Vom Black Arts Movement zu Black Lives Matter. Nicht nur Formalismen, sondern neue soziale Narrative für Museen

Als das Museum of Modern Art in New York (MoMA ) im Oktober letzten Jahres nach einer umfangreichen Erweiterung seine Pforten wieder öffnete, wurde nicht nur eine wesentlich größere Struktur angekündigt, sondern auch eine ebenso umfassende Überarbeitung aller ausgestellten Werke und der Auswahl der Ausstellungen selbst. Direktor Glenn D. Lowry hatte die Veränderung vorausgesehen und im Februar gegenüber der New York Times erklärt, dass “das Gewöhnliche durch das Unerwartete ersetzt werden würde”. Der Vorsitzende des Verwaltungsrats, Leon Black, fügte hinzu, dass “das Museum bisher weder den Künstlerinnen noch den Künstlern, die einer Minderheit angehören, Bedeutung beigemessen hat und geografisch begrenzt war... jetzt sollte es Teil der multikulturellen Gesellschaft werden, in der wir alle leben”.

Als das neue MoMA enthüllt wurde, waren die Kritiken im Allgemeinen positiv, vor allem wegen der Art und Weise, wie das Gebäude bevölkert wurde, d. h. mit Kunstwerken, die Ausdruck einer großen Vielfalt sind und die in der Lage sind, die modernistische Orthodoxie, die das Museum selbst institutionalisiert hatte, zu erschüttern. Zu den bedeutendsten Installationen der Renovierung gehörte die provokative Gegenüberstellung kanonischer Werke mit einigen wichtigen Arbeiten von Künstlern, die zuvor außerhalb des Mainstreams standen, angefangen mit der Gegenüberstellung von Pablo Picassos Les Demoiselles d’Avignon (1907), einem der Kernstücke der Sammlung des MoMA, mit der Leinwand American People Series #20: Die, die sechzig Jahre später von der afroamerikanischen Künstlerin Faith Ringgold geschaffen und erst 2016 vom Museum erworben wurde (Abb. 1). 1). Picassos Werk mit seiner radikalen Abkehr von traditioneller Komposition und Perspektive gilt als ein Monument der westlichen Kunst. Ringgolds Gemälde ist ein Monument einer anderen, wenn auch weniger bekannten Kunst, der sozial engagierten Kunst des Black Arts Movement (BAM), ein Begriff, der von dem Schriftsteller und Aktivisten Amiri Baraka geprägt wurde, um die breite Koalition politisierter schwarzer Künstler zu bezeichnen, die sich dem Thema der rassischen Identität widmeten und zu denen Ringgold zufällig gehörte.

1. Die neue MoMA-Ausstellung mit Picassos Les Demoiselles d’Avignon neben Ringgold’s Die. Ph. Kredit Heidi Bohnenkamp

Picassos Gemälde zeigt eine Reihe von Prostituierten, die sich dem Blick des Künstlers und des Betrachters entblößen (außerdem war die Figur, die sie alle links bewacht, bis zur endgültigen Überarbeitung des Gemäldes eine männliche Figur), und ist daher inhaltlich ein sozial regressives Werk, auch wenn es formal revolutionär ist. Stirb ist das Gegenteil: Es ist formal nichts Neues für 1967, aber das Sujet ist ausgesprochen fortschrittlich, da es ein warnendes Porträt des Schreckgespenstes der Gewalt zwischen den Rassen und seiner zukünftigen Auswirkungen zeichnet. Drei männliche Paare verschiedener Rassen, die schwarz und weiß gekleidet sind, liefern sich einen blutigen Kampf, während drei Frauen (ebenfalls verschiedener Rassen und in fleischfarbener Kleidung, die ihre Entblößung und Verletzlichkeit betont) versuchen, der Gewalt Einhalt zu gebieten und das gemischte Kinderpaar zu schützen, das sich gegenseitig umarmt. Indem Ringgold die Aggression beider Rassen und die Frauen als Heldinnen zeigt, die versuchen, sie einzudämmen, entfernt er sich von dem eher parteiischen und machohaften Charakter eines Großteils der Kunst der BAM: Die spiegelt aber auch den Wandel von den hoffnungsvollen Integrationsforderungen der Bürgerrechtsbewegung der frühen 1960er Jahre zu den schärferen Forderungen der antithetischen und nationalistischen Black-Power-Bewegung wider. Eine Haltung, die sich mit dem Diktat der BAM deckt.

