Wenn Puppen Kunst und Avantgarde sind. Ihre Geschichte zu sehen in Reggio Emilia

In einem Zeitalter, das von sozialen Netzwerken, neuen Technologien und der aufkommenden künstlichen Intelligenz beherrscht wird, die bereits tiefgreifende Debatten sowohl über ihre Rolle als auch über die Notwendigkeit oder das Gegenteil der menschlichen Präsenz in bestimmten Bereichen hervorruft, wer weiß, ob die neuen Generationen noch eine Faszination für Puppen und Marionetten empfinden. Ich erinnere mich, dass ich als Kind sehr oft an Sommerabenden in Begleitung meiner Eltern phantastische Puppen- und Marionettentheater besuchte, die, von den geschickten Händen der Puppenspieler oder Marionettenspieler bewegt, Geschichten mit einer Hütte und einem Kästchen aufführten, vor denen ich wie verzaubert und hingerissen stehen blieb. Heute gibt es immer weniger dieser Aufführungen, sie sind fast verschwunden, und ich glaube, das ist schlecht für die heutige Gesellschaft, denn es nimmt den neuen Generationen den Sinn für die Magie, die diese Welt belebt, und lässt sie immer mehr der guten Vorstellungskraft und Kreativität berauben, die selbst die unbedeutendste Plastikflasche oder eine gewöhnliche Papiertüte zu einer Figur in einer fantastischen Geschichte werden lässt. Eine Sensibilität, die die Fondazione Palazzo Magnani dazu bewogen hat, die Ausstellung Puppen und Avantgarde zu realisieren . Picasso, Depero, Klee, Sarzi, die bis zum 17. März 2024 im Palazzo Magnani in Reggio Emilia zu sehen ist und von James M. Bradburne kuratiert wird. Der Eindruck, dass es sich um eine Ausstellung handelt, die sich nur an Kinder richtet, sollte jedoch nicht täuschen: Obwohl die Ausstellung spielerisch, farbenfroh und angenehm zu besuchen ist, konzentriert sie sich auf Themen wie die großen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts, ihre Künstler und das Theater. Die jungen Besucher werden sicherlich Spaß daran haben, die seltsamsten Kreationen zu entdecken, die der Fantasie der Künstler entsprungen sind, und sie werden diese Ausstellung als spielerische Entdeckung erleben; Erwachsene werden wahrscheinlich mit einem Gefühl der Nostalgie durch diese Ausstellung gehen, das sie in ihre Kindheit zurückversetzt, aber vor allem werden sie die Gelegenheit haben, etwas über die Geschichte der Marionetten und Puppen im 20.

Es ist also eine Ausstellung, die Jung und Alt faszinieren wird. Wer sagt denn, dass Puppen und Marionetten nur etwas für Kinder sind? Es genügt zu sagen, und das ist eines der Hauptziele dieser Ausstellung, dass die Künstler des frühen 20. Jahrhunderts die Puppen nicht als bloße Kinderspiele betrachteten, sondern in ihnen ein großes Potenzial sahen, ausgehend von der Neugier der Jugend, sowohl um sich durch dieselben Darstellungen eine bessere Welt vorzustellen als auch als Instrumente des sozialen Wandels in den Revolutionen, die die erste Hälfte des Jahrhunderts prägten. Die Wiederaneignung von Puppen und Marionetten durch die europäischen Avantgarden zu Beginn des 20. Jahrhunderts ist daher in den Kontext der historischen Periode zu stellen, und zwar in dem Sinne, dass die Künstler - mit Ausnahme der einheimischen Traditionen - diese Kreationen oft gerade deshalb schufen, um die Gesellschaft darzustellen, in der sie lebten. um die Gesellschaft, in der sie lebten, darzustellen, um die Grenze zwischen Kunst und Leben zu durchbrechen, um die politischen und sozialen Verhältnisse zu kritisieren und sich vielleicht eine bessere Welt vorzustellen, um diese Ideen durch neue visuelle Ausdrucksformen zu verbreiten, als eine Art kreatives Spiel , das jedoch eine tiefere und aktuellere Bedeutung hat.

