Von Monet bis Chagall, von Van Gogh bis Kandinsky: Wie man in den USA zu Beginn des 20. Jahrhunderts sammelte. Die Ausstellung in Mailand

Der Ansatz, den die amerikanischen Kuratoren Jennifer Thompson und Matthew Affron bei der Organisation der Ausstellung Impressionismus und Avantgarde. Meisterwerke aus dem Philadelphia Museum of Art im Palazzo Reale in Mailand, die noch bis zum 2. September 2018 zu sehen sein wird, scheint von Anfang an anders zu sein als die alleinige Absicht, Künstler aus verschiedenen Kunstrichtungen zu präsentieren. Vielmehr werden die Besucher beim Gang durch die Ausstellungsräume Schritt für Schritt verstehen, wie das berühmte Philadelphia Museum of Art entstanden ist und nach und nach mit den großen Kunstwerken bereichert wurde, die es noch heute beherbergt. Das Publikum wird zweifellos Meisterwerke von Monet, Manet, Degas, Renoir, Cézanne, Gauguin, Pissarro, Mary Cassatt, Berthe Morisot, Matisse, Klee, Kandinsky, Van Gogh, Picasso, Brâncuși, Dalí, Miró bewundern, aber mit einem besser definierten und kontextualisierten Gesamtüberblick über die Werke dieser Künstler: Am Ende des Rundgangs wird man die wahre Geschichte eines der bedeutendsten Museen der Vereinigten Staaten kennengelernt haben.

Die Geschichte des Philadelphia Museum of Art beginnt in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, genauer gesagt im Jahr 1877, dem Jahr seiner Eröffnung. In jenem Jahrhundert war Philadelphia die größte Stadt Nordamerikas und blühte dank des Handels, des Verkehrs und der sich immer stärker entwickelnden Kultur. Hier wurde 1876 die erste offizielle Weltausstellung in den Vereinigten Staaten organisiert, die ein unglaublicher Erfolg war: mehr als zehn Millionen Menschen besuchten sie, und diese erste Ausstellung gab dem Strom wohlhabender Amerikaner, die auf der Suche nach Kunst zum Anschauen, Lernen und Kaufen nach Europa kamen, einen großen Auftrieb. Die impressionistische Bewegung weckte auch bei den Einwohnern Philadelphias großes Interesse, wie die im amerikanischen Museum aufbewahrte Sammlung impressionistischer Werke beweist: Sie wurde aus ganzen Sammlungen wohlhabender Sammler der Stadt aufgebaut, mit denen sie ihre prächtigen Residenzen schmückten; ihre Sammlungen wurden später dem Philadelphia Museum of Art geschenkt.

Alexander Cassatt (Pittsburgh, 1839 - Philadelphia, 1906), Eisenbahningenieur bei der Pennsylvania Railroad, der Gesellschaft, die den Bahnverkehr zwischen Philadelphia, New York und Washington betrieb, und Bruder der berühmten Mary (Pittsburgh, 1844 - Château de Beaufresne, 1926), förderte als erster die Kenntnis und Verbreitung der Werke des französischen Impressionismus im amerikanischen Milieu. Alexander interessierte sich während eines Aufenthalts in Paris zusammen mit seiner Schwester für die französische Impressionistenbewegung: Letztere war bereits Teil des impressionistischen Milieus, nahm an den Gruppenausstellungen dieser Künstler teil, stellte in den Salons aus und faszinierte Edgar Degas (Paris, 1834 - 1917) mit seiner Kunst. Es gelang ihm auch, mit dem Kunsthändler Paul Durand Ruel (Paris, 1831 - 1922) zusammenzuarbeiten, um eine beträchtliche Anzahl impressionistischer Gemälde zwischen Philadelphia und New York auszustellen. Von der Begeisterung seiner Schwester angesteckt, legte Alexander 1882 eine eigene Sammlungimpressionistischer Werke an und drängte Mitbürger und Freunde zum Kauf ähnlicher Gemälde. Werke, die im Laufe der Zeit ihren Weg in die ständigen Sammlungen des Philadelphia Museum of Art fanden.

