, die die Realität radikal umgestaltet und ein Verständnis des Universums ermöglicht, das gleichzeitig alle Disziplinen einbezieht.

Ich kam zum ersten Mal mit der Brillanz von Lathams Arbeit in Berührung, als Douglas Gordon mich 1994 persönlich zum Flat Time House, dem damaligen Wohnsitz von Latham in Peckham, Südost-London, mitnahm. Gordon wollte dieses Treffen unbedingt, und in der Tat beginnt die Aufzeichnung dieses Besuchs (die ich in meinem Archiv gefunden habe) mit Gordon und mir in einem Taxi auf dem Weg zu einem Treffen mit Latham.

John Latham, Five sisters (1976), gezeigt in der Ausstellung A World View: John Latham (London, Serpentine Gallery, 1. März bis 21. Mai 2017). Ph. Credit Luke Hayes. Courtesy Serpentine Gallery

Während unseres Gesprächs erklärte Gordon, wie er von Lathams Beschreibung der “Incidental Person” beeinflusst wurde, einer Figur, deren Rolle in der Gesellschaft darin bestünde, neue Denkweisen zu entwickeln, und die die Mission der GPA, Künstler in Schlüsselpositionen in der Gesellschaft zu platzieren, unterstützen würde. Five Sisters" ist ein Werk, das in Zusammenarbeit mit Richard Hamilton und Rita Donagh entstand und den Aufenthalt der GPA beim schottischen Amt dokumentieren sollte, das fünf große Ablagerungen von Kohleabfällen zum Denkmal (oder besser gesagt zum Antimonument) erklärt hatte. Latham schlug vor, diese Ablagerungen als Denkmäler zu schützen und ihnen sogar den Status eines Kulturguts zu verleihen. Anlässlich der Ausstellung von John Latham in den Serpentine Galleries hatten wir die APG reaktiviert und den Künstler Pedro Reyes zum Dialog mit verschiedenen Abteilungen des Londoner Stadtrats eingeladen.

Gordon war fasziniert von der Idee, dass Grenzen und soziale Muster fließend sind und dass “niemand von uns besonders an die Zeit oder den Raum gebunden ist, in dem wir uns befinden”. Dies ist ein radikaler Gedanke, denn er zeigt, dass Veränderungen möglich sind, und dass sie plötzlich eintreten können.

Durch sein radikales Vermächtnis kann Latham als Proto-Künstler unserer Gegenwart gesehen werden: Er war der Ansicht, dass der Künstler eine spezifische Rolle in der Gesellschaft spielt, nämlich einen freien Raum zu schaffen, in dem radikale Ideen erforscht werden können.

In diesem Sinne steht Lathams Werk dem von Joseph Beuys sehr nahe. Beuys setzte sich ebenfalls für die Demokratisierung der Kunst ein: Er erklärte bekanntermaßen, dass “jeder Mensch ein Künstler ist”, und lehrte uns, dass die Kunst, ebenso wie die Politik, etwas ist, an dem wir alle teilhaben. Beuys’ “erweiterte Definition von Kunst” schloss die Idee der sozialen Plastik als Gesamtkunstwerk ein, für die er eine kreative und partizipatorische Rolle beanspruchte, die Gesellschaft und Politik gestalten kann. Wie bei Latham war auch der Weg von Beuys von leidenschaftlichen, manchmal sogar erbitterten öffentlichen Diskussionen begleitet. Beuys machte sein Leben und sein Werk zu einer ständigen öffentlichen Debatte, um radikale neue Ideen zu diskutieren. Beuys zeigte, wie die Kunst der Gesellschaft den Raum geben kann, den sie für ihre Vorstellungen braucht.

Joseph Beuys auf der Documenta 7, 1982

Und wie für Latham eröffneten auch für Beuys seine Vorträge, sein politischer Aktivismus und seine Aktionen jenen “agonistischen Raum”, den die politische Theoretikerin Chantal Mouffe kürzlich als entscheidend für die Praxis der Demokratie bezeichnet hat. Mouffe vertritt die Auffassung, dass die Demokratie Unterschiede und Vielfalt zulassen sollte (die zwangsläufig zu kontrollierten Konflikten führen), anstatt den Konsens zu suchen. Dieser “agonistische” Ansatz soll antagonistische Debatten fördern, anstatt sie zu unterdrücken. Ich denke, er lässt sich mit Edouard Glissants Ideen über Homogenität, Vielfalt und Globalisierung in Verbindung bringen, die auch für mein eigenes Denken sehr wichtig waren. Wir müssen Unterschiede anerkennen und fördern. Nur wenn wir das tun, ist es möglich, eine demokratische Gesellschaft zu schaffen.