Wenn man durch die Räume der Ausstellung und ihre Abteilungen geht, die deutlich von den verschiedenen Experimenten der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts und ihren Protagonisten geprägt sind, unternimmt man tatsächlich, wie der Präsident der Fondazione Palazzo Magnani Maurizio Corradini sagt, “eine Reise durch Zeit und Raum durch die Experimente visionärer Künstler” und durch “die wichtigsten europäischen Traditionen des Figurentheaters des 20. Jahrhunderts”. In der Tat untersucht jeder Abschnitt eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Ort der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts sowie die Art und Weise, wie sich das Theater von einer von Schauspielern dominierten Aufführung zu einer von Avantgarde-Regisseuren geschaffenen Gesamtkunstform wandelte.

Picasso, Depero, Klee,

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Sie beginnt mit vier lebensgroßen Kostümen (darunter Le prestidigitateur chinois und der Manager américain), die Pablo Picasso für Parade entwarf, ein choreografisches Ballett ohne Handlung, das 1917 von Sergej Djagilevs Ballets russes in Paris aufgeführt wurde und eine Art Parade von Schaustellern darstellte, die jeweils eine Probe ihrer Nummer gaben. Es handelt sich um eine Art Parade von Jahrmarktskünstlern, die jeweils eine Kostprobe ihres Könnens geben. Weiter geht es mit dem Futurismus der 1920er Jahre von Fortunato Depero mit seinen Balli plastici, die hölzerne Formen in Bewegung setzen, begleitet von Musik, die Tiere darstellen (zu den berühmtesten gehören die schwarze Katze, der Hahn, die Mäuse), oder Figuren wie die weiße Marionette und der rote Wilde, die mit Hilfe seines Freundes und Mäzens Gilbert Clavel geschaffen wurden, um die reine Geste der Bewegung zu zelebrieren, ganz im Sinne des Futurismus, wobei auch der Schauspieler wegfällt. Die Marionetten von Depero wurden im April 1918 im Teatro Odescalchi in Rom zum ersten Mal aufgeführt. Die Originale wurden nach einigen Jahren zerstört, aber die Entwürfe landeten in Rovereto, als Depero selbst 1919 seine Casa d’Arte Futurista in der Trentiner Stadt eröffnete. Sie wurden 1981 nach den Entwürfen des Künstlers wieder aufgebaut und werden heute im Mart in Rovereto aufbewahrt, aus dem die in der Ausstellung gezeigten Exemplare stammen. Dann gibt es die zehn futuristischen Puppen von Enrico Prampolini aus dem Jahr 1922, die sowohl Karikaturen von Personen darstellen, die damals eine wichtige politische und kulturelle Rolle spielten, wie Gabriele d’Annunzio, Giovanni Giolitti, König Vittorio Emanuele III, Benito Mussolini, Dina Galli (die einzige weibliche Puppe), als auch Konzepte wie die Welt oder den Faschismus.

Ein Abschnitt ist den klassischen javanischen , aus Leder geschnitzten Puppen des so genannten Schattentheaters, Wayang genannt, gewidmet, die bei Dorffesten, Gemeinschaftsritualen oder Passagen eingesetzt wurden und somit eine wichtige Rolle in der göttlichen Magie und der politischen Redekunst spielten. Jahrhundert durch Kaufleute und Reisende im Zuge der Orientbegeisterung nach Europa, wo sie seit 2003 von der UNESCO als immaterielles Kulturerbe Indonesiens und als Meisterwerk der mündlichen und immateriellen Tradition der Menschheit geschützt sind. Der Böhme Richard Teschner, der als einer der größten Erneuerer des Puppentheaters des 20. Jahrhunderts gilt, ließ sich von dem Prinzip der Bewegung des Wayang inspirieren, der mit Stöcken von unten bewegt wird (ein Hauptstab stützt die Figur, während andere Stäbe die Bewegung der anderen Teile, z. B. der Gliedmaßen, ermöglichen), als er das traditionelle Verfahren der Puppenanimation umstieß. Sein Puppentheater nahm im Umfeld der Wiener Werkstätte Gestalt an: Die holzgeschnitzten Figuren wurden mit Stoffen der Wiener Werkstätte bekleidet oder mit ornamentalen Motiven nach Art der Egerländer Volkskunst bemalt und schufen so eine Symbiose zwischen östlichen Kulturtraditionen und der europäischen Bildwelt. Teschners Theater ist ein Theater ohne Sprache, das sich auf Gesten reduziert und das er selbst einfängt, denn “die Puppe ist ein lebloses Gebilde, solange sie in der Kiste des Puppenspielers hängt, aber sobald er sie in die Hand nimmt und an Drähten oder mittels Stangen auf kleine, raffinierte Bühnen führt, erfährt sie eine seltsame Belebung und ein fast verstörendes Eigenleben”. Einige seiner Puppen sind in der Ausstellung zu sehen, darunter die schöne Nawang Wulan und die seltsamen, fast fremdartig wirkenden Kreaturen Zipzip und der Gelbe.