Mary Cassatt gab den Anstoß zum Kauf von impressionistischen Gemälden für ihren Bruder Alexander mit einem Gemälde von Degas: Die tanzende Klasse, das der Künstler um 1880 malte. Seinem Lieblingsthema entsprechend stellt Degas die Welt des Tanzes auf der Leinwand dar, insbesondere Tänzerinnen und Tänzer, die während des Unterrichts im Atelier üben: Die einen führen in ihren Tutus anmutig auf Zehenspitzen einen Tanzschritt unter den aufmerksamen Blicken der Lehrerin vor, die anderen bereiten sich auf ihren Auftritt vor. Die weibliche Figur in blauem Kleid und Hut, die auf einem Stuhl sitzt und eine Zeitung liest, wurde später vom Künstler selbst verändert: Nach den Erkenntnissen, die durch Röntgenaufnahmen gewonnen wurden, handelt es sich um eine Ballerina, die einen Pantoffel zurechtrückt.

Zu Alexanders Impressionistensammlung gehörten natürlich auch Werke seiner Schwester, wie das raffinierte und genaue Gemälde einer Frau mit Perlenkette in einer Schachtel (1879). Dieses Gemälde besticht durch seine Detailgenauigkeit und die Nuancen in Kleid, Accessoires, Frisur und Gesicht, das von einem künstlichen Licht beleuchtet wird, das ein natürliches Spiel von Licht und Schatten erzeugt. Man beachte die Raffinesse der Perlenkette, die den Hals der Frau schmückt, und den Fächer, den sie so elegant in ihrer rechten Hand hält. Hinter der Frau ist ein Spiegel zu sehen, in dem sich neben ihrer Figur von hinten auch andere Zuschauer, die in den Logen vor ihr stehen, spiegeln. Ein weiterer Künstler in der Cassatt-Sammlung war Claude Monet (Paris, 1840 - Giverny, 1926), der hier mit einem Gemälde aus der Zeit um 1874 vertreten ist, das die Zuiderkerk in Amsterdam zeigt, die so genannte Südkirche, die erste protestantische Kirche der Stadt, vom Groenburgwal aus gesehen, einem Kanal in Amsterdam. Eines der wiederkehrenden Merkmale der Malerei Monets ist in diesem Bild zu sehen: die Reflexion des Sonnenlichts auf dem Wasser. Letzteres wird mit schnellen, kurzen Pinselstrichen in verschiedenen Blautönen wiedergegeben, so dass der Eindruck von Bewegung in der Gracht entsteht.

