Zwischen Premieren und Marketing. So sieht die Ausstellung von Yayoi Kusama in Bergamo aus

Die Ausstellung Infinito presente von Yayoi Kusama im Palazzo della Ragione in Bergamo, die am 17. November letzten Jahres eröffnet wurde und bis zum 21. April läuft, neigt sich dem Ende zu. Die von Stefano Raimondi kuratierte Ausstellung, die sechs Monate nach ihrer Eröffnung bereits ausverkauft war und mehr als neunzigtausend Besucher anzog, bestätigt, dass sie die letzte bedeutende Episode in der institutionellen Ausstellungsgeschichte des japanischen Künstlers auf italienischem Boden darstellt.japanischen Künstlers auf italienischem Boden, nach den jüngsten Retrospektiven im Palazzo Reale(Eine Retrospektive, 2020-21), MACRO und MAXXI in Rom(Look Now, See Forever, 2018 und Beyond the Limits, 2002), MART in Rovereto(A Dream I Dreamed, 2009) und MADRE in Neapel(Dots Obsession, 2006). Neu ist, dass die Installation Fireflies on the water (2002), eine der erfolgreichsten Infinity Mirror Rooms von Kusama, die als Leihgabe aus der ständigen Sammlung des Whitney Museum of American Art in New York stammt, zum ersten Mal in Italien zu sehen ist.

Die Ausstellung ist Teil des Programms des Festivals für zeitgenössische Kunst ARTDATE, das von der Kulturvereinigung The Blank und dem Palazzo Monti in den Städten Bergamo und Brescia organisiert wird, und findet im Saal des Orobic Palazzo della Regione statt. Jahrhundert und seine Einbettung in den städtischen Kontext von Bergamo Alta, wurde der Ort so umgestaltet, dass er einen essentiellen und funktionalen spiralförmigen Ausstellungsparcours beherbergt, in den das Publikum eintreten kann, um die Künstlerin nach und nach zu entdecken, bis es das Herzstück der Ausstellung erreicht, nämlich die Umweltinstallation Fireflies on the water.

Entlang der Wand, die zum Werk führt, kann der Besucher die Biografie von Yayoi Kusama anhand einer grafischen Chronologie nachvollziehen, die die wichtigsten Momente im Leben der Künstlerin aufzeigt: ihre Kindheit, die von schwierigen Beziehungen zu ihrer Familie geprägt war (1929-1945), ihre prägenden Jahre in Tokio und ihre erste Ausstellung in ihrer Heimatstadt Matsumoto in Japan im Jahr 1952 (1948-1954), dann ihre Kontakte mit Georgia O’Keeffe und ihre Übersiedlung nach Amerika (1955-1958), die mit der Geburt der Infinity Net Paintings zusammenfiel, einer Serie, die zu einer Ikone wurde und Yayoi Kusama international bekannt machen sollte. Von grundlegender Bedeutung ist das Jahr 1965, in dem Kusama beginnt, mit Skulpturen und später mit Installationen und Umgebungen zu experimentieren und Serien ins Leben zu rufen, die sowohl sehr intime Themen wie die Abneigung und Abscheu der Künstlerin gegenüber der sexuellen Sphäre als auch gesellschaftliche Themen wie den übermäßigen Konsum von Lebensmitteln im Amerika der Nachkriegszeit behandeln. Ebenfalls aus dem Jahr 1965 stammt der erste Infinity Mirror Room, mit dem die erfolgreiche Serie von Installationen offiziell begann, mit denen der japanische Künstler universelle Themen wie Zeit, Raum, Erinnerung, das Konzept der Unendlichkeit, Wiederholung, Akkumulation und Multiplikation hinterfragt. Im weiteren Verlauf erinnert die Chronologie an Kusamas Beziehung zu Lucio Fontana, dem Künstler, der das Verdienst hatte, sie 1966 heimlich auf ihrer ersten Biennale in Venedig vorzustellen, sowie an die wichtigsten Erfolge und Nebenaktivitäten des Jahrzehnts 1967-1977, nicht ohne das Thema der psychischen Krankheit zu erwähnen, die die Künstlerin heimsuchte und die sie 1977 dazu brachte, sich freiwillig in eine Klinik in Tokio zu begeben, wo sie heute lebt und arbeitet. Die letzten Abschnitte der Chronologie erzählen von der großen Wiederentdeckung der Künstlerin dank der bedeutenden Retrospektive in New York im Jahr 1989 und der Einladung von Akira Tatehata zur Biennale von Venedig 1993 als einziger Künstler des japanischen Pavillons.

