Picasso, die Geschichte eines Mythos und eines komplexen Menschen. So sieht die Ausstellung in Palermo aus

Kannibale. So hatte sich Pablo Picasso manchmal selbst apostrophiert, mit einem klaren Bewusstsein für sein eigenes fleischliches Experimentieren auf der ständigen Suche nach immer neuen Formen, nach noch nie dagewesenen Materialien, mit einer unverwechselbaren stilistischen Handschrift, die ihn zu einem unbestrittenen Genie der Kunst des 20. “Nichts wird erschaffen, nichts wird zerstört, alles wird umgewandelt”: Das physikalische Gesetz der Erhaltung der Masse könnte auf seine Kunst angewendet werden. Kunst neu gemacht auf Kunst. Themen und Motive der Kunstgeschichte, verschlungen von der picassianischen Geste.

Geschichte und Mythos eines komplexen Menschen und Künstlers, der die konventionellen Regeln der künstlerischen Darstellung dekonstruierte, werden in der Ausstellung Celebrating Picasso lebendig . Meisterwerke aus dem Kunstmuseum Pablo Picasso in Münster, kuratiert von Markus Müller, Direktor des Museums, bis zum 4. Mai im Sale Duca di Montalto des Palazzo Reale in Palermo. Die von der Fondazione Federico II in Zusammenarbeit mit dem Museum in Münster, dessen Präsident Olivier Widmaier Picasso ist, Sohn von Maya Picasso und Enkel des Meisters, organisierte Ausstellung präsentiert 84 Werke, darunter Lithographien, Linolschnitte, Aquatinten, Radierungen, Keramiken, Punteseches sowie drei Gemälde, mit Leihgaben aus dem Picasso-Museum in Antibes, dem Mart in Trient und Rovereto, der Galleria La Nuova Pesa in Rom sowie Leihgaben aus Privatsammlungen (Katalog von der Fondazione Federico II herausgegeben). Werke, die in der Lage sind, die tiefe autobiografische Prägung einer Kunst zu erzählen, von der er selbst sagte: "Das Werk, das man malt, ist eine Art Tagebuch, das man führt.

Wie eine Art fotografisches Tagebuch ist die räumliche “Box” im ersten Ausstellungsraum mit einer Reihe von Fotografien, die von David Douglas Duncan, dem wichtigsten Fotografen des Spaniers, aufgenommen wurden, der ihm 1956 vollständigen Zugang zu seinem Atelier und seinen Wohnräumen gewährte.

Der Übergang zum Überblick über den nächsten großen Raum mit den Werken vermittelt auf den ersten Blick den Eindruck einer “Aneinanderreihung von Gemälden”, die der Ausstellung einen minimalistischen und sogar Retro-Charakter verleiht. Wenn man sich jedoch den Thekenwänden der Ausstellung nähert, gelingt es der perfekten Beleuchtung, Brüche zwischen den einzelnen Werken zu schaffen, so dass man sie am besten würdigen kann.

Lediglich bei dem seltenen Landschaftsgemälde der Ausstellung, Vallauris Landscape (1958, Öl auf Leinwand, Privatsammlung), hätten wir uns eine andere Lösung gewünscht, um das Publikum von dem offensichtlichen Glas zu distanzieren, das es schützen soll. Und sei es nur, um die Highlights der Ausstellung, die in der Mitte der Rückwand ausgestellt sind, noch mehr hervorzuheben: dieses und der sitzende Fischer mit Mütze (3. November 1946, Öl auf Sperrholz, Musée Picasso, Antibes, Geschenk des Künstlers 1946).

In der von Grün und Blau dominierten Landschaft entziehen sich die Flächen der traditionellen Perspektive und durchdringen sich gegenseitig in einem dynamischen Wechselspiel. Der Fischer, ein Beispiel für den so genannten “Picasso-Stil”, der das Werk des Meisters in den späten 1930er Jahren kennzeichnet, verbindet mehrere kubistische Ansichten und surrealistische Metamorphosen mit einer verkürzten Wiedergabe von Gesichtsdetails unter Verwendung von Bootsfarbe und einer Sperrholzplatte. Ein wesentliches Merkmal ist die Einfachheit und Wesentlichkeit der Darstellung. Wie auch in anderen Werken überlässt der Spanier den Ausdruck des Gemütszustandes der Haltung des Körpers und nicht dem Gesicht, das hier, wie bereits über seine Beziehung zur ikonografischen Tradition gesagt, mit einer Neuinterpretation der klassischen Darstellung der Melancholie wiedergegeben wird: Ein “melancholischer Seemann”, wie ich ihn nennen würde, mit dem Kopf auf die Hand gestützt und den anderen Arm auf das Bein gelegt, wie in Albrecht Dürers berühmter Melencolia I, aber auch, um die ihm nahestehenden Maler zu zitieren, in Vincent van Goghs Porträt des Dr. Gachet (1890) oder in den verschiedenen Darstellungen der Melancholie von Edvard Munch zwischen 1891 und 1896.