Ringgold hatte sich bei der Gestaltung ihres Würfels von Picassos Guernica (1937) inspirieren lassen, das zwischen 1939 und 1981 in den Vereinigten Staaten verblieb und darauf wartete, an die republikanische Regierung Spaniens zurückgegeben zu werden. Daher ist die Platzierung dieses bahnbrechenden Gemäldes neben einer anderen Ikone Picassos historisch sinnvoll. Ein Vergleich zwischen dem politischen Kontext von Guernica und dem von Ringgolds Werk ist aufschlussreich: Picassos Gemälde wurde vom republikanischen Spanien in Auftrag gegeben und spiegelt seine linken Sympathien wider (der Künstler war ein treuer Anhänger der Kommunistischen Partei Frankreichs), aber wie oft über Picassos politisches Engagement im Verhältnis zu seinen Ambitionen gesagt wird, gehörte er im Grunde einer Partei mit nur einem Mitglied an: “Ich, Picasso”. Im Gegensatz dazu ist sich Ringgolds Praxis der Rassen- und Geschlechterpolitik sehr wohl bewusst und wünscht sich, dass sie sich weiterentwickelt. Eine andere mit der BAM verbundene Künstlerin, Betye Saar, erklärte: “Mein Ziel als Künstlerin ist es, Werke zu schaffen, die Ungerechtigkeit aufzeigen und Schönheit offenbaren”. Es ist klar, dass für sie wie für Ringgold Ethik und Ästhetik in ihrer Arbeit und in ihrem Leben eine ähnliche Bedeutung haben.

Dass Les Demoiselles d’Avignon und Die in derselben Galerie in der Festung der modernen Kunst ausgestellt werden können und dass sie als relevant angesehen werden können, ist zu einem nicht geringen Teil der progressiven Stoßrichtung einer anderen Bewegung zu verdanken, die ein ähnliches Akronym wie BAM trägt. Black Lives Matter (BLM ) wurde 2013 von drei Aktivistinnen gegründet, unmittelbar nach dem Anstieg der außergerichtlichen Tötungen von Afroamerikanern, die zumeist von der Polizei verübt wurden, die eigentlich die Bürger schützen sollte. BLM löste eine breite Überprüfung rassistischer, sexistischer und kolonialistischer Überzeugungen und Strukturen aus, die in der gesamten amerikanischen Gesellschaft verankert sind, und schließt auch die Kunst und die Art und Weise, wie sie bewertet, ausgestellt und verstanden wird, nicht aus.

Ringgolds Kunst hat all dies vorweggenommen, und mehr noch, der Künstler scheint die Gegenüberstellung seines Werks mit dem von Picasso fast vorausgesehen zu haben. Ein historischer Quilt aus seiner 1991 entstandenen Serie Dancing at the Louvre (Abb. 2) zeigt Picasso bei der Arbeit vor seinem Meisterwerk, während er selbst wie viele seiner Motive nackt ist. Zwischen dem Künstler und Les Demoiselles wird eine weitere Figur eingefügt: eine überschwängliche schwarze Frau, die selbstbewusst auf ihrer Einbeziehung und Zugehörigkeit in die Erzählung besteht. Über Picasso schwebt wie ein Leitgeist eine Figur, die der afrikanischen Kunst entnommen ist, um deren Einfluss auf die Praxis des Malers zu bekräftigen, und zwar stärker, als es die Gesichter der beiden Demoiselles auf der rechten Seite zeigen, die an afrikanische Masken erinnern.

