Warum fällt es jungen italienischen Künstlern schwer, sich im Ausland zu etablieren?

Wie wird die Karriere eines erfolgreichen Künstlers aufgebaut? Und vor allem, warum haben junge italienische Künstler Schwierigkeiten, sich im Ausland zu etablieren? Es ist nicht einfach, Antworten zu geben, auch weil jede künstlerische Karriere einzigartig ist, aber einige Beispiele können helfen, die Dynamik zu verdeutlichen, die zum Erfolg eines Künstlers auf internationaler Ebene beitragen kann.

Lassen Sie uns zunächst von der Annahme ausgehen, dass sich die Art und Weise, wie sich ein Künstler etabliert, im Laufe der Zeit stark verändert hat und dem Trend des Kunstsystems folgt. Während für die Künstler der Arte Povera oder der Transavantgarde noch die Figur des Kritikers/Kurators wie Germano Celant und Achille Bonito Oliva ausschlaggebend war, ist für die Künstler der jüngsten Generationen die Verbindung zu einer mächtigen Galerie mit starker internationaler Präsenz viel wichtiger. Eine der aufsehenerregendsten und zugleich emblematischsten Tatsachen des angeborenen Rausches auf dem Markt für zeitgenössische Kunst ist in diesem Jahr der gewaltige Aufstieg der sehr jungen Anna Weyant (1995) und das entsprechende exponentielle Wachstum ihrer Preise. Anna Weyant, die 2022 in den Stall der Gagosian Gallery, einer der einflussreichsten und renommiertesten Galerien auf dem Markt für zeitgenössische Kunst, aufgenommen wurde, ist heute für ihre Gemälde bekannt, die von weiblichen Figuren bevölkert sind (in Anlehnung an das Werk von John Currin), und sie ist die Partnerin des berühmten Kunsthändlers. Der Name der jungen Künstlerin begann sich in der Kunstwelt durchzusetzen und wurde zu einem echten Verkaufsschlager, als ihr Ölgemälde Falling Woman (2020) im Mai letzten Jahres bei Sotheby’s in New York für 1,3 Millionen Dollar versteigert wurde, nachdem der ursprüngliche Schätzpreis zwischen 150.000 und 200.000 Dollar gelegen hatte. Weyants Erfolg ist im Übrigen kein Einzelfall auf dem Markt, der vor allem im letzten Jahrzehnt regelmäßig den plötzlichen Aufschwung aufstrebender Künstler nach einer Zusammenarbeit mit einer der globalen Mega-Galerien erlebt hat.

Ein weiterer Akteur, der zunehmend Einfluss auf den Markt nimmt, sind die Museen für zeitgenössische Kunst, von denen einige eine Schlüsselrolle bei der Etablierung aufstrebender Künstler spielen und damit auch deren wirtschaftlichen Erfolg bestimmen. Dieses Phänomen hat in den letzten zwei Jahrzehnten mit der Verbreitung neuer, von privaten Sammlern gegründeter Stiftungen für zeitgenössische Kunst zugenommen: ehemalige Industrieanlagen, die in Ausstellungsräume und Museumsdenkmäler umgewandelt wurden, die sich der Förderung der zeitgenössischen Kunst widmen. Diese Museen boten ihre Räume jungen Künstlern an, auch in Form von Auftragsarbeiten oder Künstlerresidenzen, und leiteten damit ihre frühe Institutionalisierung ein. Einige Residencies, wie die des Rubell Museums in Miami, werden sofort mit Künstlern in Verbindung gebracht, deren Karriere nur noch wachsen kann. Beispiele hierfür sind Sterling Ruby, Oscar Murillo und in jüngerer Zeit Amoako Boafo, dessen Auktionspreise nach seinem Aufenthalt im Rubell Museum 2019 in die Höhe schnellten. Aber das gleiche Schicksal ereilte die nachfolgenden Artists-in-Residence, Otis Kwame Kye Quaicoe, Kennedy Yanko und Genesis Tramaine.