Latham und Beuys haben uns unter anderem gelehrt, dass die Kunst ein Raum ist, in dem echte Debatten geführt werden können, und sie haben uns auch gezeigt, wie dies in politisches Handeln umgesetzt werden kann. Im Laufe seines Lebens hat Beuys die folgenden politischen Organisationen gegründet oder mitbegründet: die Deutsche Studentenpartei (1967), die Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung (1971), die Freie Internationale Universität für interdisziplinäre Kreativität und Forschung (1974) und die berühmtere deutsche Partei der Grünen (1980). Als Jugendlicher stieß ich auf einen Vortrag von Beuys. Er sprach über “Realitätsproduktion”, über soziale Plastik, über die Gründung einer grünen Partei. Er nannte die Gesellschaft eine “skulpturale Struktur”, eine Struktur, die sich selbst heilen muss. Er sprach davon, dass Veränderung per Definition eine kreative Handlung ist und dass jede fortschrittliche Politik freies Denken braucht. In einer Gesellschaft, die vergessen hat, wie man kreativ denkt, ist Veränderung unmöglich. Die Kunst, die uns lehrt, kreativ zu denken und uns neue Möglichkeiten vorzustellen, ist für die Gesellschaft und die Politik unerlässlich.

Ein Blick auf die Ausstellung A World View: John Latham (London, Serpentine Gallery, 1. März bis 21. Mai 2017). Ph. Credit Luke Hayes. Mit freundlicher Genehmigung der Serpentine Gallery

Viele Künstler haben in den letzten fünfzig Jahren die Vision von Beuys und Latham aufgegriffen, die den Künstler als sozialen Akteur sahen. Sie sind Intellektuelle, die sich in das soziale und politische Gefüge ihrer Gesellschaften einfügten und die Kunst als etwas begreifen konnten, das im Leben der Gemeinschaft (und nicht außerhalb) stattfindet.

Der Künstler Bruce Conner kandidierte 1967 als Mitglied des Board of Supervisors [eine Art Provinzrat, Anm. d. Ü.] in San Francisco. Sein legendärer Wahlkampf, in dem sein einziges Statement eine Rede über Licht war, erinnerte daran, dass in einer echten Demokratie jede Stimme gehört werden sollte, egal wie weit sie vom Mainstream entfernt ist. Interessant ist auch, dass Conner, obwohl er ein Vertreter der Gegenkultur war, in jeder Wahlrunde seine Stimme abgab und seine Freunde, die nicht zur Wahl gingen, sehr kritisierte. Seine Kampagne bot denjenigen, die mit dem Status quo unzufrieden waren, eine Alternative. In diesem Sinne kann die Kunst ein Magnet für einen großen Teil unserer Wählerschaft sein, die sich durch die ihnen angebotenen Optionen nicht vertreten fühlen.

Edi Rama, der derzeitige Ministerpräsident Albaniens, war Maler, bevor er Politiker wurde, und er blieb eng mit dem Künstler Anri Sala befreundet. Wir müssen sein Programm im Kontext der sozialen Plastik von Beuys betrachten. In seiner Vision ist die Kunst nicht von der Politik getrennt, sondern begleitet sie vielmehr. Edi Rama “denkt die Demokratie neu”, wie Sala mir sagte. Als Rama Bürgermeister von Tirana wurde, sagte er, dies sei “der aufregendste Job der Welt, weil er mir die Möglichkeit gibt, jeden Tag zu handeln und für gute Zwecke zu kämpfen. Bürgermeister von Tirana zu sein, ist die höchste Form der Konzeptkunst. Es ist reine Kunst. Diese Geschichte verdient eine umfassendere Bewertung, als ich sie in diesem kurzen Text geben kann, denn sie scheint mir für unser Verständnis des Themas ”zeitgenössische Kunst und Politik" grundlegend zu sein.

