Nach der Verbrennung der Venus der Lumpen: über die Rolle der öffentlichen Kunst

Eine Skulptur zu schaffen bedeutet, an einem Ort zu existieren", so der Künstler Mauro Staccioli aus Volterra. Doch von der Existenz und dem Zauber der monumentalen Venus aus Lumpen von Michelangelo Pistoletto, die im Juni letzten Jahres auf der Piazza Municipio in Neapel aufgestellt wurde, ist heute wenig übrig geblieben. Der Brand, der zur Zerstörung des Werks führte, lässt uns über die Rolle der Kunst im öffentlichen Raum nachdenken, insbesondere in Italien, und wir fragen uns, ob diese künstlerische Praxis noch als die treibende Kraft einer kollektiven kritischen Aktion angesehen werden kann, die in der Lage ist, Reflexion und Dialog mit dem Kontext anzuregen.

Es muss betont werden, dass der Begriff “Öffentlichkeit” in der Welt der Kunst ein entscheidendes Gewicht erhält und seine Bedeutung nicht wie in der Vergangenheit mit der freien Nutzbarkeit des künstlerischen Artefakts verbunden ist, sondern vielmehr damit, dass es für eine bestimmte Gemeinschaft und einen bestimmten Ort konzipiert und gebaut wurde. Es handelt sich vielmehr um einen ambivalenten Ausdruck, der eine Vielzahl von künstlerischen Formen bezeichnet, die jeweils eine Geschichte und vielfältige und unterschiedliche Bedeutungen haben und heute im städtischen und landschaftlichen Kontext leben.

Die Skulptur wurde lange Zeit als Produkt eines individuellen und autonomen Ausdrucksaktes betrachtet, als das, worauf man stößt, wenn man zurücktritt, um ein Gemälde aus größerer Entfernung zu betrachten", wie Barnett Newman es ausdrückte, und ihre Funktion war hauptsächlich dekorativ. Lange Zeit war es ausschließlich eine Übung in feierlicher Rhetorik, und erst ab etwa Ende der 1960er Jahre fand ein entscheidender Richtungswechsel statt, der sich in der Verbreitung zahlreicher künstlerischer Praktiken konkretisierte, die auf Partizipation und Kollaboration basierten und mit denen neue Formen und kreative Ausdrucksweisen, frei von den Zwängen und Missverständnissen des Museumsraums, im urbanen Raum zu experimentieren begannen.

Im Laufe der letzten Jahrzehnte hat der Begriff der “öffentlichen Kunst” also immer wieder unterschiedliche Ausprägungen angenommen, aber in einem Punkt müssen wir uns sicher sein: Der räumliche Ort ist kein ausreichendes Element, um die künstlerische Praxis als “öffentlich” zu bezeichnen, denn neben der physischen Zugänglichkeit muss auch und vor allem die Beziehung zwischen dem Werk und dem Publikum sowie den immateriellen Werten der Gesellschaft berücksichtigt werden. Der Raum muss zu einem Ort der Interaktion werden, der mit dem sozialen Kontext und der Gemeinschaft verbunden ist, und zur aktiven Teilnahme ermutigen, auch von bestimmten Gruppen der Öffentlichkeit, die normalerweise außerhalb des Kunstsystems stehen.

Wenn wir über Kunst im öffentlichen Raum sprechen, geht es immer wieder um die Tatsache, dass künstlerische Interventionen im öffentlichen Raum für ein ganz anderes Publikum als das Museum konzipiert sein sollten: ein breiteres Publikum, das sich nicht aus aktiven Kulturkonsumenten zusammensetzt, ein Publikum, das manchmal die in seinem Gebiet vorgeschlagenen Interventionen nicht akzeptiert; daher ist darauf hinzuweisen, dass die Eindrücke und Reaktionen des Publikums nach der Realisierung eines ortsspezifischen Kunstwerks in einer bestimmten Umgebung das Schicksal der Kunstintervention selbst entscheidend beeinflussen können. Die kritischen Fragen im Zusammenhang mit der öffentlichen Akzeptanz, die eine künstlerische Intervention in dem Moment aufwirft, in dem sie an einem bestimmten Ort platziert wird, können vielfältig sein: Man denke nur an Richard Serras Tilted Arc, ein monumentales Werk, das 1981 auf der Federal Plaza in Manhattan installiert und nach dem Vorwurf der Privatisierung des öffentlichen Raums umgehend entfernt wurde, oder an die intensive Debatte, die das Werk L. O.V.E. (2010) auslöste, das Gegenstand einer öffentlichen Debatte war. O.V.E. (2010) von Maurizio Cattelan, das auf der Piazza Affari in Mailand vor dem Gebäude der Börse steht.

Die zahlreichen Schwierigkeiten, mit denen sich Künstler und Nichtkünstler oft konfrontiert sehen, wenn sie versuchen, mit möglichen institutionellen Gesprächspartnern in einen Dialog zu treten, sind ebenfalls bekannt, und es ist auch bekannt, dass diese Probleme oft durch zahlreiche Probleme im Zusammenhang mit den Beziehungen zwischen den regulatorischen Situationen verschärft werden, aufgrund derer die Kunstpraxis Schwierigkeiten hat, Handlungsspielraum zu finden. Obwohl es sich hierbei nicht um unbedeutende Probleme handelt, gibt es zweifellos neue kritische Fragen, die mit der sich verändernden Realität, in der wir leben, zusammenhängen und die einen entscheidenden Einfluss auf das Schicksal und die Akzeptanz der öffentlichen Kunst in der heutigen Gesellschaft haben. In dieser hektischen Gesellschaft sind wir zunehmend an die Unmittelbarkeit und Aktualität gewöhnt, mit der wir externe Nachrichten speichern, und zeitgenössische Kunst ist für viele etwas, das nicht unmittelbar und unnahbar ist. Aus diesem Grund wird sie oft nur oberflächlich betrachtet, da sie keine unmittelbare, wenn auch flüchtige Befriedigung bieten kann.

Angesichts der bekannten Probleme bleibt die Tatsache bestehen, dass Vandalismusakte gegen Kunstwerke im öffentlichen Raum nichts anderes sind als der Ausdruck grassierender Schwäche und Ignoranz, die aber auch an eine Gesellschaftskritik heranreichen, die bereits im Kunstwerk selbst angelegt ist. In Anbetracht der vielen unterschiedlichen Positionen und Aussagen zur Kunst im öffentlichen Raum ( ) wird deutlich, dass diese nur dann als treibende Kraft einer landschaftlichen und städtischen Umgestaltung betrachtet werden sollte, wenn ein echter Dialog zwischen der Kunst, dem städtischen Kontext und dem Publikum stattfindet und somit eine spezifische Funktion erfüllt, nämlich die Sensibilisierung der Gemeinschaft für Kunst und Kultur, um ein Bewusstsein nicht nur für künstlerische Ausdrucksformen, sondern auch für die Vielfalt zu entwickeln. Die öffentliche Kunst muss die Gegenwart widerspiegeln, eine Kunst für alle und von allen, bei der das Werk zum Medium und das Publikum zum Zuhörer wird.

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