Die Unterstützung einiger bedeutender Sammler und die Aufnahme in deren Sammlungen ist nicht nur eine persönliche Anerkennung, sondern ein entscheidender Erfolgsfaktor für die Karriere eines Künstlers. Wir dürfen auch nicht vergessen, dass die Wahl der großen Sammler immer mehr die Wahl anderer Sammler und in einigen Fällen der Galerien selbst beeinflusst, die sich für einen Künstler entscheiden, nachdem sie ihn durch eine Residenz entdeckt haben. Dies ist der Fall bei der sehr jungen britischen Künstlerin Flora Yukhnovich (1990), die einige Monate nach ihrem Aufenthalt in Brescia im Palazzo Monti 2018 von Victoria Miro angeworben wurde, die sie nun weltweit vertritt und deren Auktionsergebnisse alle Rekorde brechen. Obwohl die Qualität des Werks und die künstlerische Forschung ein wesentlicher Faktor für die Aufwertung des Werks eines Künstlers ist und bleibt, wird der Wert eines Künstlers auf dem Markt für zeitgenössische Kunst, insbesondere für ultra-zeitgenössische Kunst, auch durch die bloße Anwesenheit an einem dieser Orte geschaffen. Denn wenn der Künstler nicht nur von einem einflussreichen Sammler unterstützt wird und eine gute Galerie hinter sich hat, sondern auch in den wichtigen Ausstellungen vertreten ist und es ihm gelingt, sich international zu etablieren, steigt sein Preis. Ausstellungen haben also, auch wenn sie als rein kulturelles Faktum angepriesen werden, einen starken Einfluss auf den Markt, der in manchen Fällen sogar zu einer Wertverzerrung führt. Eine Einzelausstellung im Palazzo Strozzi in Florenz kann ebenso wie eine anthologische Ausstellung im Palazzo Grassi oder, mehr noch, im MoMa in New York oder in der Tate Modern in London zu nicht unerheblichen Preisausschlägen führen. Jede Ausstellung von gewisser Bedeutung, die in institutionellen Räumen organisiert wird und hinter der beträchtliche Investitionen stehen, die von Geldgebern, Sammlern oder den Galeristen selbst getragen werden, hat in der Tat eine indirekte Beziehung zum Markt, und sei es nur, weil sie es ermöglicht, die Aufmerksamkeit für eine gewisse Zeit auf den Künstler zu lenken, den sie fördert.

Daher ist der Entwicklungsgrad der Kultureinrichtungen eines Landes ein wichtiger Indikator für seine kulturelle Macht, und die Länder, die nicht gut gerüstet sind, um im internationalen Museumsbetrieb mitzuhalten, laufen Gefahr, dass ihre Künstler abgewertet und an den Rand gedrängt werden. Derzeit kontrollieren vor allem Nordamerika, China, Deutschland, Frankreich, das Vereinigte Königreich und die Schweiz den Markt für zeitgenössische Kunst. Es sollte daher nicht überraschen, dass junge Künstler unter 40 Jahren wie Jadé Fadojutimi, Ewa Juszkiewicz, Christina Quarles, Avery Singer, Emily Mae Smith, Josh Sperling und Loie Hollowell, die von großen und mächtigen Galerien wie Gagosian, Hauser & Wirth, Perrotin, Pace Gallery gefördert und unterstützt werden und von den wichtigsten Kulturinstitutionen international geschätzt werden, auch die am höchsten bewerteten jungen Künstler sind. Man geht davon aus, dass die in den USA gehandelten Werke einen höheren Preis haben, da auf diesen Märkten die intensive Vermarktung durch die Betreiber den wirtschaftlichen Wert der Künstler und Werke, die das Glück haben, dort zu sein, steigern kann. Diejenigen, die Teil eines dezentraleren kulturellen Umfelds sind, wie zum Beispiel in Italien, haben objektiv nicht die Möglichkeit, den höchsten Grad an Ruhm zu erreichen.

Dieser Beitrag wurde ursprünglich in Ausgabe 16 unseres gedruckten Magazins Finestre sull’Arte on paperveröffentlicht . Klicken Sie hier, um das Magazin zu abonnieren.

Warnung: Die Übersetzung des originalen italienischen Artikels ins Englische wurde mit automatischen Werkzeugen erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, können jedoch nicht garantieren, dass die Übersetzung frei von Ungenauigkeiten aufgrund des Programms ist. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.