Uguali e Disuguali: Die Szenarien der italienischen Kunst in einer unverzichtbaren Ausstellung in Carrara

Die tiefe kulturelle Düsternis, die Carrara allzu lange umhüllt hat, wird gelegentlich durch Lichtblitze aus einer klar definierten Quelle erhellt: den Sälen des Vôtre im Palazzo del Medico aus dem 18. Jahrhundert, die derzeit der einzige Raum in der Stadt sind, der bis zur Wiedereröffnung der Ausstellungen der Conti-Stiftung im Palazzo Cucchiari dem Publikum ein auf Qualität und Kontinuität basierendes Programm bieten kann. Nach der sommerlichen Euphorie der Cybei-Ausstellung ist Carrara wieder in seine übliche düstere und träge Lethargie verfallen: Es gibt keine Neuigkeiten über die künftige Eröffnung des Mudac, der Carmi bleibt weiterhin ein mysteriöses Objekt (vielleicht sogar für die Stadtverwaltung selbst), über das Marmormuseum wird nur im Zusammenhang mit seiner möglichen (und in diesem Fall improvisierten) Verlegung in das historische Zentrum gesprochen, und die Fondazione CRC schwankt zwischen Höhen und Tiefen, offenbar ohne eine definierte Vision und ohne sich die Mühe zu machen, zumindest für die Ausstellungen auf der Plakatwand das gleiche Niveau zwischen einer Ausstellung und der darauf folgenden zu halten. In einem Carrara, in dem die Kultur heute völlig sich selbst überlassen ist, hat es sich Vôtre zur Aufgabe gemacht, der Außenwelt das Bild einer Stadt zu vermitteln, in der immerhin noch eine Flamme des Lebens brennt. Und das mit einem wichtigen Projekt: Uguali Disuguali (Ungleiche Gleiche Ungleiche), das auf die Gruppenausstellung KRU folgt, die ganz der jungen Kunst gewidmet war, auf die wichtige Einzelausstellung von Michelangelo Galliani, auf die Ausstellungstribute von Francesco Lauretta und Andrea Di Marco und auf die zahlreichen Initiativen des Projektraums, die junge, aufstrebende und wiederentdeckbare Künstler gefördert und unterstützt haben.

Die von dem unermüdlichen Nicola Ricci kuratierte und in Zusammenarbeit mit der Galerie Giovanni Bonelli organisierte Ausstellung Uguali Disuguali trägt denselben Titel wie eine Ausstellung, die Ricci selbst 2018 in den Räumen des Palazzo Binelli kuratiert hatte. Die Idee war einfach: in die Räume, die damals eine Auswahl an neoklassischen und romantischen Gipsabgüssen der Akademie der Schönen Künste beherbergten, eine Gruppe italienischer und internationaler Künstler zu bringen, die alle bereits etabliert und in einigen Fällen bereits historisiert waren, um Übereinstimmungen und Unstimmigkeiten zwischen den Werken von vor zwei Jahrhunderten und den Kunstformen von heute aufzuzeigen. Uguali Disuguali waren aber auch die Sprachen der einzelnen zeitgenössischen Künstler: Harmonien und Dissonanzen ergaben sich also auch aus den Gegenüberstellungen der Werke der neunzehn Autoren, die Ricci für eine Gruppenausstellung ausgewählt hatte, die rückblickend eines der interessantesten Projekte der letzten fünf Jahre in Carrara war. Wir gehen also wieder von diesem Vorschlag aus, und heute sind die Uguali Disuguali die Künstler selbst. Ihre Zahl ist gestiegen (es sind 25) und sie beschränken sich auf die italienische Szene, aber die Auswahl basiert immer auf der Idee, die Namen, die jetzt in die Handbücher der Kunstgeschichte eingegangen sind, mit denen der so genannten Mid-Career-Künstler zu vergleichen, die bereits etabliert oder im Entstehen sind. Und mit der radikalen Entscheidung, nur Malerei und Bildhauerei auszustellen (mit nur zwei Ausnahmen, wie wir sehen werden), und damit den Weg in die Richtung zu weisen, die die zeitgenössische Kunst mit zunehmender Überzeugung einschlägt, wie auch die großen internationalen Veranstaltungen und Messen zeigen. Dabei wird versucht, wenn schon nicht alle, so doch zumindest einen guten Teil der Sprachen zu repräsentieren, in denen sich die italienische Gegenwartskunst an ihr Publikum wendet.

