Das Beste und Schlechteste der zeitgenössischen Kunst 2024 nach Luca Rossi

Seit einigen Jahren hat es wenig Sinn, ein klassisches “Best of” der zeitgenössischen Kunst zu machen. Das liegt daran, dass wir uns seit mindestens fünfzehn bis zwanzig Jahren in einer neomanneristischen Übergangsphase befinden. Listen mit den besten Werken des vergangenen Jahres mögen dazu dienen, die Institutionen und die Öffentlichkeitsarbeit im Hinblick auf neue Kooperationen für das kommende Jahr aufzufrischen, aber sie können nicht wirklich dazu dienen, uns viel über die zeitgenössische Kunst und die Krise, die dieses riesige, missbrauchte und schlüpfrige Feld durchläuft, zu erklären.

In den letzten fünfzehn Jahren hat sich gezeigt, dass die Künstler, je jünger sie sind, umso mehr auf die abgeleiteten Sprachen des letzten Jahrhunderts zurückgreifen. Den Manierismus gab es schon immer, aber im Jahr 2024, nach dem Übergang von der Postmoderne zur Altermoderne im Jahr 2001, entschärft dieser Manierismus das Werk völlig und macht es zu einer Art prätentiösem Einrichtungszubehör, das ich 2009 als ’IKEA Evolved’ bezeichnet habe. Noch gravierender ist es, wenn die jüngeren Generationen vom ’Young Indiana Jones Syndrome’ betroffen sind, d.h. sie nehmen noch deutlicher und ausgeprägter starre und nostalgische Haltungen ein, mit Kunstwerken, die sich auf archäologische Bilder, den Informalismus der 1950er Jahre, die didaktische Aufarbeitung der arte povera, die alten Römer oder den Antiquitätenmarkt unter dem Haus beziehen. Das Zitat fällt fetischistisch auf sich selbst zurück, ohne eine Brücke zu unserer Gegenwart zu schlagen, also zu dem, was die grundlegende Aufgabe der zeitgenössischen Kunst ist. Es handelt sich um mehr oder weniger unbewusste Strategien, um in den wenigen Sekunden, die auf Messen und Biennalen gewährt werden, Aufmerksamkeit zu erregen und das Werk mit scheinbar “sicheren” Werten aufzuladen, wie es heute bei allem Antiken und Vintage geschieht.

Paradoxerweise wird die italienische und internationale zeitgenössische Kunst nur durch die Wiederbelebung der verehrten Meister, d.h. der Moderne, von Van Gogh bis zu den 1970er Jahren gerettet, was uns nicht nur erlaubt, das alte Juwel zu schätzen, das in Großmutters Schatztruhe wiederentdeckt wurde, sondern auch den Kunstmarkt überleben lässt. Die Schrumpfung des Marktes für zeitgenössische Kunst im Jahr 2024 ist nur die Folge eines spekulativen Marktes, den wir in den letzten Jahren erlebt haben und der die kritische Fähigkeit völlig verloren hat, die notwendig ist, um die Qualität der Kunst zu stimulieren, die wir als “zeitgenössisch” bezeichnen, nicht nur, weil sie mit uns zeitgenössisch ist, sondern weil sie von Künstlern geschaffen und konzipiert wurde, die nach 2000 entstanden sind. Wir befinden uns in der paradoxen Situation, dass die “besten” “zeitgenössischen” Künstler diejenigen sind, die in den 1990er Jahren entstanden sind, wie z. B. unser Mautizio Cattelan, die aber inzwischen über 60 Jahre alt sind. Nach 2001 ist alles wie eingefroren, auch auf internationaler Ebene, und der Überproduktion an abgeleiteten und homologierten Künstlern steht kein wirklich relevanter künstlerischer Weg gegenüber. Als ob alles eingefroren und in der Schwebe wäre.

Der Wert des Werks liegt in den Haltungen, aus denen es hervorgeht, er liegt im “Wie” und nicht so sehr im “Was”. Wenn also ein junger Mensch eine Einstellung von vor siebzig Jahren verwendet, ist das so, als ob wir eine Lungenentzündung mit Techniken von vor siebzig Jahren heilen wollen. Das funktioniert bis zu einem gewissen Grad: Wenn wir Kounellis und die Transavanguardia verarbeiten, gefällt uns das ein bisschen, weil wir sie schon vor Augen haben. Aber wir verpassen riesige Chancen. Werke werden an Millionäre und Extramillionäre verkauft, aber dann werden den Werken voreilig ethische und moralische Fragen angehängt, ohne dass sie sich wirklich mit diesen Fragen befassen. Ein Beispiel: Um Feminismus zu thematisieren, reicht es nicht aus, eine feministische Parade zu veranstalten.

Mit chaotischen Ausstellungen und Biennalen, bei denen nichts herauskommt, haben wir jede Woche eine Messe. Messen prägen das Kunstsystem und werden auf gefährliche Weise zu einem Ort, an dem “gesät” und “geerntet” wird. Diese Situation zwingt zeitgenössische Künstler in ein Schielen, das die Qualität weiter verschlechtert, vor allem in superchaotischen Situationen, in denen wir Tausende von Werken in kurzer Zeit sehen. In diesem Wettbewerbschaos werden die Werte nivelliert, alles tendiert zum Mittelmaß, und die zeitgenössischen Künstler, die bereits homologiert und schwach sind, werden schwach und austauschbar. Paradoxerweise verlieren die Figur des Künstlers und das Werk weiter an Bedeutung und Zentralität, was das gesamte System noch weiter verdammt.

In den letzten Jahren habe ich mit einer Reihe von Galerien und Sammlern zusammengearbeitet. Um in bestimmten Galerien ausstellen zu können, muss man als junger Künstler oder Künstler in der Mitte seiner Laufbahn irgendwie derivative Sprachen verarbeiten, man muss sich homologieren. Das ist eine offensichtliche Botschaft, um den Galeristen vorzugaukeln, dass man etwas verkaufen kann. Und selbst wenn man es schafft, “etwas zu verkaufen”, sind diese Künstler als Manieristen dazu verdammt, sich anzupassen und völlig unterzugehen. Das Endergebnis ist also eine Niederlage für alle: für den Künstler, der drei Werke verkauft und sich dann selbst verliert, für den Sammler, der gekauft hat und den Künstler dann völlig aus den Augen verliert, für den Galeristen, der seine Galerie in Zukunft überhaupt nicht mehr halten kann. Mit anderen Worten: Man muss die Qualität senken, um etwas verkaufen zu können, und das ist ein Teufelskreis.

Seit vielen Jahren ist klar, dass das Problem in der “Ausbildung” der Künstler und Kuratoren liegt, aber auch in der “Popularität”, d. h. in der Fähigkeit, einen Raum zu schaffen, in dem sich das Publikum und die Sammler für die Kunst begeistern können. Die zeitgenössische Kunst könnte heute eine grundlegende politische und soziale Rolle spielen, als Sporthalle und Labor für die Ausbildung und das Experimentieren mit “neuen Augen”, d. h. für die Veränderung unserer Sicht der Welt und folglich unserer Entscheidungen. Vorausgesetzt, sie wird nicht, wie es heute der Fall ist, zu einem Motiv der Inneneinrichtung oder des Straßenmobiliars oder zu etwas völlig Dekorativem und Harmlosem, das nur dazu dient, die Gehälter einiger Kuratoren zu rechtfertigen und verwirrte Sammler zu betrügen, die oft nur von ihren Mobiltelefonen aufgeklärt werden.

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