Der Zirkus ist geschlossen, aber werden die Buffets zurückkehren? Gedanken zu einem Modell des kulturellen Fortschritts... auf der Durchreise durch Carrara

Zu den Büchern, die ich versuche, immer griffbereit zu haben, gehört ein Eckpfeiler der Bibliografie über Ausstellungen, Francis Haskells The Birth of Exhibitions: In seinem Rückblick auf die Geschichte der Kunstausstellungen vertrat der englische Kunsthistoriker die Ansicht, dass die von Mammès-Claude Pahin de La Blancherie zwischen 1782 und 1783 organisierten und kuratierten Ausstellungen die ersten waren, die von einem “wirklich interessierten Wunsch beseelt waren, die (sorgfältig ausgewählten) Autoren der ausgestellten Werke zu ehren”, und die einen Bruch mit den in der Vergangenheit organisierten Ausstellungen herbeiführten, die laut Haskell hauptsächlich von drei Motiven angetrieben wurden: “Feier, Zurschaustellung und Kommerz”.

Fest, Zurschaustellung und Kommerz erscheinen uns auch heute noch als eine Art ungeschriebener Kodex, der für die meisten Ausstellungen antiker und zeitgenössischer Kunst gilt, die täglich in Italien und auf der ganzen Welt eröffnet werden. Ein ungeschriebenes Gesetz, das sich jedoch ständig in seiner ganzen greifbaren Materialität manifestiert und aus pompösen Veranstaltungen besteht, die darauf abzielen, die Geburtstage von Künstlern zu feiern (wir alle hatten letztes Jahr mit dem Leonardo-Jubiläum den Beweis dafür, und dieses Jahr wird uns der Gesundheitsnotstand vor so vielen beleidigenden Ausstellungen über Raffael bewahrt haben, die sicherlich auf dem Papier geblieben sind), von imposanten Transmigrationen von Kunstwerken, die von einem Ende des Planeten zum anderen wandern, oft aus Gründen, die über die der Kunstgeschichte als einem auf ihrer eigenen Wissenschaftlichkeit beruhenden Fach hinausgehen, oder, wenn man an die zeitgenössische Kunst denkt, von leeren Happenings, die größtenteils von einer wimmelnden und lärmenden Fauna bevölkert werden, die eher nach Beziehungen und Prosecco jagt als nach der wirklichen Bedeutung der ausgestellten Werke (vorausgesetzt, dass es bei einem Großteil der ausgestellten Kunst überhaupt eine gibt).

Ist dies noch ein tragfähiges Modell für die Zeit nach dem Covid? Vielleicht wird sich unsere Denkweise durch die anhaltende Pandemie ändern (auch darüber werden wir in Kürze mit Experten auf diesem Gebiet diskutieren), aber man kann auch vom Gegenteil ausgehen, d. h. dass nach dem (inzwischen sicheren) Ende der höllischen Rigmarole der physischen Distanzierung und der vorgeschriebenen Gesichtsverhüllung alles nach der Business-as-usual-Formel weitergehen wird. Die unermüdlichen Regisseure des Kunstzirkus werden jedoch mit der Wirtschaftskrise und der Zeit der Zurückhaltung rechnen müssen, die uns auch dann noch bevorsteht, wenn die Krankheit ausgerottet ist und eine abscheuliche Erinnerung an ein Jahr des Vergessens zurückbleibt: Dann wird ein neues Paradigma für Ausstellungen und Veranstaltungen keine Wahl mehr sein, sondern eine Verpflichtung, die durch die Knappheit der Mittel und, um ein düsteres Szenario vorwegzunehmen, durch das mehr oder weniger weitgehende Verschwinden derer, die zur Schließung gezwungen werden, sanktioniert wird. Es wird sicherlich eine kurze Periode sein, denn (das lehrt uns die Wirtschaftsgeschichte) auf Wirtschaftskrisen, die nicht auf strukturelle Gründe, sondern auf äußere Einflüsse zurückzuführen sind, die mit starken, aber kurzzeitigen Umwälzungen eingreifen, folgen immer Perioden eines ebenso schillernden Aufschwungs. Aber es wird eine Zeit sein, die uns zum Nachdenken zwingen wird (und in gewisser Weise schon zwingt).