Edgar Degas, Die tanzende Klasse (um 1880; Öl auf Leinwand, 82,2 x 76,8 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Mary Cassatt, Frau mit Perlenkette in einer Schachtel (1879; Öl auf Leinwand, 81,3 x 59,7 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Claude Monet, Die Zuiderkerk in Amsterdam (um 1874; Öl auf Leinwand, 54,4 x 65,4 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Die nächsten drei Abschnitte der Ausstellung in Mailand sind drei verschiedenen Themen gewidmet: Zunächst wird ein grundlegender Aspekt des Impressionismus beleuchtet, nämlich die Art und Weise, wie die Künstler dieser Kunstrichtung die Malerei revolutionierten, indem sie im Laufe ihres Schaffens ihre Ateliers und Innenräume zugunsten des Malens en plein air, unter freiem Himmel, im Kontakt mit der Natur oder in der Stadtlandschaft verließen. So hat der Besucher das Gefühl, den von Monet 1873 dargestellten geschützten Weg im Pariser Vorort Argenteuil entlangzugehen, hinter dem Mann, der zwischen den durch das Sonnenlicht in verschiedenen Grüntönen leuchtenden Bäumen spazieren geht - Das Gemälde wurde von Elizabeth Donner Norment, der Tochter eines Stahlmagnaten aus Philadelphia, gekauft und später dem Philadelphia Museum of Art gestiftet. Oder vor der japanischen Brücke (1895) in Monets Garten in Giverny auf dem Gemälde, das von Otto >Haas, dem Besitzer eines Chemieunternehmens in Philadelphia, gekauft wurde. Oder am Ufer des Loing, eines Nebenflusses der Seine, der auf dem Gemälde von Alfred Sisley (Paris, 1839 - Moret-sur-Loing, 1899) aus dem Jahr 1885 zu sehen ist, sowie auf Paul Cézannes (Aix-en-Provence, 1839 - 1906) Winterlandschaft in Giverny aus dem Jahr 1894, als Monet den Maler einlud. In einer städtischen Landschaft ist der Jahrmarkt an einem sonnigen Nachmittag in Dieppe (1901) angesiedelt, ein Gemälde von Camille Pissarro (Charlotte Amalie, 1830 - Paris, 1903) mit den Geräuschen, Bewegungen und Farben des jährlichen Sommermarktes: Pissarro hat den Platz von einem Zimmer des Hôteldu Commerce in Dieppe aus gemalt, da eine chronische Augenentzündung ihm das Malen im Freien erschwerte; das Gemälde wurde vom Künstler an die Galerie Durand-Ruel verkauft und später von Sammlern gekauft, um es in ihren Häusern in Philadelphia auszustellen. Ein weiteres Beispiel ist das Gemälde von Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919), Die Grands Boulevards (1875), auf dem Gruppen von Menschen, einige in Pferdekutschen, auf den breiten Pariser Boulevards zwischen steinernen, von Bäumen durchsetzten Gebäuden flanieren.

Der nächste Abschnitt befasst sich mit der Art und Weise, wie die Impressionisten Porträts von menschlichen Figuren anfertigten, die im Allgemeinen von derUnmittelbarkeit des Augenblicks bewegt wurden. Er beginnt mit dem Porträt der Madame Cézanne (1885-87): Cézanne beschloss, nicht nach Paris zu ziehen, sondern zog die weniger chaotische Umgebung von Aix-en-Provence vor. Daher sind in seinen Porträts sehr oft Familienmitglieder zu sehen, wie in diesem Fall, in dem er seine Frau Hortense Fiquet- die auf mehr als vierundvierzig Gemälden und Zeichnungen zu sehen ist - wahrscheinlich im Freien porträtiert, denn am oberen Rand des Bildes sind einige Zweige einer Kletterpflanze zu erkennen. Renoir zog es vor, sehr junge Mädchen zu porträtieren, mit besonderem Augenmerk auf die Details der Kleidung, wie in Mädchen mit rotem Kragen (um 1896), wo sich das Auge des Betrachters sofort und unweigerlich auf den hellen, dampfenden Kragen um ihren Hals konzentriert, oder in dem zarten Mädchen beim Klöppeln (1906), wo ein fast schimmernder gearbeiteter Stoff zu sehen ist. Berthe Morisot (Bourges, 1841 - Paris, 1895) malte auch Porträts von sehr jungen Menschen; das Porträt eines kleinen Mädchens (1894) ist ein Beispiel dafür in der Ausstellung: Sie näherte sich der Malerin, indem sie sich als Marcelle, ein kleines Mädchen, vorstellte; die Künstlerin porträtierte sie mindestens sechs Mal, und selbst als Morisot starb, wurde ein unvollendetes Porträt von Marcelle auf ihrer Staffelei gefunden.