Die Ausstellung beginnt mit einer spektakulären Gegenüberstellung von zwei großformatigen Werken, nämlich einem Werk von Aldo Mondino, das den Derwischen gewidmet ist, die ihn auf seinen Asienreisen so fasziniert haben(Sufi, 2004), und einer Ansicht(Torno domani, 2009, Öl auf Leinen) von einem der größten lebenden italienischen Landschaftsmaler, Giovanni Frangi. Auf der einen Seite tanzen islamische Mystiker auf Linoleum und werden so zu einer Art Alter Ego von Aldo Mondino, der nie einen Hehl daraus machte, dass Malen für ihn wie Beten war, wie das Aufsteigen in einen Zustand der Ekstase. Andererseits ist die flüssige Malerei des lombardischen Künstlers nicht weniger reich an philosophischen Implikationen: Die in seinem Werk allgegenwärtigen Meereslandschaften sind lyrische und kontemplative Landschaften, die dazu bestimmt sind, im Bewusstsein der Vergänglichkeit des Daseins eingeatmet und meditiert zu werden (man beachte, dass Frangi im folgenden Jahr eine Serie mit dem programmatischen Titel Wabi Sabi malen würde). Das Thema der Betrachtung folgt und endet im nächsten Raum mit einem weiteren Vergleich zwischen Salvos Primavera und einem Gemälde von Ennio Morlotti, um zwei radikal unterschiedliche Auffassungen von Landschaftsmalerei in einen Dialog zu bringen, die jedoch zu einem gar nicht so weit entfernten Ergebnis kommen: uns von der Realität wegzuführen. Auf der einen Seite also die farbenfrohen, leuchtenden und fast märchenhaften Welten von Salvo und auf der anderen Seite das informelle Werk von Morlotti aus den 1980er Jahren, das nicht darauf abzielt, uns ein Bild einer Landschaft zu geben, sondern vielmehr den Geist zu evozieren, der über diesem Ort schwebt, mit einer Malerei, die nicht beschreibt, sondern in die Realität eintaucht, um ihre verborgensten und verborgensten Elemente zu ergründen. Vervollständigt wird der Raum durch eine kleine Auswahl von Arbeiten von Fausto Melotti, zwei aus den 1970er Jahren und eine aus dem Jahr 1936, die an den ewigen Kampf zwischen Natur und Kultur erinnern, ein historischer und künstlerischer Topos, der in fast jeder Epoche präsent ist. Letztere ist das älteste Werk der Ausstellung und gehört zu einem Punkt, der die maximale Annäherung des großen Künstlers aus dem Trentino, der kurz zuvor seinen Abschluss in Elektrotechnik am Mailänder Polytechnikum gemacht hatte, an die Ideen des Rationalismus markiert.

Der Rundgang durch die mit Fresken geschmückten Räume des Palazzo del Medico endet im nächsten Saal, in dem ein außergewöhnliches Gemälde von Omar Galliani, Die Schluchten von Smyrna, und Marco Tirellis monumentaler Efisio zu sehen sind. Wir kehren also zur großformatigen Malerei zurück, mit zwei Werken von höchster Qualität, die auch gut in ein Museum passen würden. Renato Barilli hatte bei der bahnbrechenden Anniottanta-Ausstellung, die 1985 in der Galleria d’Arte Comunale in Bologna (dem heutigen MAMbo, das inzwischen den Standort gewechselt hat) stattfand, Galliani und Tirelli auf zwei entgegengesetzte Pole gestellt. Galliani stand auf der einen Seite des Anachronismus, der Wiederherstellung der Vergangenheit. Heute kennen wir den emilianischen Künstler als einen sehr guten Zeichner, und es wird daher überraschen, dieses frühe Meisterwerk von ihm zu sehen, das symbolistische Atmosphären mit einem neo-venezianischen Malstil, durchdrungen von tizianischen Erinnerungen, in Erinnerung ruft. Tirelli hingegen wird im Bereich der Postabstraktion angesiedelt, als Vertreter der Neuen Römischen Schule, deren vielleicht wesentlichster und rigorosester Künstler er ist, wie sein Werk in der Ausstellung beweist, eine Formensuche, die die Realität auf ihre Essenz reduzieren will, um sich allen Möglichkeiten zu öffnen und dem Betrachter zu erlauben, über das Wahrgenommene hinauszugehen.

