Tracey Emin, der Körper im Mittelpunkt. Die große Ausstellung im Palazzo Strozzi

Tracey Emin. Sex and Solitude ist die erste große Ausstellung, die der englischen Künstlerin in Italien gewidmet ist. Im Palazzo Strozzi in Florenz wird bis zum 20. Juli 2025 eine Ausstellung mit mehr als sechzig Werken zu sehen sein, die in einem Zeitraum von den 1990er Jahren bis heute entstanden sind. Skulpturen, Gemälde, Stickereien und Neonarbeiten offenbaren Emins komplexes Universum, in dem Intimität und Verletzlichkeit mit einer visionären “Gewalt” koexistieren, die an den Expressionismus und vor allem an Munch erinnert (Emins große Leidenschaft, wie sie selbst oft erklärt hat), aber auch an die großen Autoren des 20. Jahrhunderts wie Francis Bacon, Giacometti oder Louise Bourgeois. Die nervöse Unmittelbarkeit des Zeichens, die Plastizität des manipulierten Körpers, die Wesentlichkeit der Formen, die ihre ganze Korrumpierbarkeit offenbaren, bekräftigen eine rigorose Aufmerksamkeit für Themen, die schon immer grundlegende Schlüssel für die Kunst der Vergangenheit ebenso wie für die der Gegenwart waren. Der rote Faden des gesamten Ausstellungsprojekts ist in der Tat der Körper als ultimatives Szenario der Scharmützel der Existenz. Körper des Begehrens, des Sex, der Erschöpfung, der Isolation, der Korruption. Um es mit einem Wort zu sagen, das die gesamte Ausstellung zusammenfassen könnte: Wir stehen vor der Leidenschaft, vor dem doppelten Wert von Vergnügen und Aufopferung.

Die Poesie ist das lebendige Fleisch der Sprache, und zwischen dem gelebten Leben und der schöpferischen Arbeit kann es keinen Abstand geben. Wenn das Zeichen eine Wunde ist, eine Offenbarung eines Nachlebens, das bereits im Leben am Werk ist, so ist das Wort, im krassen und diametralen Gegensatz dazu, die Schatulle der Geheimnisse, die wir tief in uns tragen, oft dramatisch, manchmal schillernd und blendend. Tracey Emin weiß das sehr gut und bringt es mit einer Reihe von Figuren zum Ausdruck, die sich unserer Aufmerksamkeit ohne Filter und ohne Raffinesse aufdrängen. Emin stellt den Organismus in Frage, hebt räumliche Zwänge auf, kehrt zum Unmittelbaren, zum Bissigen und Voyeuristischen zurück. Ihre Dringlichkeit und expressive Intensität isolieren die Fragmente einer unwahrscheinlichen Anatomie und versetzen das Subjekt in Ehrfurcht.

Figurenkunst im Deleuz’schen Sinne. Die Figur als ein Diagramm organischer Linien. Der Philosoph ging sogar so weit zu sagen, dass “die Malerei ein Vergehen für die Augen werden muss”. Es ist, als gäbe es eine ständige Suche nach einem gestörten Pathos. Es ist unmöglich, Emins biografisches Universum von ihrem kreativen Prozess zu trennen, von den verwundeten, zerfetzten Körpern, die zu einem schmerzhaften Klumpen von Vitalität und Zerbrechlichkeit zugleich geronnen sind. Existieren heißt für sie erschaffen und erschaffen heißt r-existieren. Einen Ausweg zu finden, eine Überquerung der starren geraden Linie des sich wiederholenden Tagesablaufs. Andererseits sagte Brecht: “Die Anstrengung, jeden Tag aufzustehen, die Hosen anzuziehen, sich zu waschen usw., und zu wissen, dass das alles nie enden wird. Das ist die eigentliche Tragödie”.