Claude Monet, Geschützter Pfad (1873; Öl auf Leinwand, 54,1 x 65,7 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Claude Monet, Die japanische Brücke (1895; Öl auf Leinwand, 78,7 x 97,8 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Alfred Sisley, Die Ufer des Loing (1885; Öl auf Leinwand, 55,1 x 73,3 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Paul Cézanne, Winterlandschaft (um 1874; Öl auf Leinwand, 65,1 x 81 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Camille Pissarro, Jahrmarkt an einem sonnigen Nachmittag, Dieppe (1901; Öl auf Leinwand, 73,5 x 92,1 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Die Grands Boulevards (1875; Öl auf Leinwand, 52,1 x 63,5 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Mädchen mit roter Halskrause (um 1896; Öl auf Leinwand, 73,5 x 92,1 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Mädchen beim Klöppeln (1906; Öl auf Leinwand, 56,5 x 46,7 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Berthe Morisot, Porträt eines Mädchens (1894; Öl auf Leinwand, 54,4 x 65,4 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Weiter geht es mit dem Abschnitt, der Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) und Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903) gewidmet ist: Die beiden lebten zusammen in dem berühmten gelben Haus, einem kleinen Atelier in Südfrankreich, aber die Erfahrung war nicht von langer Dauer und führte sogar zu einem Angriff von Van Gogh auf Gauguin. In der Mailänder Ausstellung sind zwei Stillleben der beiden Künstler zu sehen: Das von Gauguin in gedämpften Tönen gehaltene zeigt eine Reihe von Zentifolienrosen in einem Korb, während Van Gogh in dunkleren, kräftigeren Tönen einen Strauß verschiedenfarbiger Gänseblümchen in einem grauen und grünen deutschen Bierkrug darstellt. Auch ein Porträt findet sich in dieser Abteilung: es ist Van Goghs Porträt von Camille Roulin (1888), dem Sohn des Postboten von Arles. Auffallend ist die auf Komplementärfarben basierende Malerei des Künstlers: Das Blau der Mütze und der Augen des Kindes hebt sich vom Gelb des Gesichts und des Hintergrunds ab, das Grün der Jacke vom Rot des Knopfes und der Kontur der Jacke.

Das Philadelphia Museum of Art wurde auch durch die White-Sammlung bereichert: rund vierhundert Werke, die von Samuel Stockton White (1876 - 1952) und seiner Frau, der Malerin Vera McEntire, gesammelt wurden und die den Übergang vom Postimpressionismus zur Avantgarde voll zur Geltung bringen, angefangen bei einem Gemälde von Cézanne, das dem Kubismus nahe kommt, und den Stillleben von Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963). Beispiele für letztere in der Ausstellung sind der Korb mit Fischen (um 1910), in dem ein diagonal angeordnetes Fischpaar in facettierten Formen in matten Brauntönen in der Mitte der Leinwand abgebildet ist, während nur der Henkel und der untere Teil des Korbes zu sehen sind; In Stillleben mit Obstteller (1936) fällt die Wiederholung von ornamentalen Zeichen in verschiedenen Farben auf, die eine Reihe von für ein Stillleben typischen Elementen schmücken, nämlich einen Obstteller, ein Weinglas, den Kopf einer Zeitung, eine Pfeife und Obst auf einem Tisch. Von Cézanne stammt dagegen Le Quartier du Four à Auvers-sur-Oise (Landschaft, Auvers), das um 1873 entstand: Hier nimmt die Landschaft des kleinen Dorfes nordwestlich von Paris fast geometrische Formen an, indem die kantigen Umrisse der Häuser und der umgebenden Bäume mit runderen Linien umrissen werden. In der Mitte des Raumes ist die kleine Bronze desAthleten von Auguste Rodin (Paris, 1840 - Meudon, 1917) zu sehen: Die Skulptur ist Samuel Stockton White nachempfunden, der dem Künstler 1901 während eines Aufenthalts in Paris dank seines Körpers als Bodybuilder, als"amerikanischer Athlet", Modell stand (Rodin war fasziniert von dem breiten, muskulösen Rücken des Cambridge-Studenten, Erbe eines Familienunternehmens für Dentalprodukte, der später einer der großen Sammler wurde, die zur Gründung des Museums in Philadelphia beitrugen).