Rama hat sich mit seinem außergewöhnlichen “grünen und sauberen Projekt” an diese Aussagen gehalten. In Anlehnung an das berühmte Projekt der 7.000 Eichen, das Beuys 1980 zur Documenta mitbrachte, organisierte Rama die Pflanzung von 1.800 Bäumen in der ganzen Stadt und legte fast 100.000 Quadratmeter städtische Grünflächen an. Außerdem ließ er viele alte Gebäude mit den so genannten “Edi-Rama-Farben” streichen: ein Projekt, über das Sala in seinem außergewöhnlichen Film Dammi i colori berichtet, einem Video, das zwischen Dokumentation und Kunstwerk angesiedelt ist. Es handelte sich um eine sehr billige, wirksame und äußerst populäre Methode zur Verbesserung des städtischen Umfelds und zur Veränderung des Dialogs in einer Stadt, die eine sehr unruhige Vergangenheit hinter sich hatte. Seine Vision der Beziehung zwischen Kunst und Politik lässt sich in einem Zitat zusammenfassen, das ich sehr inspirierend finde: “Kultur ist die Infrastruktur, nicht die bloße Oberfläche”.

Diesem Gedanken zufolge sind Kunst und Kultur kein Luxus, sondern absolut unverzichtbare Bestandteile für das reibungslose Funktionieren einer Gesellschaft. Kunst ist Kommunikation, Partizipation, Interaktion, und jede Organisation, die diese Beziehungen nicht fördert, ist unweigerlich zum Scheitern verurteilt. Als er über die Bemalung der Stadt Tirana sprach, sagte Rama, dass “Interventionen an Gebäuden keine ästhetischen Interventionen sind, sondern ein Versuch, die Kommunikation zwischen den Bürgern, der Umwelt und den Behörden wieder aufzunehmen. In einen Prozess der Umgestaltung einzutreten, bedeutet in erster Linie, zu versuchen, durch die Schaffung von Zeichen ein Gefühl der Zugehörigkeit zur Gemeinschaft zu schaffen”.

Tirana, die bemalten Gebäude. Ph. Kredit David Dufresne

Die Idee der Kunst als Infrastruktur, als “soziale Skulptur”, wurde von Theaster Gates beispielhaft weiterentwickelt. Zu seiner umfangreichen künstlerischen Praxis gehören Projekte wie die Rebuild Foundation, eine gemeinnützige Organisation, die in seiner Heimatstadt Chicago Initiativen zur gemeinsamen Nutzung von Räumen und erschwinglichen Wohnungen für Unterprivilegierte ins Leben rufen will. Er hat verlassene Gebäude in Kultureinrichtungen umgewandelt, wie das Archie House, in dem 14 000 Architekturbücher einer stillgelegten Bibliothek aufbewahrt werden, oder die Stony Island Saving Bank, die in die Stony Island Arts Bank umgewandelt wurde, eine Bibliothek, die unter anderem die Büchersammlung von John H. Johnson, dem Gründer der Zeitschriften Ebony und Jet, und die Plattensammlung von Frankie Knuckles, dem Vater der House-Musik, enthält. Diese Räume stehen der Gemeinschaft offen und sind Orte, an denen Kultur und politisches Handeln nicht nur ausgestellt, sondern auch praktiziert und gefördert werden.

Die politischen Interventionen der Künstler können auch die Form der Provokation annehmen. Kurz vor seinem Tod erzählte mir Christian Schlingensief, wie viel Beuys ihm bedeutet hat. Als Jugendlicher hatte er 1976 eine Rede von Beuys besucht, und obwohl er zugab, dass er damals nicht alles verstanden hatte, erinnerte er sich daran, wie Beuys seinen Vater provoziert hatte, indem er ihm den Zusammenbruch des Sozialsystems innerhalb von sieben Jahren vorhersagte. Sieben Jahre später fragte Schlingensief seinen Vater, ob er sich an diese Vorhersage erinnere. “Ja”, antwortete er ihm, “ich habe mir einen Zettel in den Kalender geschrieben, und dort ist er sieben Jahre lang hängen geblieben: Ich kann jetzt feststellen, dass das, was er vorausgesagt hat, nicht eingetreten ist.” Aber das wirklich Interessante und Herausfordernde, so hatte Schlingensief mir gegenüber betont, war, dass Beuys meinen Vater gezwungen hatte, sieben Jahre lang über die Zukunft nachzudenken. Kunst kann die Zukunft nicht vorhersagen, aber sie kann auf die Art und Weise einwirken, wie wir uns in der Gegenwart verhalten.

