In Rom verwandelt sich die Metro A in eine Kunstgalerie, um das Bewusstsein zu schärfen. Hat sie Erfolg?

Ab dem 7. Mai 2024 werden sich die Fahrgäste der römischen Metro A fünf Monate lang in einer fahrenden Kunstgalerie wiederfinden. Mind The Earth ist eine innovative, von der gemeinnützigen Organisation Yourban 2030 geförderte und von den Zielen der Agenda 2030 inspirierte Initiative, die darauf abzielt, die Öffentlichkeit durch zeitgenössische Kunst für Fragen der ökologischen Nachhaltigkeit zu sensibilisieren.

Eine multisensorische Reise durch die orangefarbene U-Bahn , die aus Bildern, Klängen und Worten der Künstler von IRAE besteht. Die von Angelo Cricchi und Valeria Ribaldi kuratierten U-Bahn-Waggons verändern ihre Form und verwandeln sich in eine surreale Realität, die von einer Vielzahl von Werken bevölkert wird: Die verlassenen Landschaften von Nicola Bertellotti, die post-atomaren Landschaften von Giacomo Costa, die botanischen Makrowelten von Michele Guido, die Zwergwale in den Steinbrüchen von Matteo Basilè, die armen Kreaturen von Angelo Cricchi, die kleinen Tiere der Abgründe von Wu Yung Sen, die fabelhaften Pflanzen von Agostino Iacurci und die gastronomischen Tarotkarten von Shinya Masuda. Aber das ist noch nicht alles: Neben den visuellen Werken ist ein QR-Code zu sehen, mit dem man sich das Album Abissirae von Marco Del Bene anhören kann, das den Abgründen eine Stimme verleiht.

Das Projekt "Mind the Earth“, das sich das Wortspiel der Londoner U-Bahn-Warnung ”Mind the Gap" zu eigen macht, scheint eine Geschichte zu erzählen und zum Nachdenken über den aktuellen Zustand des Planeten Erde und unsere Rolle innerhalb des globalen Ökosystems anzuregen. Eine sozial ausgerichtete Aktion, die Formen des sozialen Lebens nutzt, um die Kunst dem Alltag näher zu bringen, eine weit verbreitete Ausstellung mit einer edlen Absicht, die jedoch nicht ganz überzeugend ist. Was die Nutzbarkeit und die Möglichkeiten angeht, so stellt das Projekt eine ausgezeichnete Gelegenheit für die Interaktion zwischen Publikum und Kunst dar, eine Beziehung, die von den meisten Nicht-Insidern" nicht immer gesucht wird. Darüber hinaus gelingt es dem Projekt, der breiten Öffentlichkeit eine kritische Erzählung über den Zustand unseres Planeten durch zahlreiche künstlerische Beiträge zu liefern, die, wenn sie im öffentlichen Raum stehen, unweigerlich eine starke Reaktion hervorrufen. Werke, die uns zweifellos dazu anregen, unseren Blick über den Horizont des Gewöhnlichen hinaus zu heben, die uns dazu drängen, über eine einzige Vision hinauszugehen, die aber dennoch in ihrer Absicht, das Bewusstsein für Umweltfragen zu schärfen, zu kurz zu kommen scheinen. Und warum?

In den letzten Jahren hat die Kunst im öffentlichen Raum ihre Bedeutung erweitert und ist zu einem Zeichen geworden, das zur Stadterneuerung und zur Schaffung eines “relationalen Raums” beitragen kann. Die Künstler haben begonnen, den sozialen und städtischen Kontext als integralen Bestandteil ihrer Projekte zu betrachten und ihn zu einem neuen Aktionsraum zu machen, um die Öffentlichkeit auf direktere und einschneidendere Weise einzubeziehen. Das Publikum wird jedoch nicht mehr ausgewählt, sondern ist zum neuen Mäzen geworden, was unweigerlich den Ansatz der Künstler zu neuen Horizonten beeinflusst hat. Das “Kunstmachen” hat nur dann einen Sinn , wenn es mit dem Ort der Verwirklichung in Verbindung gebracht wird, einem lebendigen Ort, der durch das soziale Leben belebt wird und zwangsläufig die Suche nach neuen Kommunikationsformen und Sprachen hervorruft.

Wenn die Kunst also zu einem Moment der Reflexion wird, kann sie dann Signale aussenden, um das, was gesellschaftlich zersplittert ist, neu zusammenzusetzen? Können künstlerische Interventionen in schwierigen und zersplitterten sozialen und städtischen Kontexten zusammen mit den Bewohnern gemeinsame Perspektiven aufzeigen, die in der Lage sind, Veränderungen in städtischen und menschlichen Prozessen einzuleiten, oder bleiben sie nur gute Praktiken ohne konkrete Ergebnisse, auch aufgrund der Gefahr der Oberflächlichkeit, die mit der Kürze des mit den Bewohnern hergestellten Austauschs verbunden ist? In einer zunehmend entfremdeten Gesellschaft wie der unseren, die ständig von den Medien bombardiert wird, ist es keine kleine Geste, die Sprache des Künstlers in eine ethische Botschaft umzuwandeln, die einen kollektiven Atem hat und in der Lage ist, die Idee zu vermitteln, dass wir alle an unserer Zukunft und der der kommenden Generationen beteiligt und für sie verantwortlich sind. Wir erleben jedoch immer häufiger, dass sich Erfahrungen häufen, die zwar als Kunst bezeichnet werden, in Wirklichkeit aber Ausdruck eines “temporären Aktivismus” mit oft improvisierten Fertigkeiten sind, die in den meisten Fällen zu Ergebnissen führen, die keine konkrete Bedeutung haben.

Neue Kunstpraktiken, die sich auf die urbane Realität beziehen, spiegeln häufig die Ambivalenz der zeitgenössischen Kunst wider, die sich heute in einem paradoxen Zustand befindet: Einerseits ist sie innerhalb des Kunstsystems geschlossen, andererseits ist sie offen für die reale Welt. Die Kunst wirft ihren Schatten auf die Realität und läuft Gefahr, ihre Themen auf ein bloßes Spektakel oder eine reine Ästhetisierung zu reduzieren; gleichzeitig läuft die Realität Gefahr, die künstlerische Praxis zu umschließen und zu ersticken.

Solange wir diese selbstreferentielle Tendenz nicht überwinden, wird das Risiko, die kulturelle und künstlerische Erfahrung auf einen bloßen Attraktionsraum zu reduzieren, immer sehr hoch bleiben. Und eine Frage wird weiterhin unbeantwortet bleiben: Was bedeutet es heute wirklich, Kunst und städtische Räume miteinander zu verflechten?

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