Der Galerist Nicola Ricci, der in diesem Jahr sein 20-jähriges Bestehen feiert, erzählte mir vor einigen Tagen von seinem neuen Projekt, das in den Räumen von Vôtre in Carrara eröffnet wird, wenn wir endlich wieder Museen und Galerien besuchen können: Es heißt The Last und ist eine Fotoausstellung, die achtzig Schwarz-Weiß-Aufnahmen der vierzehnten Internationalen Skulpturenbiennale von Carrara versammelt (“die letzte”, weil es die letzte war, die stattfand, bevor die Veranstaltung auf unbestimmte Zeit ausgesetzt wurde: das war 2010), aufgenommen von dem Mailänder Fotografen Valerio Brambilla. Die Eröffnung ist für Juni geplant, wahrscheinlich vor dem 15. Juni, und wird bis Ende Juli zu sehen sein (ich füge unten eine Vorschau auf einige der ausgestellten Fotos bei). Nicola hat mir am Telefon erklärt, dass diese Ausstellung im Wesentlichen zwei Ziele verfolgt, die jedoch untrennbar miteinander verbunden sind. Das erste ist, eine Reflexion darüber anzustoßen , wie wir waren (und wie wir hätten sein können), und das zweite, im Gegenteil, eine Diskussion darüber zu eröffnen , wie wir sein werden, und insbesondere die Aufmerksamkeit der Gemeinschaft, der Kunstliebhaber und der Institutionen darauf zu lenken, wie wichtig es ist, über eine kluge und weitreichende Kulturpolitik nachzudenken, die eine verschwenderische Zersplitterung der Ressourcen und Energien vermeidet und die kontraproduktive Logik vermeidet, alles auf den großen Namen zu konzentrieren (zum Beispiel: In Carrara gab es allein in den letzten acht Jahren fünf Ausstellungen über Canova, zwischen ernsthaften Ausstellungen und nutzlosem Blödsinn), die darauf abzielt, der Qualität einen angemessenen Wert zu verleihen.

Vanessa Beecroft auf der 14. Internationalen Bildhauerei-Biennale in Carrara (2010). Ph. Valerio Brambilla

Kevin van Braak auf der 14. Internationalen Bildhauerei-Biennale in Carrara (2010). Ph. Valerio Brambilla

Antony Gormley auf der XIV. Internationalen Bildhauerei-Biennale von Carrara (2010). Ph. Valerio Brambilla

Terence Koh auf der XIV. Internationalen Bildhauerei-Biennale von Carrara (2010). Ph. Valerio Brambilla

Giorgio Andreotta Calò auf der XIV. Internationalen Bildhauerei-Biennale von Carrara (2010). Ph. Valerio Brambilla

Dies sind gute Grundsätze, die in den letzten Jahren systematisch missachtet wurden, mit denen wir uns aber in den kommenden Monaten (und vielleicht Jahren) vertraut machen müssen, wenn wir nicht mit einer kulturellen Verödung konfrontiert werden wollen, die erstens große und schmerzhafte Massaker an Räumen und Museen nach sich ziehen wird, die nicht die Kraft haben werden, zu überleben, und zweitens den Prozess der kulturellen Verflachung, der bereits im Gange ist, spürbar beschleunigen wird. Historisch gesehen haben große Krisen immer auch dramatische Veränderungen in der Kunst bewirkt, die nach einem einschneidenden Ereignis stets Prozesse der kritischen Überprüfung des Bisherigen in Gang gesetzt hat. Von der Pest ist keine plötzliche Renaissance zu erwarten, wie diejenigen, die dazu neigen, die Geschichte auf ein karikaturistisches Feuilleton zu reduzieren, in diesen Tagen wiederholen: Im Gegenteil, Zeiten der Unsicherheit haben fast immer die Beziehungen zur Tradition wiederbelebt, insbesondere zur höchsten und gefestigten Tradition. Als ich mich mit Nicola über die Biennale di Scultura unterhielt (bei der er mit seiner Galerie vor allem bei den letzten drei Ausgaben eine wichtige Rolle spielte, indem er Künstler wie Mat Collishaw, Luigi Mainolfi, Italo Zuffi, Flavio Favelli und andere in die Stadt holte), nahm ich den Katalog der letzten Ausgabe von 2008 in die Hand, die von Francesco Poli kuratiert wurde, dessen Ziel es war, “das Gefühl einer historischen Tradition zu bekräftigen, die die Stadt eng mit der bildhauerischen Produktion verbindet und die kulturell noch heute eine bemerkenswerte Stärke darstellt”.