Das für die Ausstellung gewählte ikonische Bild ist der Kleine gekrönte Frauenkopf mit Blumen (Farblinolschnitt, Probedruck, dritter und letzter Zustand; Dauerleihgabe der Sparkasse Münsterland ost an das Kunstmuseum Pablo Picasso Münster), ausgeführt in der Technik des Linolschnitts, die dem Künstler die einzigartige Möglichkeit bot, “Malerei durch Gravur” zu schaffen, wobei farbige Flächen mit der Präzision der Linienzeichnung kombiniert werden. In diesem Fall sind die Brauntöne der vorherrschende Farbaspekt, wie auch in Kopf einer Frau mit Hut/Badelandschaft (8. März 1962, Farblinolschnitt, 2. von 3 Stadien; Dauerleihgabe der Sparkasse) in Jacqueline mit Stirnband (13. Februar 1962, Farblinolschnitt, Probedruck, 1. von 3 Stadien; Dauerleihgabe der Sparkasse). In dieser Technik fertigte der Spanier auch ein Plakat für einen Stierkampf an. Zu letzterem, einer existenziellen Metapher für seine eigene Kunst, sagte er: "Stellen Sie sich einen Moment lang vor, Sie wären mitten in der Stierkampfarena. Du hast deine Staffelei und deine Leinwand, sie ist leer und muss bemalt werden, und alle schauen dir zu. [...] Der kleinste Fehler und du bist tot. Und dazu brauchst du nicht einmal einen Stier. Das Thema Stierkampf ist in der Ausstellung durch verschiedene Aquatinta- und Linolschnitte vertreten, darunter An die Stiere (Blatt 2 von Stierkampf, 1957-1959, Aquatinta; Kunstmuseum Pablo Picasso Münster - Sammlung Huizinga), Picador und Stierkämpfer warten auf den ’paseo de cuadrillas’ (8. September 1959, Farblinolschnitt, Probedruck, zweiter und letzter Zustand,

Dauerleihgabe der Sparkasse), Stierkampf in Vallauris 1960 (13. Juli 1960, Farblinolschnitt, Dauerleihgabe der Sparkasse).

Eine ebenso ikonische Rolle, die auch auf dem Fußboden, der den Besucher am Eingang empfängt, abgebildet ist, kommt der berühmten “Taube” zu, die der Spanier in immer neuen Varianten interpretierte, ausgehend von der ersten Lithografie, die in der Ausstellung zu sehen ist und die am 9. Januar 1949 geschaffen wurde, um im April desselben Jahres in Paris auf dem Kongress der Intellektuellen für den Frieden ausgestellt zu werden. Es wurde zu einem weltweit anerkannten Friedenssymbol, entsprechend der von Picasso selbst geschaffenen Ikonographie. Im Frühjahr 1949 schenkte Picassos Lebensgefährtin Françoise Gilot dem Künstler nach dem 1947 geborenen Sohn Claude eine zweite Tochter, die den Namen Paloma (spanisch für “Taube”) erhielt.

Zu den interessantesten Werken der Ausstellung gehört eine Lithografie, die das kleine Mädchen zeigt, wie es fast stolz seine Puppe Paloma und ihre Puppe zur Schau stellt , schwarzer Hintergrund, 14. Dezember 1952

Lithographie (Kreide, Spachtel auf Zink), der letzte von vier randreduzierten Abzügen vor der Auflage, signiert in Rötel: “Bon à tirer Picasso”. “Es ist ein schwieriges Unterfangen”, schreibt Müller im Katalog, “ein kleines Kind dazu zu bewegen, wie ein Modell zu sitzen und stillzustehen. Zeitzeugen zufolge bediente sich Picasso des Tricks, den Kindern vorzugaukeln, er wolle nicht sie, sondern ihre Stofftiere oder Puppen porträtieren. Dies erklärt auch die protzige Haltung der kleinen Paloma”. Es gibt auch ein Porträt von Paloma, das im Kontrast zu dem ihres Bruders steht: schwarze Linien auf weißem Grund für das kleine Mädchen, invertierte Zweifarbigkeit für Claude(Paloma und Claude, 16. April 1950, Lithografie (Handzeichnung [mit Tusche] auf Transferpapier, Nachdruck auf Stein).

Vielleicht fällt bei dieser repräsentativen Reise durch Picassos Universum nur das Fehlen einiger typischer Figuren aus dem Repertoire des Künstlers auf, wie die melancholischen Harlekine und Zirkusfiguren. Diese Abwesenheit wird im großen zentralen Raum des Saals durch die wunderbaren Keramiken mehr als ausgeglichen, die nach dem Zweiten Weltkrieg im südfranzösischen Vallauris entstanden sind, darunter der prächtige rechteckige Teller mit den Drei Sardinen, weißes Steingut, engobiertes Dekor, Messergravur unter gelber Glasur (Nr. 98/200; Kunstmuseum Pablo Picasso Münster, Sammlung Classen) und der mit der Leuchtenden Taube (1953, Keramik, rechteckige Schale, Sammlung Nicola Pontalti, Trento), der Eulenkrug (1954, gedrehter Krug, weiße Terrakotta, Oxiddekor auf weißer Glasur, 500 Exemplare hergestellt; Kunstmuseum Pablo Picasso Münster, Sammlung Classen), die mit La donna del Barbuto (1953, Keramik, gedrehter Krug; Sammlung Nicola Pontalti, Trient). Oder Jacqueline an der Staffelei (1956, Keramik, runder Teller, Sammlung Nicola Pontalti, Trient), eine echte Übersetzung eines Werks zwischen Kubismus und Surrealismus in die Keramik, die deutlich macht, dass Picasso seiner stilistischen Eigenständigkeit unabhängig von Material und Objekt treu blieb.

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