Die Biennale von Venedig ist ein Kreuzungspunkt von Blicken und Fragen

Wenn seit mehr als einem Jahrhundert die spezifische Phänomenologie der Museumsmüdigkeit anerkannt ist, ein “zugegebenes Übel”, für das Benjamin Ives Gilman bereits 1916 versucht hatte, ein Heilmittel zu finden, so wurde der zentripetalen und zentrifugalen Müdigkeit, der der Besucher der Biennale von Venedig, wie glücklich er auch sein mag, ausgesetzt ist, nicht so viel Aufmerksamkeit geschenkt. Glücklich deshalb, weil es, abgesehen von der Wirksamkeit und Belastbarkeit des Ausstellungsvorschlags der zentralen Ausstellung, jedes Mal ein schwieriger und manchmal ärgerlicher Einsatz für den Kurator und, in den letzten Ausgaben, für den diensthabenden Kurator, jedes Mal ein kleiner Sieg ist, endlich die Tore der Gärten zu durchschreiten, in die man immer öfter schon erschöpft von einer Wartezeit gelangt, die ein Teil der - leider immer noch von Künstlern und Vermittlern vernachlässigten - Biennale-Erfahrung ist. Und das gilt nun auch für das einst privilegierte Publikum der drei überschäumenden und unmöglichen Tage der Preview, jenes internationale und sehr provinzielle Volk aus Journalisten, Branchenvertretern, Sammlern, Galeristen, Museumsfreunden, Künstlern, einigen hartnäckigen Gelehrten, vielen Kuratoren und Beratern, das auch dank der klugen Entscheidung der Biennale, den Zugang zumZugang zu dem gepriesenen Jahrmarkt der Voreröffnungstage zu verkaufen, finden sich nun in der polyglotten Weltlichkeit der Warteschlangen wieder, die sich vor den Eingängen zu den Hauptspielstätten (den Gärten und den Arsenalen) und dann im Inneren vor den beliebtesten Pavillons bilden.

Von der Giardini-Bar der Biennale aus gesehen, die dieses Jahr mit Sandsäcken besetzt war, um daran zu erinnern, dass das nationale, universelle Ausstellungskriterium der Pavillons mit ihren ständigen Transformationen (wo früher Jugoslawien war, ist heute, um nur ein Beispiel zu nennen, Serbien), draußen den Geruch von Blut und den Klang von Bomben hat, wirkt die Welt der zeitgenössischen Kunst keineswegs wie ein elitäres Gehege. Vielleicht hat Sylvain Bellenger, der Direktor des Museo e Real Bosco di Capodimonte, Recht, wenn er behauptet, dass die zeitgenössische Kunst nicht mehr eine Enklave ist, die einem speziellen, intellektuellen, “eleganten und sexy” Publikum vorbehalten ist, wie Pierre Rosenberg es noch Ende des letzten Jahrhunderts definierte, und dass die Werke der Gegenwart diejenigen sind, die die Fragen der Besucher aufgreifen.

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Es ist sicher, dass trotz der Tatsache, dass die zeitgenössische Kunst in unseren Schulen, gelinde gesagt, wenig Platz findet, und trotz der Tatsache, dass in den Universitäten selbst, wo die Lehre der zeitgenössischen Kunst einen chronologischen Bogen vom Beginn des 19. bis zum 21. Jahrhunderts reicht, die jüngsten Forschungen wenig Beachtung finden, scheint die Biennale von Venedig mit ihren beeindruckenden und ständig wachsenden Zahlen das breite Interesse an den Vorschlägen lebender Künstler zu bestätigen, die in einigen Fällen - ich denke an Marina Abramović - so populär wie Rockstars geworden sind. Die nicht immer (noch nicht) so überfüllten Säle der zahlreichen Museen für zeitgenössische Kunst, die schließlich über unser ganzes Land (einschließlich der Inseln) verteilt sind, zeigen jedoch, dass die Biennale von Venedig ein Sonderfall ist. Sicherlich wegen ihrer Geschichte (die 1895 gegründete Biennale von Venedig ist die Mutter aller unendlich vielen Biennalen, die in den letzten Jahrzehnten in beiden Hemisphären stattgefunden haben, Ausstellungen, deren Kapazität nach der Pandemie und der geopolitischen Krise wir nun überprüfen müssen), aber auch wegen ihrer der Widerstandsfähigkeit), sondern auch wegen ihrer Beziehung zu einer Stadt, Venedig, die am Rande des musealen Abgrunds, des Verlusts von Gebrauchswert und definitiver Schaufensterdekoration steht und die gerade in der Kunst (in der Kunst) der Gegenwart Sauerstoff und Perspektive zu finden versucht.

Die Biennale zu besuchen bedeutet nicht nur, den Themen und Gedanken zu begegnen, die unsere unsichere Zeit durchziehen, sondern auch die Illusion zu haben, einen Rundgang durch die Welt zu machen, durch den Teil der Welt, der die Mittel und die Motivation gefunden hat, sich zu zeigen. Wohl wissend, dass die Abwesenheit oft bedeutender ist als die Anwesenheit - wie viele haben sich dieses Jahr vor dem vergitterten russischen Pavillon fotografiert und werden sich fotografieren? - und dass die Biennale nicht einmal in ihren besten Ausgaben in der Lage war, einen erschöpfenden Überblick über die Kunst der Zeit zu geben. Sie kann, und das tut sie sehr gut, Visionen suggerieren und Worte produzieren, irritieren und verblüffen, in einem Spannungsspiel, das trotz bequemer Schuhe und strategischer Pausen auch den erfahrensten Besucher erschöpft. Zwischen den zentripetalen Spannungen, die einen dazu verleiten, einen mikroskopischen Blick auf das einzelne Werk zu werfen, und den zentrifugalen Schüben, die das Publikum dazu bringen, die schwindelerregende Ausdehnung der über die Lagune verteilten nationalen Veranstaltungsorte und die unendlichen Nebenveranstaltungen in Angriff nehmen zu wollen, liegt dieDie einzige Möglichkeit der Rettung liegt in dem Bewusstsein, das in jedem Fall die Frucht der Erfahrung ist, dass es nicht notwendig ist, alles zu verstehen oder gar zu sehen, sondern dass es darauf ankommt, für die Begegnung mit den Werken und vor allem mit den Menschen verfügbar zu sein. Denn die Biennale ist nicht nur ein Rahmen, der unsere Zeit vorstellt, sondern auch ein immer wieder anderer Kreuzungspunkt von Blicken und Fragen.

Dieser Beitrag wurde ursprünglich in Nr. 14 unserer gedrucktenZeitschrift Finestre sull’Arte Magazineveröffentlicht, die Sie hier abonnieren können.

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