Schlingensiefs Inszenierung umfasst eine Reihe von Aktionen und Provokationen, die die deutsche Gesellschaft aufrütteln und zum Nachdenken über ihre Unzulänglichkeiten anregen sollen. So lud er einmal alle deutschen Arbeitslosen, deren Zahl in die Millionen geht, zum Schwimmen in den Wolfgangsee ein, wo Bundeskanzler Helmut Kohl seinen Urlaub verbrachte. Schlingensiefs Plan war, dass diese Legionen von Schwimmern den See überfluten und Kohls Haus, das sich in der Nähe befand, überschwemmen sollten. Der Plan war zum Scheitern verurteilt (nur etwa 20 Menschen badeten im See), aber er erregte große Aufmerksamkeit in den Medien, nicht so sehr, weil die Idee darin bestand, Kohls Haus zu überfluten, sondern weil er ein Problem von nationaler Bedeutung auf eine Weise behandelte, die gezielt darauf ausgerichtet war, Aufmerksamkeit zu erregen. Und das ist eine Möglichkeit, wie Künstler die Institutionen der Macht berühren können: durch die Organisation von Aktionen oder Interventionen, die es schaffen, auf vernachlässigte Probleme hinzuweisen. Wir könnten auch über den Mut von Octavio Paz sprechen, der sein ganzes Leben damit verbrachte, sich gegen den Totalitarismus auszusprechen, und der uns diese denkwürdigen Worte hinterlassen hat: “Es kann keine Gesellschaft ohne Poesie geben”.

Stony Island Arts Bank. Ph. Kredit Tom Harris, Copyright Hedrich Blessing. Mit freundlicher Genehmigung der Rebuild Foundation

Die Dichterin und Schriftstellerin Eileen Myles nutzte Humor, um politische Prozesse zu stören. Im Jahr 1991 kündigte sie an, dass sie bei den US-Präsidentschaftswahlen als einzige “offen weibliche” Kandidatin antreten würde. Ihre Kampagne, die im East Village begann, wurde bald zu einem Projekt von nationalem Interesse, zu einer Chance für diejenigen, die sich im politischen Mainstream kein Gehör verschaffen konnten. Ihre Teilnahme an politischen Prozessen war zum Teil ein Performance-Projekt, zum Teil ein Protest, zum Teil ein Scherz. Dennoch bewies sie mehr politische Integrität als alle anderen Kandidaten.

Unser Projekt Do it begann 1993 in Paris, als Ergebnis einer Diskussion mit den Künstlern Christian Boltanski und Bertrand Lavier darüber, wie man flexiblere und offenere Ausstellungen organisieren könnte. Dabei ging es vor allem um die Frage, ob eine Ausstellung auf von den Künstlern verfassten Anweisungen beruhen sollte, die bei jeder Präsentation frei interpretiert werden können. Wie kann das Werk eines Künstlers transformiert werden, wenn andere das Kunstwerk geschaffen haben? Für dieses Projekt schrieb Eileen einen Text mit dem Titel How to Run for President of the United States of America. Der Text erinnert uns daran, dass die Demokratie auch in beängstigenden Zeiten dem Volk gehört und die Kunst ein Mittel ist, sie zurückzufordern: "Weißt du? Sie können dich wirklich nicht aufhalten. Mit Ausnahme von vielleicht ein paar Staaten, darunter Nevada, kann jeder Bürger für ein Amt kandidieren. In New York zum Beispiel braucht man nur 33 Freunde, um die Unterschriften zu sammeln, die nötig sind, um eine Erklärung zu unterschreiben, dass sie im Falle eines Sieges in Ihren Wahlkreis kommen. Man kann sie einfach von zu Hause aus anrufen, und sie müssen ihre Papiere nicht einmal mitbringen. Sie können sie sogar in einem Reisebüro abstempeln lassen. Das ist nicht schwierig.

