Verknackt und glücklich. Von Barbie bis Helmut Newton, über Sandro Giordano

Die Kunst repräsentiert uns oder, anders gesagt, wir wählen die Kunst, die uns am meisten repräsentiert. Und es handelt sich nicht nur um eine historische Kampagne des Kulturministeriums mit dem Slogan #lartetisomiglia, sondern ganz einfach um die Entwicklung jenes Selbsterhaltungstriebes, der unsere Vorfahren dazu veranlasste, auf Höhlenwände zu malen, um eine Spur ihres Weges in der Welt zu hinterlassen, und auf dem (von da an) die Kunst, wie wir sie heute bezeichnen, entstand.

Kurz gesagt, wenn wir einerseits danach streben, die Kunst zu kennen, die offiziell von jemandem definiert wird, und sie in Museen mehr oder weniger überzeugt zu bewundern, dann wählen wir im Verborgenen unserer Vorlieben instinktiv und leichtfertig die Darstellungen aus, in denen wir eine Ähnlichkeit mit dem Bild finden, das wir von uns selbst haben. Es könnte eine soziale Einstellung sein, die uns dazu bringt, uns zu gruppieren und zu homologisieren, oder es könnte an den Spiegelneuronen liegen, die physiologisch unsere Fähigkeit erklären, uns in unseren Mitmenschen wiederzuerkennen und Empathie zu empfinden, selbst wenn sie deren unvollkommenes Alltagsleben darstellen.

Darauf führe ich den Erfolg von Remmidemmi, geboren als Sandro Giordano, zurück, einem autodidaktischen Fotografen mit einer Galerie von 200.000 Followern auf Instagram und einer Ausstellung, die derzeit in der Galerie Strati d’Arte in Rom unter der Leitung von Gina Ingrassia mit dem Titel In Extremis (Körper ohne Bedauern) läuft. Seine Porträts, geduldig in Sets aufgebaut, erzählen die Geschichte des Moments nach einem Sturz, surreal, verpuffend. Ein Projekt, das sich seit zehn Jahren nach einem festen und doch jedes Mal überraschenden Format wiederholt.

Sandro Giordano

Sandro Giordano

Sandro Giordano

In einem Interview erzählte er vor einiger Zeit: “Es war im September 2013, ich nahm an einer Show teil und auf der Bühne gab es eine sehr imposante Treppe. Als wir uns die Zeit vor den Proben vertrieben, bat mich eine der Schauspielerinnen, ein komisches Bild von ihr zu machen, und ich stellte mir sofort ihr Bild am Fuße der Treppe vor, gefallen, mit dem Gesicht zum Boden gewandt; sie versetzte sich in diese Position, und da erblickte ich etwas, eine Intuition. Am 12. Oktober, als ich wieder in Barcelona war - wo ich damals lebte - wachte ich morgens auf, öffnete die Augen und dachte: ’Das muss ich machen’”.

Die Protagonisten seiner Bilder sind auf den Boden gestürzt, mit der ganzen Last ihrer Gegenstände, aus einer Tasche, aus dem Auto gefallen, die Treppe hinuntergerollt. Es sind eingefrorene Momente einer Geschichte, die wir rückwärts verfolgen können, indem wir uns nicht nur den Sturz, sondern auch das Leben davor vorstellen: die Arbeit, ein Hobby, ein lustiger Abend, der Beginn einer Reise. Denn der Sturz ist ein plötzliches Ereignis in der Mitte einer Reise.

Giordanos Stürze sind unzusammenhängend, unwirklich, übertrieben, niemals tragisch. Es sind Bilder, die mit einer Ironie aufgeladen sind, die durch überdimensionale Gegenstände und leuchtende Farben unterstrichen wird. Es scheint fast so, als ob der “Gestürzte” sich des Geschehenen bewusst wird, seine Kräfte wiedergewinnt und - warum nicht? - einen Moment innezuhalten, bevor er wieder aufsteht.

Dennoch zeigen die Personen nie ihr Gesicht. Das liegt zum einen an der Bescheidenheit derjenigen, die sie erzählen, zum anderen aber auch daran, dass diese Wahl meiner Meinung nach darauf hindeutet, dass der Absturz oft nicht real ist, sondern ein Gefühl, das wir in uns tragen, sei es ein Schmerz, der kurz vor der Verpuffung steht, oder einfach das Bewusstsein, verwirrt und unvollkommen zu sein. In den Räumen der Ausstellung wird deutlich, dass es sich bei den Porträtierten meist um Frauen handelt. Vielleicht sind wir komplizierter, vielschichtiger oder einfach nur so süchtig danach, mehrere Dinge gleichzeitig zu tun, dass wir abgelenkter sind, gewohnt, hinzufallen und wieder aufzustehen.