Zu den bereits erwähnten Werken kamen Gemälde von Avantgardekünstlern hinzu, die sich auf zwei berühmte Viertel von Paris konzentriert hatten: Montmartre und Montparnasse. Während in Montmartre vor allem Kubisten wie Pablo Picasso (Malaga, 1881 - Mougins, 1973), Georges Braque und Juan Gris (Madrid, 1887 - Boulogne-sur-Seine, 1927) lebten, war Montparnasse das Zentrum derÉcole de Paris, der Künstler aus aller Welt angehörten, wie Constantin Brâncuși (Hobitza, 1876 - Paris, 1957) aus Rumänien, Chaim Soutine (Smilovi?, 1893 - Paris, 1943) und Marc Chagall (Vitebsk, 1887 - Saint-Paul-de-Vence, 1985) aus Russland, beide Juden. In der französischen Stadt entwickelte sich auch die Gruppe der Fauves, wörtlich " wilde Tiere", benannt nach einem Kritiker, der von den Farben dieser Künstler und ihreraggressiven und brutalen Linienführung auf dem Salon d’Automne 1905 fasziniert war: Der Stammvater der Fauves war Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 - Nizza, 1954), begleitet von Maurice de Vlaminck (Paris, 1876 - Rueil-la-Gadelière, 1958), Raoul Dufy (Le Havre, 1877 - Forcalquier, 1953) und Georges Rouault (Paris, 1871 - 1958). Die Umrisse von Rouaults Pierrot mit Rose (um 1936) werden von sehr starken schwarzen Linien umrissen: In diesem Gemälde verbindet der Künstler das traditionell unglückliche Subjekt mit der religiösen Sphäre, indem er den stummen Clown mit Christus vergleicht, dem ersten Beispiel eines Opferopfers. Diese Verbindung wird durch die rote Rose unterstrichen, die der Pierrot in der Hand hält und die das Blut Christi symbolisiert. Ein insgesamt leuchtendes Werk, in dem das Weiß des Kleides und das Leuchten des Gesichts hervorstechen, das jedoch eine religiöse Botschaft verbirgt, ein Aspekt, der dem starken Katholizismus des Künstlers entspricht. Eine starke Leuchtkraft durchdringt auch Dufys Gemälde Fenster an der Promenade des Anglais in Nizza (um 1938): Die Mitte des Fensters teilt den Blick aus seinem Atelier an der Promenade des Anglais in Wirklichkeit in zwei Teile, da die linke, dem Meer zugewandte Seite dunkler erscheint als die rechte, der Stadt zugewandte Seite, die heller und reicher an Elementen wie dem Strand, Gebäuden und Passanten ist.

Vincent van Gogh, Porträt von Camille Roulin (1888; Öl auf Leinwand, 73,5 x 92,1 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Georges Braque, Stillleben mit Obstteller (1936; Öl auf Leinwand, 60,3 x 81,3 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Paul Cézanne, Le Quartier du Four à Auvers-sur-Oise (Landschaft, Auvers) (um 1873; Öl auf Leinwand, 46,4 x 55,2 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Auguste Rodin, Sportler (1901, gegossen 1925; Bronze, 42,9 x 31,8 x 28,6 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Georges Rouault, Pierrot mit Rose (um 1936; Öl auf Papier auf Leinen geklebt, 92,7 x 61,8 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Raoul Dufy, Fenster an der Promenade des Anglais in Nizza (um 1938; Öl auf Leinwand, 46 x 38,3 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Der aus der Ukraine stammende Rechtsanwalt Louis Stern (1886 - 1962), der in jungen Jahren in die Vereinigten Staaten übersiedelte, leistete einen bedeutenden Beitrag zum Philadelphia Museum of Art, sowohl in menschlicher als auch in künstlerischer Hinsicht. Stern war viele Jahre lang Verwalter des Philadelphia Museum of Art und vermachte dem Museum bei seinem Tod etwa dreihundert Kunstwerke, darunter auch die in der Ausstellung gezeigten Gemälde von Matisse. Die Frau im Sessel (1920) und das Stillleben auf einem Tisch (1925) sind Beispiele dafür. Ersteres gehört zu einer Reihe von Werken, deren Protagonisten Frauen sind, die im Hôtelde la Mediterranée in Nizza posieren, wo sich der Maler zwischen den 1910er und 1920er Jahren eine Zeit lang aufhielt. Die Frau sitzt bequem auf einem gelben Sessel und scheint gerade in ihr Hotelzimmer zurückgekehrt zu sein: Sie ist barfuß, ihre Schuhe stehen auf dem Boden neben dem Sessel und ihre Mütze liegt auf der Rückenlehne des Sessels zu ihrer Linken.