2. Faith Ringgold, Picassos Atelier (1991; Acryl auf Leinwand und Stoff, 185 x 173 cm)

In dem Museum, in dem ich arbeite, nicht weit von New York, dem Princeton University Art Museum, haben wir ein viel älteres Gemälde, das den Demoiselles etwas ähnelt, aber in vielerlei Hinsicht völlig anders ist. Es wurde um 1787 von dem amerikanischen Künstler Henry Benbridge gemalt und zeigt eine kleine Gruppe von stehenden und sitzenden Frauen, die zur Familie Hartley gehören, die ursprünglich aus South Carolina stammt (Abb. 3). Ihre würdevolle Haltung und aufwendige Kleidung stehen in starkem Kontrast zu der zur Schau gestellten Nacktheit der Demoiselles und unterstreichen den Reichtum und die privilegierte Stellung der Hartley-Damen, etwas, das den jungen Frauen von Avignon fehlt. Die Hartleys besaßen Reisplantagen im ländlichen Carolina, und folglich besteht kein Zweifel daran, dass ihr Reichtum aus der Sklaverei stammte, der Entwürdigung und Unterwerfung eines Menschen unter einen anderen zu keinem anderen Zweck als dem des Profits und, in Amerika, aus keinem anderen Grund als dem der Rasse. Das ist unsere ursprüngliche (und unauslöschliche) Sünde.

Wenn unser Museum in einigen Jahren wiedereröffnet wird, nach einer noch umfassenderen Renovierung als die des MoMA, für die ein neues Gebäude des ghanaischen Architekten David Adjaye geplant ist, werden wir Benbriges Gemälde neben einem Werk platzieren, das, genau wie im Fall von Ringgold und Picasso, einen sinnvollen Dialog mit seinem Nachbarn einleiten wird. Dieses Werk, das ebenfalls aus South Carolina stammt (allerdings auf den Lowcountry-Plantagen im Bezirk Edgefield, der für die Herstellung von Steingutkeramik bekannt ist), ist ein meisterhaftes Glasgefäß von David Drake, einem afroamerikanischen Sklaven, der es am Vorabend des Bürgerkriegs herstellte (Abb. 4). Drake lernte ausnahmsweise lesen und schreiben, obwohl dies für Sklaven verboten war, und - was noch wichtiger ist - er schaffte es, seine Keramiken mit Inschriften zu verzieren. Auf unserer steht einfach “Princeton College in New Jersey”.

3. Henry Benbridge, Die Familie Hartley (um 1787; Öl auf Leinwand, 194 x 151 cm; Princeton, Princeton University Art Museum)

4. David Drake, Gefäß (1850er Jahre; glasiertes Steingut, 38 x 33 cm; Princeton, Princeton University Art Museum)

Wir werden wahrscheinlich nie erfahren, warum Drake diese Worte in den Rand seines schweren Gefäßes geritzt hat. Vielleicht hatte jemand, den er kannte, oder ein Mitglied einer Familie, der das Gefäß gehörte (im wahrsten Sinne des Wortes), diese Schule besucht. Wie auch immer, was auch immer der Grund für ihre Existenz ist, Drakes Worte stellen eine intensive, wenn auch bescheidene Bestätigung seiner Autonomie und seiner Fähigkeit dar, zu lesen, zu schreiben und sich durch Worte und Kunsthandwerk auszudrücken, trotz aller Widrigkeiten. Das Black Arts Movement hat uns geholfen, und Black Lives Matter hilft uns, zu bekräftigen, dass Kunst und die Museen, die sie ausstellen, sich nicht allein auf Ästhetik, auf visuelle und formale Innovationen wie in Picassos Les Demoiselles d’Avignon konzentrieren müssen (sollten). Museen können und sollten sich auch mit sozialen Fragen befassen, mit den Innovationen des Geistes, die Faith Ringgolds dynamisches und stimmungsvolles Gemälde und David Drakes ruhige und ausdrucksstarke Vase kennzeichnen, fördern und miteinander verbinden. Jedes Werk ist wichtig und schön.

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