"Mehr als Sonnenuntergänge, mehr als der Flug eines Vogels ist das absolut Wunderbare eine Frau in der Wiedergeburt. Wenn sie nach der Katastrophe, nach dem Sturz wieder auf die Beine kommt.

Die sagt: Es ist vorbei“, sagte Jack Folla, die Figur, die Diego Cugia für die Radio 2-Sendung ”Alcatraz" geschrieben hat, vor nunmehr zwanzig Jahren.

Und wenn dies nicht nur eine weitere Werbeaktion ist, die Frauen anspricht, dann stelle ich, wenn ich in diesen Tagen in Rom zwischen den kulturellen Angeboten wähle, fest, dass alles rosa gefärbt ist. In einem Kontext, in dem alles Feminismus ist, bewegt sich auch die Kunst - im weitesten Sinne des Wortes - in seinem Kielwasser. Und so steht die Frau jetzt im Mittelpunkt jeder Geschichte, eine unfreiwillige Präsenz bei jedem Ereignis.

Helmut Newton, Rue Aubriot, Yves Saint Laurent, Französische Vogue. Paris, 1975 © Helmut Newton Stiftung

Stiftung

Im Kino gibt es immer noch “Barbie”, die die Stereotypen des heutigen Feminismus abbildet: erfolgreiche, schöne Frauen, Managerinnen, Präsidentinnen, Astronautinnen oder Mütter, die in der Lage sind, Parallelwelten zu durchqueren, um ihre Familien zu retten, aber das Gewicht von Erwartungen spüren, die nie ganz erfüllt werden. “Es ist buchstäblich unmöglich, eine Frau zu sein. Du bist so schön und so intelligent, und es macht dich fertig, dass du denkst, du bist nicht gut genug. Wir müssen immer außergewöhnlich sein, aber irgendwie machen wir es immer falsch”, sagt America Ferrera in einem augenzwinkernden Monolog über die Oscarverleihung. Ein Film, der sich für viele verschiedene Interpretationen eignet, bis hin zu Boris Jonsons subtil konspirativem Beitrag in der Daily Mail vom 23. Juli: “Was ist die Botschaft des Films? Was will Mattel? ... Es will mehr Babys, die bald zu Kindern werden, die Puppen verlangen. Mattel will, dass sich Menschen fortpflanzen.”

Aber Helmut Newton wird auch als Feminist verkauft, und seine Ausstellung “Legacy” in der Ara Pacis in Rom, die bis zum 10. März 2023 zu sehen ist, spricht von unabhängigen, kraftvollen, entschlossenen, verführerischen Frauen, in einem Schwarz-Weiß, das die Perfektion jeder Kurve betont und jeden Makel ins Visier nimmt. Es sind Frauen, die erobern, die dominieren, die anziehend sind, und zwar je nachdem, wer sie ansieht, ob es sich um eine Figur im Bild oder um den Blick des Betrachters handelt.

Eine reichhaltige und einhüllende Ausstellung mit großen Abzügen im Posterformat, die ich jedem Liebhaber der Fotografie, aber auch jedem Liebhaber der Schönheit empfehle.

Kurzum, Frauen, wenn wir schon nicht die Lohngleichheit erreicht haben (wer auch immer den Nobelpreis an die Wirtschaftswissenschaftlerin Claudia Goldin erwähnt hat, hat uns daran erinnert), so können wir wenigstens die Freiheit genießen, aus der Unendlichkeit der künstlerischen Ausdrucksformen diejenige zu wählen, die uns am meisten repräsentiert.

Ich habe gewählt, und in einer für das Publikum eingerichteten Szenerie konnte ich nicht anders, als mich als Protagonist eines von Giordanos Fotos anzubieten. Meine persönlichen Abstürze in den Dienst der Kunst zu stellen, denn ich erkenne mich in seinen unvollkommenen Frauen voller Widersprüche wieder: Schöpfkelle in der einen, Stiletto und Straußenfedern in der anderen Hand. Zerrissen, aber glücklich. Ich nehme einen Abzug im Format 15x15 und eine Reflexion mit nach Hause, die ich mit Ihnen teile: Wo es keine Antworten gibt, gibt es wieder einmal die Kunst, die uns neckt, zum Nachdenken anregt, Debatten in den Zeitungen oder bei einem Aperitif auslöst und uns am Ende mit der unbezahlbaren Genugtuung zurücklässt, einen schönen Nachmittag verbracht zu haben.

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