Die weibliche Figur in der Mitte ist von Wandteppichen mit floralen Ornamenten auf dem Boden und an den Wänden umgeben, die auf die hinter ihr stehende Blumenvase verweisen. Die zweite Leinwand weist weniger Ornamente auf als die vorherige, die nur auf dem Bildschirm und der Keramiktasse mit Untertasse zu sehen sind. Das Gemälde gehört zu den Kompositionen von Stillleben auf Tischen, die mit mehrfarbigen Tischdecken bedeckt sind, die in den Jahren 1924 und 1925 gemalt wurden: Die Farben der verschiedenen Elemente, die auf dem Tisch platziert sind, bilden eine Gesamtharmonie auf der Leinwand; das Gelb der Zitronen, das Purpurrot der Pflaumen, das Grün der Vase, die verschiedenfarbigen Anemonen im Inneren der Vase und das Rosa der Tischdecke stehen in perfekter Harmonie.

Als großer Sammler verglich Stern Werke der modernen Malerei mit archäologischen Objekten aus verschiedenen Kontinenten, um in ihnen eine gemeinsame expressive Essenz zu finden; er war fasziniert von den Werken des Zollbeamten Henri Rousseau (Laval, 1844 - Paris, 1910), dessen Gemälde Ein Karnevalsabend (1886) in der Ausstellung gezeigt wird. In diesem Gemälde herrscht eine geheimnisvolle Atmosphäre: Ein Mann und eine Frau in Karnevalskostümen sind mit einer unglaublichen Leuchtkraft dargestellt, die sich von dem dunklen und dichten Hintergrund kahler Bäume abheben; die beiden werden von einer Person beobachtet, deren Gesicht nur zu sehen ist und die in einem seltsamen Gebilde erscheint, das ebenfalls vom Schein des Vollmonds erleuchtet wird.

Der Anwalt und Sammler schloss eine Freundschaft mit Chagall, einem russisch-jüdischen Maler, der während des Zweiten Weltkriegs in die Vereinigten Staaten übersiedelte; die beiden verständigten sich auf Russisch und Jiddisch, was ihrer gemeinsamen Herkunft zu verdanken war: Stern stammte, wie erwähnt, aus einer kleinen Stadt in der heutigen Ukraine, Balta, die an der Grenze zu Moldawien lag, der historischen Heimat einer jüdischen Gemeinde. Unter den sechsundzwanzig Gemälden von Chagall, die Stern besaß, ist ein berühmtes und spannendes Gemälde in der Mailänder Ausstellung zu sehen: In der Nacht (1943). Das Gemälde entstand während des Zweiten Weltkriegs, als Chagall im New Yorker Exil lebte, und stellt die Erinnerung an die Hochzeitsnacht zwischen dem russischen Künstler und seiner Frau Bella Rosenfeld dar. Die beiden Frischvermählten umarmen sich in einer zärtlichen, romantischen Umarmung im Zentrum der vom Mondlicht und einer Zimmerlampe beleuchteten Szene; um sie herum weißer Schnee, der sich von der Schwärze der Nacht abhebt, und die kleinen Häuser ihrer Heimatstadt Witebsk im heutigen Belarus.

