Zwischen Landschaften und Seerosen, Monets Werke vom Marmottan in Paris bis zum Vittoriano in Rom

Monet. Die Ausstellung, die vom 19. Oktober 2017 bis zum 11. Februar 2018 im Complesso del Vittoriano in Rom gezeigt wird, versammelt 60 Werke von Claude Monet (Paris, 1840 - Giverny, 1926), dem großen Vater desImpressionismus, aus dem Musée Marmottan Monet in Paris. Die Werke wurden in seinem Haus in Giverny eifersüchtig aufbewahrt und dem Museum 1966 von seinem Sohn Michel geschenkt. Die Ausstellung der Werke folgt einem doppelten Weg: dem chronologischen und dem der stilistischen Entwicklung durch die großen Themen. Die Sammlung umfasst einige große Meisterwerke wie das Porträt seines Sohnes Michel als Kleinkind (1878-1879), die Seerosen (1916-1919), London. Parlament, Spiegelungen an der Themse (1905), Rosen (1925-1926).

Im ersten Raum stellen die Zeichnungen die Geburt und das Bewusstsein seines Wunsches, Künstler zu werden, dar. Es handelt sich um Karikaturen, von denen viele kopiert wurden, und die bekannte Persönlichkeiten der damaligen Zeit (1855-1859) darstellen. Im selben Raum sind auch einige Porträts zu sehen. Eines ist von seinem Sohn Jean, die anderen drei zeigen seinen Sohn Michel als Säugling und Kind. Diese vier Werke zeigen bereits deutlich, wie sehr er sich für die Harmonie der Farben interessierte und wie sehr die Linie ein Pinselstrich war, der einen “Eindruck” vermitteln sollte, und nicht die für den Realismus typische getreue und genaue Darstellung der Motive.

Es folgten die Landschaften, zunächst nordisch, von jener schillernden Kälte der Winterfarben, des Schnees und des Eises der ihm vertrauten Orte um Paris und in der Normandie. Dann der Wendepunkt. 1883 unternimmt er eine Reise nach Ligurien und lässt sich 1884 für neunundsiebzig Tage in Bordighera nieder. Er entdeckt das Licht des Südens und ist von ihm verzaubert. Die Farben erwärmen sich und werden zu denen der Sonne und jener Wärme, die das Obst reifen lässt. Das Meer ist tiefblau, die Pflanzen exotisch und leuchtend. Im Schloss von Dolceacqua (1884) taucht ein weiteres grundlegendes Element der Malerei Monets auf, die Brücke, die nicht einfach die Darstellung eines architektonischen Bauwerks ist, sondern ein Element, das dazu dient, den Raum der Leinwand zu zerschneiden und geometrisch neu zusammenzusetzen. Ein Motiv, das wir in seinem reiferen Werk wiederfinden werden, die japanische Brücke zusammen mit dem Eisenbogen der Rosenallee. Diese Ansichten wiederholen sich immer wieder: immer das gleiche Thema und der gleiche Blickwinkel. Die Stunden ändern sich und damit auch die Farben und Schatten. Die Farbe wird dichter und fast plastisch, oder sie verblasst und hellt sich in den feinsten Schattierungen auf.

Unter den Gemälden der Ausstellung ist dasjenige des Londoner Parlaments, das sich in der Themse spiegelt, berühmt. Monet hat kein Schwarz verwendet, und der Schatten des großen Gebäudes ist grünlich gefärbt, während die Sonne wie nach einem Regenschauer durch die leuchtenden Wolken bricht und goldene Zungen auf dem Fluss reflektiert. Venedig und London werden die am häufigsten gemalten Landschaften sein, die einen großen Erfolg haben.

Claude Monet, Zug im Schnee. Lokomotive (1875; Öl auf Leinwand, 59 x 78 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Claude Monet, Das Schloss von Dolceacqua (1884; Öl auf Leinwand, 92 x 73 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Claude Monet, London, Die Houses of Parliament. Spiegelungen auf der Themse (1905; Öl auf Leinwand, 81,5 x 92 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Monet war ein eifriger Reisender, begierig darauf, neue Motive zu sehen und zu finden, vor allem nach seinem Umzug nach Giverny im Jahr 1883. Unmöglich, hier nicht die Worte zu zitieren, die Guy de Maupassant über seinen Freund schrieb: "Im letzten Jahr bin ich in diesem Land oft Claude Monet auf der Suche nach ’Eindrücken’ gefolgt. Er war in Wahrheit kein Maler, sondern ein Jäger. Er ging, gefolgt von Kindern, die seine Leinwände trugen, fünf oder sechs Leinwände, die dasselbe Motiv zeigten, zu verschiedenen Tageszeiten und mit verschiedenen Lichteffekten. Er nahm sie auf und stellte sie wieder ab, je nach den Veränderungen des Himmels. Und der Maler stand vor seinem Motiv und wartete auf die Sonne und die Schatten, indem er mit ein paar Pinselstrichen den auftauchenden Strahl oder die vorbeiziehende Wolke festhielt... Und da er das Falsche und das Gelegene verachtete, brachte er sie schnell auf die Leinwand... Ich habe gesehen, wie er einen Lichtschimmer auf einem weißen Felsen auffing und ihn mit einem Strom von gelben Pinselstrichen festhielt, die seltsamerweise die plötzliche und flüchtige Wirkung dieses schnellen und flüchtigen Scheins wiedergaben. Ein anderes Mal nahm er einen Regenschauer, der auf das Meer gefallen war, und warf ihn schnell auf die Leinwand. Und es war genau der Regen, den er zu malen vermochte, nichts als Regen, der die Wellen, die Felsen und den Himmel verschleierte, der unter diesem Regenguss kaum zu erkennen war.