Poli schrieb, dass eine solche Ausstellung, auch wenn sie in der Tradition verwurzelt ist, “um eine wirksame Rolle in der Kunstszene zu spielen”, “die Aufmerksamkeit auf die bedeutendsten und innovativsten Aspekte der Forschung lenken” müsse, ohne “um jeden Preis der Neuheit nachzujagen, die allzu oft durch das oberflächliche Aufbrausen von Moden bedingt ist”, sondern “ein überlegteres Ausstellungsprojekt zu verwirklichen [...], das zu einer hinreichend gründlichen Reflexion und damit auch zu einer präziseren Vision des aktuellen Stands der tatsächlichen Leitwerte beiträgt”. Hier: So etwas wird für die Zukunft gebraucht. Ein Modell des kulturellen Fortschritts (und nicht der bloßen Entwicklung), das die Fülle der oft planlos und nach bestem Wissen und Gewissen organisierten Veranstaltungen als Fehler ansieht, das seine Investitionen auf die Qualität und das Wachstum des Territoriums und seiner Bewohner konzentriert, das es vermeiden kann, Moden zu folgen, und dem es gelingt, seine Vorschläge auf die Werte der wissenschaftlichen Fundierung, der Nützlichkeit, des Weitblicks und der Zusammenarbeit zu stützen. All dies sind Ressourcen, die für den Aufbau einer Post-Virus-Kultur unverzichtbar sein werden. DasInternet wird sicherlich eine wichtige Rolle spielen: Es wird keine Antwort sein, aber es wird ein Werkzeug sein, das unbedingt mit einer ernsthaften kulturellen Planung einhergehen muss, die pünktlich und mit einer strategischen Vision erfolgt und der Expertise und nicht der Improvisation anvertraut ist.

Im Wesentlichen handelt es sich um ein kulturelles Modell, das auf eine Aufwertung im wahrsten und edelsten Sinne des Wortes abzielt: also keine “Aufwertung” wie die, von der in der Branche oft die Rede ist und in deren Namen die abscheulichsten und verderblichsten Verlagerungen von Kunstwerken gerechtfertigt werden, die oft so weit gehen, dass man meint, die “Aufwertung” eines Werks bedeute, es aus seinem Kontext zu reißen, um es in einen Container zu bringen, in dem Tausende von Menschen dazu gebracht werden, es zu sehen, weil das Bedürfnis, eben diese Ausstellung zu sehen, künstlich erzeugt wird. Oder bestenfalls bedeutet “Aufwertung”, ein paar Yoga- oder Zumba-Kurse zu organisieren, um die meisten Menschen daran zu erinnern, dass es einen Ort namens “Museum” gibt. Wenn überhaupt, dann geht es um die Aufwertung lokaler Energien und kultureller Ressourcen (Ilaria Bonacossa sprach vor einigen Tagen auf diesen Seiten über Kunstmessen), ohne zu vergessen, dass wir immer in einem globalen Kontext agieren werden: und in diesem Sinne ist es sinnvoll zu betonen, wie viele der Probleme und Herausforderungen einzelner Gemeinschaften zu einem großen Teil geteilt werden (man denke nur an das Problem der ökologischen Nachhaltigkeit), wie die internationale Zusammenarbeit eine außerordentliche Ressource ist, um zu versuchen, sie zu bewältigen, und wie eine integrative und offene Kultur kontinuierlich Antworten und Argumente liefern kann. Und ein Kulturmodell, das darüber hinaus auf der kontinuierlichen Verbesserung von Prozessen, auf langfristiger Planung (und damit auf der Fähigkeit zu planen), auf dem Schutz von Werken und Arbeit, auf Forschung, auf der Konsolidierung erworbener Ergebnisse, auf der Aufwertung des territorialen Potenzials beruht. Ein “Kultursystem, das sich als zeitgemäß erweist und den neuen Erfordernissen entspricht, unser Verhältnis zu Raum und Zeit auf sanftere Weise neu zu gestalten”, wie Michele Trimarchi fordert. Die Krise hat im Grunde nichts anderes getan, als die Notwendigkeit zu bekräftigen, einen Weg einzuschlagen, der von vielen bereits angedeutet wurde: Wir werden sehen müssen, ob wir den Willen und den Mut haben, ihn zu gehen. Andernfalls wird von der Vergangenheit nichts als Schwarz-Weiß-Fotos übrig bleiben.

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