Ein idiotischer Zugang zur Kunst: über Blockbuster-Ausstellungen

“Blockbuster-Ausstellungen fördern einen idiotischen Zugang zur Kunst. Wir denken, dass wir die bestmögliche Gelegenheit haben, einen bestimmten Künstler oder eine bestimmte kunsthistorische Periode zu sehen, wir denken, dass wir, wenn wir eine Ausstellung über Jackson Pollock oder Botticelli sehen, alles über diese Künstler wissen und eine vollständige Erfahrung von ihnen haben werden. Aber das ist eine Haltung, die immer etwas Anmaßendes und Falsches an sich hat”. Dies schrieb Jonathan Jones, Journalist und Kunstkritiker des Guardian, am 1. Januar 2001 in einem Artikel, den wir angesichts seines Inhalts immer noch für hochaktuell halten können.

In den letzten Jahren wurden wir buchstäblich von unwiederholbaren Ereignissen, von der Zurschaustellung großer Meisterwerke und von Möglichkeiten, die wir nicht mehr haben werden, überwältigt. Die Idee, ein Sammelsurium von “Meisterwerken” zusammenzustellen, nur um den Besucher zu verblüffen und zu begeistern, der sich oft nicht bewusst ist, dass diese Werke ernsthafte Risiken auf sich genommen haben, um an der Ausstellung teilzunehmen, ist eine alte, überholte Idee. Versuchen wir uns vorzustellen, so Jones, dass einige Meisterwerke wie die Venus von Sandro Botticelli, der Sturm von Giorgione oder die Geißelung von Piero della Francesca ihre Standorte verlassen, um an einem Ort versammelt zu werden. Das ist schon einmal passiert, genauer gesagt 1930, als diese Eckpfeiler unserer Kunstgeschichte zusammen mit vielen anderen Gemälden auf einem Handelsschiff nach England verschifft wurden, um dort an einer Ausstellung teilzunehmen, die von Benito Mussolini sehr gewünscht wurde. Der Duce wollte die Kunst als Propagandainstrument nutzen und ordnete an, dass die Museen Werke ausleihen, die sonst nie die Räume verlassen hätten, in denen sie sich befanden. Heute haben wir den Faschismus glücklicherweise hinter uns gelassen, aber die Idee, große Kunstwerke für Ausstellungen zu bewegen, blitzt gelegentlich in den Köpfen einiger funambuler Kuratoren auf.

Blockbuster-Ausstellungen beruhen auf einer Logik, die immer erkennbar ist, jetzt auch ganz einfach. Ihnen gehen massive Marketingkampagnen voraus, die die Ausstellung als einzigartiges Ereignis präsentieren und das Publikum anlocken, indem sie ihm das dringende Bedürf nis vermitteln, die Ausstellung zu besuchen, weil sonst das Meisterwerk, das jetzt in einer italienischen Provinzstadt ausgestellt wird, in die Vereinigten Staaten oder nach Frankreich oder England zurückkehren wird. Und die Ausstellung als etwas Dringendes darzustellen, ist laut Jones die größte Lüge, vor allem wenn das Marketing der Ausstellung auf Emotionen besteht: Man kann dieLiebe zur Kunst nicht überstürzen, Liebe ist ein Gefühl, das seine Zeit braucht.

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Wir erkennen Blockbuster-Ausstellungen auch daran, dass sie immer dieselben Künstler zeigen. Nehmen wir einen Künstler, den auch Jones in seinem Beitrag erwähnt: Jan Vermeer. Ein Künstler, über den wenig bekannt ist, ein schwieriger Künstler, aber auch ein Künstler, der in der Lage ist, das Publikum auf direkte Weise anzusprechen, mit Bildern, die jeder auf der Grundlage von bloßen visuellen Daten eine erste, einfache Lesart geben kann. Ein Porträt, eine Genreszene oder eine Landschaft eignen sich dagegen viel besser für eine Blockbuster-Ausstellung als ein kompliziertes mythologisches Szenario oder eine religiöse Episode, weil sie viel weniger Interpretationsaufwand erfordern, weil sie leicht erkennbare Situationen oder Kontexte darstellen oder weil sie den Betrachter an vertraute Situationen erinnern. Und es ist kein Zufall, dass alle Künstler, denen die großen Ausstellungen gewidmet sind (die Impressionisten, Caravaggio, Van Gogh, Gauguin...), diejenigen sind, denen es am besten gelingt, eine direkte Beziehung zum Betrachter herzustellen.

Doch kehren wir zu Vermeer zurück. Um das Ausmaß des Phänomens der Blockbuster-Ausstellungen zu verstehen, ist es interessant zu zählen, wie oft Vermeers Name in den letzten fünf Jahren im Titel einer Ausstellung irgendwo in der Welt aufgetaucht ist. Sieht man von der kürzlich geschaffenen Kategorie der Einzelausstellungen ab, erschien Vermeers Name seit 2010 in den Titeln von fünfzehn Ausstellungen. Alles nützliche und notwendige Ausstellungen? Braucht es wirklich mindestens drei Ausstellungen pro Jahr, die sich mit Vermeer befassen? Und die darüber hinaus oft nicht viel Neues zu dem hinzufügen, was wir bereits über den Autor wussten, oder die es nicht schaffen, einen kohärenten Rundgang zu konstruieren, der den Besucher mit ein wenig mehr Informationen nach Hause gehen lässt, als er vor dem Betreten des Ausstellungsortes wusste? Aus diesem Grund ist es falsch, eine Blockbuster-Ausstellung als etwas Dringendes und Unwiederholbares zu präsentieren: Denn es ist sehr wahrscheinlich, dass diese Ausstellung nichts anderes ist als die Wiederholung eines bewährten Musters.