In der großen zentralen Halle fungiert eine Collage aus den 1980er Jahren von Giulio Turcato, die allein an einer Wand steht, als eine Art historische Einführung: ein letzter Funke der Neo-Avantgarde, bevor sie in die Malerei der Gegenwart eintaucht. Um die Sprachverwandtschaft zu gewährleisten, wird ein großer Stoff der toskanischen Künstlerin Michela Martello neben einem Gemälde ohne Titel von Sandro Chia ausgestellt, denn in einer Ausstellung, die einen Teil der wichtigsten Entwicklungen der italienischen Kunst der letzten zwei Jahrzehnte historisch nachzeichnen will, ist ein Bezug zur Transavanguardia fast schon obligatorisch. Und heute ist Cingolani einer der italienischen Künstler, die am besten mit Farbe arbeiten: In der Mitte seiner Karriere steht Comizio dei poeti, eine Art wirbelnder und berauschender Trip, der den ganzen Nonkonformismus eines Künstlers vermittelt, der von einem ungewöhnlichen Vitalismus beseelt ist. Neben ihm, um den Diskurs über die Farbe fortzusetzen, bewundern wir einen Künstler derselben Generation, Massimo Kaufmann, mit einer seiner extrem strengen Abstraktionen, in der die chromatischen Werte auf der Leinwand wie Noten in einer ausgewogenen Partitur angeordnet sind. Nicht weit davon entfernt befindet sich eine wunderbare Passeggiata rossa (Rote Promenade ) von Francesco Lauretta, einem Künstler, der sich der Figuration verschrieben hat, jedoch in einem stark evokativen Sinne: Dieses Gemälde, das uns an die Poetik des paysage-état d’âme erinnert, spricht direkt zu unserem Innersten.

Ein Mosaik von Mauro Manetti, Manto, unterbricht den Rhythmus und stellt weitere Erfahrungen vor, die von Federico Fusj, einem der drei einzigen Künstler, die auch 2018 bei Uguali Disuguali anwesend waren (die anderen waren Nicola Carrino und Luigi Mainolfi) und der in diesem neuen Kapitel des Projekts mit einem seiner Werke auf Papier ankommt, die Farbe mit Persönlichkeit verbinden, und Gabriele Landi, ein raffinierter geometrischer Maler und Bildhauer, der in der Lage ist, raffinierte Gleichgewichte von Formen und Farben zu schaffen, die fast von ihrem eigenen Licht zu leuchten scheinen. Eine ganz andere Sprache spricht hingegen Simone Pellegrini aus den Marken, einer der jüngsten Künstler der Ausstellung, mit seiner uralten, visionären, mehrdeutigen und zeitlosen Malerei, der Landkarten mit Symbolen schafft, die aus längst vergangenen Epochen wieder aufzutauchen scheinen. Dann ein weiterer Vertreter der Nuova Scuola Romana, Piero Pizzi Cannella, der mit seinen Vetri von 1997 in Uguali Disuguali vertreten ist. Zwei Meister schließen den Rundgang in der Malerei ab: Luigi Mainolfi, der auch und vor allem Bildhauer ist, wird mit zwei Werken gezeigt, die auf der zweidimensionalen Oberfläche an die Idee der Terrakotta erinnern, und Fabrizio Plessi, dessen Papierarbeit von 1982, Video installazione, ausgestellt wird. Project reflecting water, dessen Protagonist das Wasser ist, eines der zentralen Elemente in der Poetik des Künstlers aus Reggio Emilia.