Und dann sind da noch die Marionetten der Schweizerin Sophie Taeuber, Ehefrau des deutsch-französischen Künstlers Jean Arp: 1918 wurde sie gebeten, die Marionetten und Bühnenbilder für den von Werner Wolff und René Morax adaptierten Text von Carlo Gozzis Commedia dell’arte Re Cervo zu entwerfen, den letzterer zu einer Parodie auf Freuds Psychoanalyse machte. Dann gibt es die “Klang”-Puppen von König Deramo, den Wachen, dem Hirsch, Dr. Komplex und dem Papagei, die auch in einer Videoproduktion, die im selben Teil der Ausstellung zu sehen ist, in Bewegung präsentiert werden.

Weiter geht es mit dem Weimarer Bauhaus der 1920er Jahre, dessen Protagonisten in der Verwendung von Figurinen-Marionetten (beeinflusst durch die Wiederentdeckung von Heinrich von Kleists Werk Das Marionettentheater von 1810) Lothar Schreyer, der erste Leiter der Bauhaus-Theaterwerkstatt (von 1921 bis 1923) und sein Nachfolger Oscar Schlemmer (von 1923 bis 1929) waren. Geometrische Figuren wie die lüsterne Frau, derlüsterne Mann und derEngel der Geburt für Schreyers Puppenspiel Geburt , dessen Pläne erhalten sind, wie in der Ausstellung zu sehen ist, und Schlemmers Triadisches Ballett, das als Höhepunkt der Bauhauswoche im August 1923 uraufgeführt wurde, mit skulpturalen Ganzkörperkostümen, die die Tänzer in stilisierte Marionetten verwandelten. Eigentlich war es ein Anti-Ballett, ein symphonischer Tanz ohne Handlung, der in drei Abschnitte unterteilt war, vom Allegro bis zum Serio.

Paul Klee, ein Lehrer am Bauhaus, schuf auch eine Reihe von Puppen und ein Puppentheater für seinen Sohn Felix. Klee nahm seinen damals achtjährigen Sohn zum Puppentheater auf dem Flohmarkt der Auer Dult in München mit: Hier war dieser von der schelmischen und kämpferischen Figur des Kasperl so fasziniert, dass sein Vater als Geburtstagsgeschenk eine Reihe von handgefertigten Puppen der Figuren aus der gemeinsam gesehenen Vorstellung anfertigte, und Felix führte sogar echte Hausstücke für Familie, Freunde und Gäste auf.