Ganz zu schweigen davon, dass all dieses massive Marketing, das die immer gleichen Ausstellungen in Form und (wenig) Inhalt als unübersehbar ausgibt, die Gefahr birgt, die wirklich unübersehbaren Ausstellungen zu überschatten, sei es, weil es sich um Forschungsausstellungen handelt, die neue Kapitel im Wissen über einen Künstler oder eine Epoche oder eine Bewegung hinzufügen, oder weil sie neue Entdeckungen preisgeben, oder weil sie interessante didaktische und populäre Wege vorschlagen und Aspekte des Schaffens eines Künstlers (oder Aspekte einer kunsthistorischen Epoche oder eines Themas) beleuchten, die das Publikum sonst nicht auf eine ebenso bequeme Art und Weise und mit einer kohärenten Reihe von Werken, die eine These unterstützen oder ein Popularisierungsprojekt fördern könnten, erforschen könnte. Kurzum: Es gibt auch viele hervorragende Ausstellungen von Qualität, aber sie treten oft in den Hintergrund und sorgen für weniger Diskussionen als jene Blockbuster-Ausstellungen, die wenig oder nichts zu sagen haben.

Im Grunde gibt es eine weit verbreitete Tendenz, Kunst in ein Unterhaltungsprodukt zu verwandeln. Ein Vorgang, der, um es klar zu sagen, an sich sicherlich nicht verwerflich ist. Es gibt viele hervorragende Produkte der reinen Unterhaltung, vor allem, wenn sie pädagogische Zwecke verfolgen. So sehr, dass der neue Begriff Edutainment geprägt wurde, um diese Kategorie von Kulturprodukten zu bezeichnen. Wir denken dabei zum Beispiel an Ausstellungen mit virtuellen Reproduktionen, die eine multimediale Reise durch das Werk eines Künstlers ermöglichen, oder an Ausstellungen, die Rekonstruktionen archäologischer Stücke integrieren. Das Thema Edutainment ist sehr umfangreich, ist bereits Gegenstand spezialisierter Studien und verdient eingehende Untersuchungen, die den Rahmen dieses Beitrags sprengen würden. Um also auf die Kunst als Unterhaltung zurückzukommen, muss man sich fragen: Ist es richtig, ein Produkt als Kultur zu bezeichnen, das eindeutig nur Unterhaltung ist? Und zweitens: Ist es richtig, oft heikle Kunstwerke für Unterhaltungsprodukte aufs Spiel zu setzen?

All dies hat auch tiefgreifende Auswirkungen auf unseren Umgang mit derKunst. Blockbuster-Ausstellungen, so Jones, fördern eine Erfahrung von Kunst, die schnell, unmittelbar und vor allem durch das Auge eines anderen organisiert ist. Vor allem, wenn die Marketingkampagnen für Blockbuster-Ausstellungen, wie bereits erwähnt, an Emotionen appellieren. Was eine private, persönliche Angelegenheit sein sollte: Wie kann man glauben, dass man eine Ausstellung verpacken kann, um zu begeistern? Denn ein Werk, das mich vielleicht bewegt, kann bei jemand anderem Gleichgültigkeit hervorrufen und umgekehrt. Es ist nicht möglich, Emotionen zu standardisieren, und der Versuch hat wahrscheinlich nur dort Erfolg, wo es keine echte Liebe zur Kunst gibt und wo es Raum für dieses Bedürfnis nach Emotionen gibt, die induziert und nicht echt sind. Und eine schnelle, augenblickliche Erfahrung, die von jemand anderem gesteuert wird, wenn es um Kunst geht, ist eine Erfahrung, die es nicht wert ist, gemacht zu werden.

Wir müssen, so Jones, die Fähigkeit wiederentdecken, unsere Beziehung zur Kunst als eine Liebesbeziehung zu betrachten: Eine Liebesbeziehung ist etwas, für das man sich anstrengt, das man ausprobiert, das man über einen längeren Zeitraum hinweg betreibt und das am weitesten von der Logik des “Alles und Jeden” entfernt ist. Die Beziehung zur Kunst muss eine Beziehung des Vergnügens, der Überraschungen, der neuen Entdeckungen sein, auch wenn sie klein und auf unsere Erfahrung beschränkt sind, aber dennoch unsere sind. Eine inszenierte Blockbuster-Ausstellung, die mit vorgefertigten Emotionen spielt, ist ein Produkt, das diese Freuden zunichte macht.

Es stimmt zwar, dass jeder in die Lage versetzt werden sollte, Kunst zu verstehen, und zwar auf möglichst einfache Weise. Aber es stimmt auch, dass es schwierig ist, sich der Kunst zu nähern, denn gerade die Kunst ist kein einfaches Thema. Kunst ist für alle da, das sagen wir hier auf Finestre sull’Arte immer: aber wer sich der Kunst nähert, muss wissen, dass sie etwas ist, für das es sich lohnt, etwas Zeit zu investieren. Und wenn die Leidenschaft für die Kunst auf fruchtbaren Boden fällt, sind die Voraussetzungen dafür gegeben, dass sie immer weiter wächst und nie verschwindet.

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