Er war auch ein “Motivjäger” dank einer Entdeckung, die damals einen grundlegenden Moment für die Malerei darstellte: die Erfindung der Farbtube, die es den Künstlern ermöglichte, die Enge des Ateliers zu verlassen, keine Pigmente mehr zu verwenden und en plein air zu malen, indem sie ihre Staffelei mitnahmen, um sie frei zu platzieren.

Die Motive von Monet sind fast immer aquatisch. Das Wasser mit seinem wechselnden Schimmer hält die Boote in der Schwebe. Es gab einen Moment, in dem Monet den geheimen Mikrokosmos seines Gartens betrat und nie wieder herauskam. 1890 gelingt es dem Künstler, das Grundstück in Giverny zu erwerben und sich der Gestaltung von Haus und Garten zu widmen. Monet schuf sein persönliches Paradies, mit dem der Garten seit den ersten Zeilen der Genesis und in allen Epochen der Kunst identifiziert wird.

Claude Monet, Segelboot. Abendstimmung (1885; Öl auf Leinwand, 54 x 65 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Claude Monet, Die japanische Brücke (1918-1919; Öl auf Leinwand, 74 x 92 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Claude Monet, Trauerweide (1921-1922; Öl auf Leinwand, 116 x 89 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Und schließlich kommen wir zu den Seerosen. Große, riesige Gemälde, seltsam für uns, die wir damals an solche Formate gewöhnt waren, die ausschließlich Chorkompositionen, feierlichen religiösen oder historischen Darstellungen gewidmet sind. Es sind große Gemälde, auf denen die Gartenpflanzen hervorstechen, vor allem seine Seerosen, die wie schlafend über dem stillen Wasser des Teiches schweben. Die wechselnden Effekte des Lichts auf der Oberfläche und die langsame Bewegung des stillen Wassers lassen das Unterwasserleben erahnen.

Monet schrieb: “Es dauerte eine Weile, bis ich meine Seerosen verstand (...) Ich hatte sie aus reinem Vergnügen gepflanzt, indem ich sie kultivierte, ohne daran zu denken, sie zu malen (...) Und plötzlich offenbarte sich mir der Zauber meines Teiches. Ich nahm die Palette in die Hand. Seitdem habe ich kaum noch ein anderes Modell benutzt”.

Zwischen 1918 und 1924 nimmt Monet seine letzten Werke in Angriff, die in drei große Zyklen unterteilt sind: die Trauerweiden, die japanische Brücke und der clos normand, der Garten, der sein Haus vom Wassergarten trennt. Für Monet ist es nie interessant, die Details des Motivs wiederzugeben. Er ist nicht daran interessiert, die verschiedenen Teile einer Blume oder eines Blattes zu unterscheiden. Wir sehen und erkennen, was er malt, in einer Impression. Und nach den Seerosen wieder Wasser, in dem sich die weichen Zweige der Trauerweiden spiegeln, die in verschiedenen Farben und Dichten wiedergegeben sind.

Claude Monet, Seerosen und Agapanthus (1914-1917; Öl auf Leinwand, 140 x 120 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Claude Monet, Seerosen und Agapanthus, Detail

Claude Monet, Seerosen (1917-1919; Öl auf Leinwand, 100 x 300 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Claude Monet, Die Rosen (1925-1926; Öl auf Leinwand, 130 x 200 cm; Paris, Musée Marmottan Monet)

Schließlich die Rosen auf den grün bemalten Eisenbögen seines Gartens oder die blühenden Glyzinien. Es handelt sich um großformatige Gemälde, fast Retabeln, bei denen sich die Farbe mit der Form vermischt und aus einem nicht zu entziffernden Nebel zu entspringen scheint, der jedoch ungesehene, nie gesehene, sehr moderne Farben aufweist. Die Glyzinie als Dunst, ausgebreitet wie ein Aquarell, die Gelben, die sauren Grünen, noch nie dagewesene, reine Farben. Eine Reinheit ohne Schwarz. Monet wiederholt dasselbe Motiv viele Male, bis die Formen undeutlich werden, bis zu dem Punkt, an dem es kein Zurück mehr gibt: dem subtilen Moment, an dem die figurative Kunst abstrakt wird. Die raffinierte Gestaltung dieser Ausstellung konfrontiert uns mit einer Epiphanie, einem Wunder. Die figurative Kunst ist überwunden, wir sind hier, in der Gegenwart. Wir nehmen die neue Sprache wahr, die unsere ist.

Das letzte Werk seines Lebens (1925) ist überwältigend. Ein blauer Himmel, vor dem sich Rosen und Blätter abheben. Monet erkrankte 1912 am Grauen Star, was sein Sehvermögen stark veränderte. Seine Pinselstriche wurden immer deutlicher und strukturierter, und vielleicht auch deshalb wählte er ungewöhnlich große Leinwände, auf denen er Themen wie den gegen den Himmel gestreckten Rosenzweig ausbreitete. “Außer der Malerei und der Gartenarbeit bin ich ein Taugenichts”, sagte Claude Monet, und wir scheinen Goethes Worte wiederzuhören: “Der Garten ist als ein Gemälde zu verstehen”. Monet verstand dies perfekt.

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