Henri Matisse, Frau in einem Sessel sitzend (1920; Öl auf Leinwand, 46,4 x 39,4 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Henri Rousseau, Ein Karnevalsabend (1886; Öl auf Leinwand, 117,3 x 89,5 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Marc Chagall, In der Nacht (1943; Öl auf Leinwand, 47 x 52,4 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Der nächste Raum dreht sich um den berühmten Kuss von Brâncuși (1916), bei dem die beiden Figuren eins werden, eine Skulptur aus der Sammlung des Ehepaars Arensberg, Walter (Pittsburgh, 1878 - Los Angeles, 1954), einem Dichter und Übersetzer der Göttlichen Komödie, und Louise (1879 - 1953), einer Pianistin. Ihre große Leidenschaft für die Kunst und das Sammeln wurde 1913 bei einem Besuch der Armory Show in New York geweckt, wo das große Porträt, das in diesem Raum zu sehen ist, von Albert Gleizes (Paris, 1881 - Avignon, 1953) aus dem Jahr 1912 ausgestellt war: Es handelt sich um denMann auf dem Balkon oder das Porträt von Dr. Théo Morinaud, ein Beispiel des Salonkubismus. Das Werk zeigt die monumentale Ganzfigur des Arztes in Braun-, Grau- und Weißtönen mit einem Blick auf Paris vom Balkon aus. Neben dem Kuss von Brâncuși besaßen die Arensbergs die Teestunde (1911) von Jean Metzinger (Nantes, 1883 - Paris, 1956), die ebenfalls dem kubistischen Genre zuzuordnen ist, sowie den Karneval im Dorf (1926) von Paul Klee (Münchenbuchsee, 1879).nchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940), das ganz in Rot- und Schwarztönen gehalten ist und einen maskierten Mann und ein Kind mit einem Hund und einer dritten Figur hinter ihnen zeigt, die auf ein Dorf zugehen. Und wiederum Kreise im Kreis (1923) von Wassily Kandinsky (Moskau 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944), ein Werk, das Kandinsky als “das erste meiner Gemälde, das das Thema des Kreises hervorhebt” bezeichnete: Für den Künstler war der Kreis die elementarste Figur, die die Synthese von Gegensätzen in einer einzigen ausgewogenen Form symbolisieren konnte. In Picassos Mann mit Geige (1911 - 1912) sieht man in der Mitte eine männliche Figur und im unteren Teil Details einer Geige und die Armlehne des Sessels, auf dem der Mann sitzt. Der Körper und die Gegenstände erscheinen bereits in geometrische Formen zerlegt, viel mehr als in den oben erwähnten Gemälden von Metzinger und Gleizes. Bei Künstlern wie Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983) werden die menschlichen Figuren surreal : Dies wird in dem im letzten Raum der Mailänder Ausstellung gezeigten Werk mit einem Akt (1926), das ebenfalls zur Sammlung Arensberg gehört, gut veranschaulicht. Auf einer schwarzen Leinwand ist der Körper einer Frau in Form eines weißen, aufrecht stehenden Fisches angeordnet, der an ein eng anliegendes Kleid erinnert; die vom Körper gelösten Brüste sind durch einen Apfel und eine Rübe dargestellt, die Genitalien durch ein Blatt. Der Kopf ist ein Ei mit einem Auge, an dem ein paar Locken befestigt sind, die zur Seite flattern.