Dieser Text ist die erweiterte Fassung eines Vortrags, den ich auf dem Creative Time Summit hielt, als Tania Bruguera ihre Kandidatur ankündigte. In einem Land, in dem noch nie demokratische Wahlen stattgefunden haben, hatte ihre Erklärung nach dem Tod von Fidel Castro im Monat nach ihrer Ankündigung eine neue Bedeutung.

Die Entscheidung war eine Erweiterung ihres Projekts, politische und humanitäre Probleme in Kuba durch Performance und soziale Bewegungen anzusprechen. Tania praktiziert “Arte Útil” (“nützliche Kunst”) und hat langfristige Projekte entwickelt, darunter ein Gemeindezentrum, eine politische Partei für Einwanderer und eine Institution, die sich für die Alphabetisierung der Bürger und den politischen Wandel in Kuba einsetzt. Bruguera beschreibt “Arte Útil” mit diesen Worten (und ich denke, sie sind eine gute Einführung in seine Arbeit): “Ich wollte wirklich die Rolle der Kunstinstitutionen im Hinblick auf ihre politische Wirksamkeit überdenken. Bei meiner Arbeit stieß ich immer wieder auf Grenzen, aber in der Zwischenzeit fand ich eine große Gruppe von Künstlern und Kunstwerken, die sich schon seit langem mit denselben Problemen befasst hatten. Ich konnte sie mit dem identifizieren, was ich Arte Útil nannte, denn sie beklagten sich nicht nur über soziale Probleme, sondern versuchten, sie durch die Umsetzung verschiedener Lösungen zu verändern. Und sie stellten sich nicht nur utopische und unmögliche Situationen vor (was die meisten Künstler tun), sondern versuchten auch, praktische Utopien zu schaffen”.

Tania Bruguera, Die Würde hat keine Nationalität (2017). Kreative Zeit: Treuegelöbnisse

Tania gründete 2006 die Volkspartei der Migranten mit dem Ziel, eine neue Form der politischen Organisation zu schaffen, und schuf dann die Internationale Migrantenbewegung als langfristiges Projekt in Form einer soziopolitischen Bewegung. Für seine Arbeit richtete der Künstler ein Jahr lang einen flexiblen Gemeinschaftsraum in Queens, New York, ein, in dem er mit Anwohnern und internationalen Gemeinschaften interagierte, während er mit Sozialdiensten, Institutionen und Künstlern zusammenarbeitete und darüber nachdachte, wie die Einwanderung reformiert werden kann. Öffentliche Workshops, Veranstaltungen, Aktionen und Kooperationen ermutigten die Einwanderer, über die Werte nachzudenken, die sie mit der Gemeinschaft teilten, und Verbindungen innerhalb der Gemeinschaft selbst zu fördern. Dies war Politik in Form von Kunst, die vor Ort gemacht wurde und Leben verändern kann.

Darüber hinaus gründete Tania Bruguera in Kuba ein Institut, das die staatsbürgerliche Bildung fördern und den politischen Wandel unterstützen soll. Das Institut, das sich selbst als Wunschtank versteht, nutzt öffentliche Aktionen und Performances mit Cubanos de a pie (einfachen Kubanern): von Hausfrauen bis zu Berufstätigen, von Aktivisten bis zu Studenten. Es geht darum“, so die Künstlerin in einer Beschreibung dieser Arbeit, ”Brücken des Vertrauens zu bauen, keine Angst voreinander zu haben, eine friedliche und nachdenkliche Antwort auf Gewalt zu geben, einen Ort zu schaffen, an dem Menschen mit unterschiedlichen politischen Vorstellungen zusammen sein können".

Die Kandidatur von Tania Bruguera ist gleichzeitig der Höhepunkt ihrer künstlerischen Arbeit und vielleicht auch eine unbewusste Hommage an die Ambitionen der APG, die den Künstler als “zufällige Person” in die bestehenden sozialen und politischen Strukturen einordnet, um Veränderungen zu bewirken. Tania gehört zu den Künstlern, die die Lektion, die uns Künstler wie John Latham hinterlassen haben, auf die Gegenwart anwenden.

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