Der Eröffnungskorridor führt in den zentralen Raum, der ebenfalls mit denselben Gipskartonwänden ausgestattet ist, die den gesamten Ausstellungsparcours begrenzen. Dort betritt man unter der Aufsicht eines Aufsehers und eines Sicherheitsbeamten, die den kontrollierten Zugang regeln, nach einer kurzen Wartezeit schließlich das Innere von Fireflies on the water: Man betritt ihn allein und bleibt dort höchstens eine Minute lang. Der Grund für diese Aufmerksamkeit wird schnell klar, sobald man hört, wie sich die Tür zu der Kabine, in der das Werk untergebracht ist, hinter einem schließt und man sich auf einem Gang wiederfindet, der sich über die Schwelle einer liminalen, flüssigen Nicht-Umgebung zu erstrecken scheint, die im Nichts schwebt und in der die Farbe Schwarz dominiert: Die Umgebung ist jedoch nicht völlig dunkel, dank einer dichten Galaxie kleiner punktförmiger Lichter, 150 an der Zahl, deren Reflexion durch die Spiegelfolien auf vier der sechs Innenflächen des Raums unendlich vervielfacht wird, mit deutlichen Bezügen zum Mythos des Narziss, der dem Künstler schon immer am Herzen lag. Da der Boden mit einer Wasserschicht bedeckt ist, trägt er auf seine Weise zum visuellen Effekt der Spiegelung und Vervielfachung des Blicks bei, während die entstandene Leere von der Stille ausgefüllt wird, die das Ganze umhüllt. Die Installation erweckt den Eindruck, sich in einer unwirklichen Dimension zu befinden, ohne Bezugspunkte und Raum-Zeit-Koordinaten, in der die einzigen Gewissheiten, an die man sich klammern kann, die kleinen Lichtquellen sind, von denen man nicht verstehen kann, was sie antreibt oder was sie anzeigen: sie existieren einfach. Das Ergebnis ist eine Reihe von Empfindungen, Wahrnehmungen und Emotionen, die von einem Zustand des Wohlbefindens und des Friedens, der Befreiung und des Vergnügens bis hin zu einem Gefühl der Verwirrung, der Klaustrophobie, der Angst und der Beklemmung reichen. Die Stille und die Dunkelheit, kaum durchbrochen von den Lichtern, könnten auch den Eindruck erwecken, sich im Inneren eines Kokons oder einer Plazenta zu befinden, wo, kurz gesagt, der Funke des Lebens gerade entzündet wurde und darauf wartet, Gestalt anzunehmen; und gleichzeitig verstärken die Spiegel die Dunkelheit und das eigene Bild, das in ihr schwebt, ins Unendliche, zwingen den Besucher zu einer Konfrontation mit seinem inneren Selbst und kristallisieren es so in einer unendlichen Gegenwart.

Nach dem Werk geht man schließlich einen letzten Gang entlang, der zu einem kleinen Raum führt, der einer interaktiven Aktivität gewidmet ist, die den Besuchern angeboten wird: Sie werden eingeladen, ein Zeichen ihres Besuchs zu hinterlassen, und haben die Möglichkeit, die runden roten und silbernen Aufkleber, die sie am Eingang kostenlos erhalten, zu verzieren und an den vertikalen Wänden des Raums anzubringen, wo immer sie wollen. Der visuelle Effekt ist der einer scheinbar unendlichen, durchscheinenden, flockigen Schichtung, passend zum Thema der Ausstellung, die eine Vorstellung von der massiven Präsenz der Besucher und der Rezeption des Ausstellungsprojekts durch das Publikum vermittelt.

Yayoi

Diese Initiative, die gewählt wurde, um das Publikum einzubeziehen und so das Echo der Ausstellung zu verbreiten, spiegelt eine sehr häufige (aber nicht immer überzeugende) Marketingstrategie in der Veranstaltungsbranche wider, die darauf abzielt, den Besucher zu einem Protagonisten und aktiven Teil der Veranstaltung zu machen. Obwohl hier die Idee eines breiten Durchgangs durch die Ausstellung vermittelt wird, scheint dieser letzte Teil dem Rundgang Raum zu entziehen, der vielleicht besser für die Vertiefung von Kusamas Werk hätte genutzt werden können, und reduziert sich auf einen horror vacui von Inschriften, Unterschriften, Zeichnungen und Kritzeleien, die zum einen größtenteils kaum lesbar sind, da sie von den oberflächlichsten Schichten verdeckt werden. Sie sind zum einen kaum lesbar, da sie von den oberflächlichsten Schichten verdeckt werden, und zum anderen bieten sie Platz für Interventionen, die oft nicht zum Thema der Ausstellung passen, darunter vulgäre Zeichnungen und Kritzeleien ohne Wert. Das Ergebnis ist ein großes visuelles Durcheinander, das sich vielleicht in eine - wenn auch ungefähre - Zahl über die Anzahl der angeregten Besucher übersetzen lässt, aber keine relevanten Spuren auf dem emotionalen Rückstand hinterlässt, der durch die Besuchserfahrung geweckt wird.

Letztendlich ist die Ausstellung Unendliche Gegenwart eine anregende Erfahrung, um die Kunst der Gegenwart kennenzulernen, aber vor allem, um sie zu verstehen, wobei man den Kompromiss der unvermeidlichen interaktiven Komponente akzeptiert und (mit nicht wenig Bedauern) über einige grammatikalische und zeitlich-konsekutive Fehler in den Begleittexten des Rundgangs hinweggesehen hat.Die Ausstellung Infinite Present ist eine anregende Erfahrung, um die Kunst von Yayoi Kusama kennenzulernen, aber vor allem, um sie aus erster Hand zu erfahren und ihre zentrale Bedeutung im zeitgenössischen Kontext zu erleben, mit der mehr als seltenen Gelegenheit, einen ihrer berühmten Infinity Mirror Rooms physisch und sensorisch zu erleben, der sonst nur auf amerikanischem Boden verfügbar ist.

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.