Weiter geht es mit derrussischen Avantgarde: Künstler wie El Lissitzky und Nina Efimova fanden in Marionetten und Puppen die Freiheit, die ihnen in konventionelleren Medien oft fehlte. Lissitzky entwarf seine Figuren vor allem, um die strahlende Zukunft des internationalen Proletariats darzustellen und durch abstrakte Bilder eine Idee von der neuen Gesellschaft und der neuen Kunst zu vermitteln. Die Figuren sind aus verschiedenen Teilen zusammengesetzt, die eher das Aussehen von sich bewegenden Maschinen als von menschlichen Körpern haben, und jede Figur hat die Form der Arbeit, die sie verrichtet, z. B. enthält derAnsager ein Megaphon, das die Geräusche von Bahnhöfen, das Tosen der Niagarafälle und das Stampfen von Stahlwerken wiedergibt; der Wanderer hat einen Körper in Form eines Propellers, der das Flugzeug symbolisiert, mit dem er reist. Die Körper der Bestatter sind abstrakte Särge mit Kreuzen darauf. DerNeue Mensch verkörpert jedoch eine politische Botschaft, indem er die Idee verbreitet, dass der zukünftige Mensch kommunistisch ist, wie seine Vision (das linke Auge wird durch den roten Sowjetstern gebildet); Lissitzky selbst behauptete, dass “das kommunistische System des gesellschaftlichen Lebens einen neuen Menschen schafft: aus einem kleinen und unbedeutenden Rad einer Maschine ist er ihr Kapitän geworden”.

Skizzen, Plakate und Projektionen schließlich sind eine Hommage an eine der Pionierinnen des experimentellen Theaters für Kinder: die Malerin und Puppenspielerin Nina Efimova. Im jungen Sowjetstaat unter der Führung von Lenin und seiner Frau wurden Puppen zu einem ausgezeichneten Mittel, um den weit verbreiteten Analphabetismus zu bekämpfen und den neuen Sowjetbürger zu erziehen, und in diesem Sinne setzten Künstler wie Efimova Puppen als Propagandamittel ein, um die Massen von Kindesbeinen an zu begeistern. Die Figuren waren daher stereotyp und leicht identifizierbar und verkörperten oft politische und soziale Typen. Eine ihrer berühmtesten Schöpfungen ist die russische Puppe Petruška (wir sehen ihn in der Ausstellung auf einer Bank sitzen und auf Gesellschaft warten): Nina nahm ihn überallhin mit, in die zahlreichen Aufführungen, die sie zusammen mit ihrem Mann Iwan in Fabriken, Schulen, Arbeiterkreisen und auf den Straßen Moskaus gab (mit den Efimovs wuchs die Popularität der Jahrmarktspuppen enorm).

für denproduktion

Die Ausstellung schließt mit einem Abschnitt, der dem Puppenspieler Otello Sarzi (Vigasio, 1922 - Reggio Emilia, 2001) aus Reggio Emilia gewidmet ist. Zunächst als junger Helfer in der Wandertruppe der Familie, begann er in den 1950er Jahren eine Zusammenarbeit mit Gianni Rodari, indem er Masken für die Kinder anfertigte, die die Figuren in den Geschichten des Schriftstellers spielten. Von da an widmete sich Sarzi ausschließlich dem Puppentheater, indem er Alfred Jarry, Samuel Beckett und Bertolt Brecht dramatisierte und große Figuren mit innovativen Techniken und recycelten Materialien wie Schaumgummi, Wasserflaschen, Dosen und Schnüren herstellte. Im Jahr 1957 gründete er das T.S.B.M. - Teatro Stabile di Burattini e Marionette in Rom. Im selben Jahr begannen Sarzi und seine T.S.B.-Mitarbeiter, mit Gianni Rodari, Loris Malaguzzi und Lehrern in Vorschulen zu arbeiten und an dem Projekt einer neuen Pädagogik der Kindheit mitzuwirken. Viele seiner Puppen sind ausgestellt, darunter Angoscia, eine Figur, die sich mit expressionistischen Gesten ausdrückt und die Ängste des modernen Menschen in der Industriegesellschaft darstellt. Diese letzte Hommage ist eine der Hauptintentionen der Ausstellung, die das Erbe des experimentellen Theaters von Otello Sarzi aufwertet, indem sie es in einen Dialog mit den wichtigsten europäischen Traditionen des Figurentheaters des 20.

Die Idee, die Ausstellung mit Aufführungen der Compagnia marionettistica Carlo Colla aus Mailand und derAssociazione 5T aus Reggio Emilia zu begleiten, war schön und einzigartig, so dass die Besucher einen Moment der Figurentheatervorstellung erleben konnten. Eine sehenswerte Ausstellung also, um die Faszination wiederzuentdecken, die die Welt der Puppen und Marionetten heute leider fast verloren hat, und um ihre Geschichte im 20.

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