Das in der Installation Exorzismus des letzten von mir gemalten Bildes von 1996 rekonstruierte Chaos katapultiert uns in die andere Ordnung des Ateliers eines Künstlers, der die ganze okkulte Last der Malpraxis wahrnimmt. Die in der Schwebe gehaltene, wiederbelebte malerische Geste, das Getöse der Farben, die den vitalen Raum bezeichnen, in dem es keine Distanz zwischen dem Alltag des Aufhängens von Kleidung und dem Versuch der Ewigkeit der künstlerischen Operation geben kann. Der abwesende Körper, oder besser gesagt, die drei fotografischen Bilder, die die Performance festhalten, die Emin selbst 1996 in diesem Raum-Atelier abhielt, zeigen den Zusammenbruch jeglicher Balance zwischen Modell und Darsteller, zwischen Aktion und Hingabe, zwischen Zerbrechlichkeit und Kraft. In neueren Gemälden, wie dem großen Gemälde Take me to heaven von 2024, hat diese Kraft den Charakter einer Wunde, die von einem geheiligten Körper zur Schau gestellt wird. Eine weibliche Ablagerung mit Heiligenschein bescheinigt das Heilige als einen Zustand des Schmerzes, der Niederwerfung, der Erlösung und des Aufstiegs zum Himmel. Es handelt sich um Werke, in denen ein hartnäckiger Versuch zu erkennen ist, die leidende Greifbarkeit des Fleisches durch das wirbelnde Geplänkel der Pinselstriche wiederherzustellen. Sie sind wie Rasierklingenhiebe, wie tiefe Schnitte, die ein paar Farbfelder mühsam zu flicken versuchen.

Gewiss, Emins Kunst ist aufrichtig, rein, in gewisser Weise absolut in ihrer notwendigen Intensität. Die Künstlerin sagt: “Sich zu entblößen, hat an sich einen Preis”, “ich bin ich selbst und ich bin extrem ehrlich”, “und es ist kein Spiel, es ist das, was ich tue, was ich schaffe. Meine Arbeiten kommen nicht als Scheiße, Kotze oder Sperma heraus. Es ist meine Kunst, das ist magische Kunst, es ist spirituell. Ich bin ein Kanal dafür, es geht durch mich hindurch und dann kommt es heraus. Manchmal habe ich die Kontrolle, manchmal nicht, aber wenn ich nicht aufrichtig wäre, wäre die Kunst für mich bedeutungslos, während sie für mich von höchstem Wert ist. Es ist meine Arbeit, es ist meine Berufung”. Und in dieser Berufung ist das Thema der Erinnerung, der Vergangenheit, nicht weniger dringlich als die bisher genannten. In den kleinen Gemälden, wie in der Serie von 2020 mit dem Titel Eine andere Zeit, erinnern die dunklen, bläulichen und grauen Farben an den Versuch, die Erinnerung wiederherzustellen. Fragmente von Interieurs, Betten, Sofas, Waschbecken, flüchtige Räume, in denen die menschliche Anwesenheit verschwunden zu sein scheint, scheinen mit dem schwachen, in der Ferne gefilterten Licht verschmolzen zu sein. Die intime Lyrik, die durch die Größe dieser Gemälde noch verstärkt wird, hat nichts von Heiterkeit, sondern vermittelt ein Gefühl des Abschieds, der Distanziertheit, als ob es sich um eilige visuelle Notizen handelt, die versuchen, das Gefühl eines Augenblicks festzuhalten, die Ekstase des flüchtigen Moments, den Verfall der unaufhaltsam vergehenden Zeit.

Ich hörte zwei dissonante (in der Tat: diametral entgegengesetzte) Stimmen zu dieser Ausstellung. Die eine lobte die außergewöhnliche Frische, die Unmittelbarkeit der Gesten sowie die Poesie, die dem gesamten Werk zugrunde liegt. Die zweite kritisierte gnadenlos eine übereilte Instinkthaftigkeit, die heute akademisch anmuten würde, und eine Anmaßung, die sich mehr auf die zugrundeliegende Erzählung als auf die Qualität der mehr oder weniger repetitiven und unaufgelösten Einzelwerke stützt. Gewöhnlich ist ein Ereignis, das solch distanzierte Standpunkte hervorbringt, eine ausgezeichnete Gelegenheit, sich mit dem Phänomen der zeitgenössischen Kunst auseinanderzusetzen, die nicht immer zugänglich und nicht immer sofort und bequem zu entschlüsseln ist. Ich würde sagen, dass es Emin dabei immer gelungen ist, unbequeme Fragen und Reflexionen hervorzubringen, die die Konfrontation im Agon der zeitgenössischen Kunstproduktion neu beleben.

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