Der Skulpturenteil, der die Ausstellung abschließt, beginnt mit den essentiellen Formen von Nicola Carrinos Decostruttivo aus Stahl, die durch eine der berühmten und surrealen Schildkrötenfrauen von Novello Finotti und in der Mitte durch eine Skulptur von Andrea Cascella ausgeglichen werden. In der Mitte des Raumes befindet sich das einzige Werk, das zusammen mit dem Mosaik von Manetti vom Binom Malerei-Skulptur abweicht: Es handelt sich um eine Installation von Antonia Ciampi, die aus Objekten besteht, die in Glaskästen auf Sockeln untergebracht und mit kurzen Inschriften versehen sind. Diese Werke sind typisch für ihre Produktion, da sie das Thema der Erinnerung wieder aufgreifen und sich als kleine Wunderkammern darstellen, die bis auf die Knochen reduziert sind und von dem Wunsch bestimmt werden, auf die Gefühle und Erinnerungen des Betrachters einzuwirken. Den Abschluss der Ausstellung bildet die jüngste Produktion eines der interessantesten und visionärsten Maler Italiens (der weitaus mehr Beachtung und Anerkennung verdient, als ihm derzeit zuteil wird), Roberto Chiabrera aus Genua, der in Uguali Disuguali eine neue Serie von Keramikarbeiten vorstellt, die, in der für seine Malerei typischen Art und Weise, die der amerikanischen Unruhe der verschiedenen Condo, Pettibon, Katz und anderen nahe steht, aber im mediterranen Licht neu betrachtet wird, sein typisches Repertoire aus Surfern, belebten Objekten, seltsamen und gequälten Figuren, die aus ständigen und andauernden Halluzinationen hervorzugehen scheinen, in drei Dimensionen überarbeitet.

Nicola Ricci hat bereits verlauten lassen, dass er das Projekt mit einer dritten Etappe abschließen und es dann für einen musealen Ort überdenken möchte. Die Auswahl ist nicht einfach und erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit, aber sie wird von einem sehr hohen Niveau getragen, von einer Qualität, die man bei kollektiven Ausstellungen zeitgenössischer Kunst, die in privaten Räumen organisiert werden, nicht oft sieht, und natürlich von einem Projekt von unzweifelhaftem Wert, das durch die Anwesenheit der historischen Meister vervollständigt wird, von denen der Forschungsweg der Ausstellung ausgeht, eine Untersuchung der Orientierungen der zeitgenössischen italienischen Kunst zwischen Abstraktion und Figuration, die in diesem Sinne einige beredte Erfahrungen auswählt. Mit all den Schwierigkeiten und dem daraus resultierenden und notwendigen Mut, den eine kollektive Ausstellung heute mit sich bringt. Das Ergebnis ist eine Ausstellung, die mit etwa dreißig Werken einen guten Teil der italienischen Szenarien von den 1980er Jahren bis heute nachzeichnet, mit einigen Einbrüchen in historische Annahmen, um einen Teil, der notwendigerweise weit davon entfernt ist, vollständig und rein beschreibend zu sein (die erklärte Absicht von Uguali Disuguali ist es, wenn überhaupt, einige Hinweise zu geben), aber aus diesem Grund nicht uninteressant ist, von jenem Reichtum an Ideen, Sprachen, Visionen und Modi, der die zeitgenössische italienische Kunst charakterisiert, herauszustellen.

Wie viele Räume in der Umgebung (die man auch auf die gesamte Region ausdehnen kann, aber es wäre nicht gewagt, noch weiter zu gehen) können es sich leisten, ähnliche Projekte wie Uguali Disuguali zu starten? Man muss sich in Museen oder Galerien umsehen, die auf dem nationalen, wenn nicht sogar auf dem internationalen Markt tätig sind: das ist, um einen Vergleich zu ziehen, das Niveau der Uguali Disuguali. Die Öffentlichkeit sollte diese Gelegenheit nutzen, die noch bis zum 8. Januar läuft. Es ist eine Gelegenheit, eine Ausstellung von großer Intensität zu sehen. Auch Carrara sollte sie nutzen: Die Stadt sollte endlich aus ihrer ruinösen und vernichtenden Erstarrung aufwachen und erkennen, dass Vôtre eine lebendige und leidenschaftliche Erfahrung ist, ein überraschender und anregender Workshop und ein Raum mit höchstem Potenzial, der es verdient, unterstützt und aufgewertet zu werden.

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