Neben der Leinwand von Miró begleiten Werke von Salvador Dalí (Figueres, 1904 - 1989) und Yves Tanguy (Paris, 1900 - Woodbury, 1955) den Besucher zum Abschluss der Ausstellung: Wie der Erstgenannte gehören auch sie zum Surrealismus, einer Strömung, die von Künstlern verschiedener Nationen aufgegriffen wurde. Die von dem französischen Künstler Tanguy in I Paralleli (1929) dargestellte Landschaft ist sowohl terrestrisch als auch aquatisch und weist abstrakte Elemente auf, die in der eher unbestimmten dargestellten Umgebung zu schweben scheinen. Der Künstler steht voll und ganz hinter dem Automatismus, der darin besteht, die Vernunft und die Selbstkontrolle außer Kraft zu setzen, um den unbedingten Fluss der Bilder aus dem Unterbewusstsein zu ermöglichen. Ordentlicher ist das Gemälde Agnostic Symbol (1932) des katalanischen Künstlers Dalí, das einen Löffel zeigt, der sich diagonal von der Ecke einer rissigen Wand aus um einen Holzklotz zur Mitte hin biegt; im konkaven Teil ist eine Uhr zu sehen. Der Agnostizismus war ein Charakteristikum von Arensberg selbst, zu dem das Gemälde gehörte: Er war nicht nur ein überzeugter Agnostiker, sondern auch ein Kryptograph, der gerne versteckte Botschaften in geschriebenen Texten entdeckte. Die Ausstellung schließt mit einem großen Gemälde von Picasso, das eine Frau mit Kind (1961) darstellt: Bei der Frau handelt es sich um Jacqueline Roque - das Werk wurde kurz nach der Heirat des Künstlers mit ihr vollendet -, während die beiden Kinder wahrscheinlich Paloma Picasso, Picassos Tochter aus seiner Beziehung mit Françoise Gilot, und Catherine Hutin-Blay, Jacquelines Tochter aus ihrer ersten Ehe, sind. Die drei Frauenfiguren sind harmonisch mit einem Farbspiel aus Rosa, Blau und Grün dargestellt.

Constantin Brâncuși, Der Kuss (1916; Kalkstein, 58,4 x 33,7 x 25,4 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Albert Gleizes, Mann auf dem Balkon oder Porträt von Dr. Théo Morinaud (1912; Öl auf Leinwand, 195,6 x 114,9 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Jean Metzinger, Tea Time (1911; Öl auf Karton, 75,9 x 70,2 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Paul Klee, Karneval im Dorf (1926; Öl auf Leinwand auf Tafel, 65,2 x 44 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Vasilij Kandinsky, Kreise in einem Kreis (1923; Öl auf Leinwand, 98,7 x 95,6 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Pablo Picasso, Mann mit Geige (1911-1912; Öl auf Leinwand, 116,8 x 89,5 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Joan Miró, Akt (1926; Öl auf Leinwand, 92,4 x 73,7 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Yves Tanguy, Die Parallelen (1929; Öl auf Leinwand, 92,2 x 73 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Salvador Dalí, Agnostisches Symbol (1932; Öl auf Leinwand, 54 x 65,2 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Pablo Picasso, Frauen und Mädchen (1961; Öl auf Leinwand, 146 x 113,7 cm; Philadelphia, Philadelphia Museum of Art)

Wie bereits erwähnt, bedeutet ein Besuch der Ausstellung"Impressionismus und Avantgarde", dass man versteht, wie das berühmte Philadelphia Museum of Art, eines der Flaggschiffe der Vereinigten Staaten, im Laufe der Jahre entstanden ist, und dass man gleichzeitig die wichtigsten künstlerischen Strömungen, die sich zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert in Europa entwickelt haben, anhand der Werke der jeweils größten und berühmtesten Künstler nachvollziehen kann. Es bedeutet auch zu verstehen, wie das Sammeln für die Verbreitung von Meisterwerken europäischer Künstler auf amerikanischem Boden von grundlegender Bedeutung war. Es ist wirklich so, dass man sagen kann... wenn die Kunst die Kunst ruft!

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