Landschaften eines Italiens der Sehnsucht. So sieht die Ausstellung in den Scuderie del Quirinale aus

Italien ist eine Sehnsucht. Fotografien, Landschaften und Visionen (1842-2022), die bis zum 3. September in den Scuderie del Quirinale in Rom zu sehen ist, ist eine Begegnung zwischen der Fondazione Alinari per la Fotografia und dem Museo di Fotografia Contemporanea - Mufoco. Ich habe diese Ausstellung zweimal gesehen. Beim ersten Mal hat sie mich beeindruckt, vielleicht hatte ich sie nicht verstanden, aber sie war bei mir hängen geblieben, wie wenn man eine neue Liebe trifft, aber noch nicht weiß, was daraus wird. Also habe ich es mir noch einmal angeschaut, mit einem bewussteren Blick, und ich war überwältigt. Das soll nicht heißen, dass es eine schwierige Ausstellung ist oder dass man sie nicht auf den ersten Blick verstehen kann. Wie große Geschichten kann sie auf mehreren Ebenen gelesen und mit den Augen, dem Herzen und dem Kopf genossen werden; eine oder alle, diese Wahl bleibt dem Besucher überlassen.

Die Ausstellung bietet eine Auswahl von über 600 Werken, die in einem Zeitraum von 180 Jahren, von 1842 bis 2022, von Künstlern, Amateuren und professionellen Fotografen aufgenommen wurden. Im ersten Stock der Scuderie del Quirinale werden in chronologischer Reihenfolge Fotografien aus dem Alinari-Archiv gezeigt, einer der größten Sammlungen fotografischer Dokumentation in Italien, in der Werke aus den Anfängen der Fotografie aufbewahrt werden. Im zweiten Stockwerk hingegen sind Werke aus den Sammlungen des Museums für zeitgenössische Fotografie Cinisello Balsamo ausgestellt, ein fotografisches Erbe von zwei Millionen Bildern von der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg bis heute. Der abgelenkte oder einfach nur faszinierte Besucher wird keinen Bruch in der Kontinuität bemerken, auch dank der von den Kuratoren so genannten “Funken”, Momente der Begegnung zwischen den beiden Sammlungen in Bezug auf Themen, Orte oder einfache visuelle Assonanzen, die die chronologische Reihenfolge durcheinander bringen und zum Nachdenken anregen.

Doch in erster Linie ist es der Blick, der getroffen wird. Die Bilder füllen die Augen, sie folgen einander in einem Rhythmus, der einer Partitur gleicht: groß, aber auch klein, einzeln oder in Gruppen, in Schwarz-Weiß, oder von der Zeit sepia-getönt, aber auch in Farbe. Oft handelt es sich um wiedererkennbare Darstellungen, sei es, weil man sie schon einmal gesehen hat, oder ganz einfach, weil sie Teil jener Fotogeschichte sind, die Schritt für Schritt zum Aufbau der kollektiven Vorstellungskraft unseres Landes beigetragen hat. Daneben gibt es unveröffentlichte Ansichten, die durch die wertvolle Arbeit der Kuratoren der Ausstellung, Matteo Balduzzi und Rita Scaroni, unter der allgemeinen Koordination von Claudia Baroncini und Gabriella Guerci, in den Archiven festgehalten wurden. Es ist fast nicht nötig, die Bildunterschriften zu lesen, die meiner Meinung nach genau zu diesem Zweck absichtlich klein gehalten wurden: Man muss nur von der Abfolge der Bilder überwältigt werden, um eine erfüllende Erfahrung zu machen. Nach dem ersten Eindruck entsteht ein zweiter, stärkerer, der ins Herz trifft: die Erkenntnis, dass sich hinter all diesen sich überlagernden visuellen Impulsen eine einzige wunderbare Geschichte verbirgt, nämlich die des Aufbaus unseres Landes, seiner Identität, seiner Kultur. Der Schlüssel dazu ist, wie der Titel verrät, die Landschaft. Aber was ist Landschaft?

Ausstellungslayouts Italien ist eine

Ausstellungslayoutsist eine Sehnsucht

Ausstellungslayoutsist eine Sehnsucht

Im ersten Teil sind die Natur, die Weite und der Blick auf das Meer die Protagonisten der Landschaft. Der Blick der Fotografen des 19. und der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, deren Werke im Alinari-Archiv aufbewahrt werden, richtet sich auf die großen Panoramen von Rom und Florenz, aber auch auf die Orte des Mythos des Reisens in Italien. Dank dieser Bilder, die der Welt die begehrtesten italienischen Reiseziele zeigen sollten, entstand nach und nach die Idee des Bel Paese, die wir in die Welt exportiert haben. Es waren dieselben Bilder, die das Wissen und den Austausch über ein Gebiet schufen, das erst vor kurzem unter einem einzigen Staat vereint wurde und das immer Wert darauf gelegt hat, tief in der Provinz verwurzelt zu sein, in den verschiedenen Provinzen, aus denen es sich zusammensetzt, und dem Territorium und der Landschaft den höchsten Stellenwert bei der Definition der kulturellen Identität zu geben. “Der wahre Reichtum”, sagt Davide Rondoni, Präsident von Mufoco, “ist der Aussichtspunkt. Es ist nicht das, was man in der Tasche hat, sondern das, was man im Blick hat. Dichter, seltsame Wesen, die mit offenen Augen durch die Gegend gehen und die subtile und vielfältige Sprache der Landschaft übersetzen, wissen das. Und die Fotografen wissen es. Sie übersetzen, ja, diese stumme Sprache, eine Synthese aus Natur, Geschichte und Kultur, in die menschliche Sprache, in Worte oder Bilder. Jeder Ort spricht, wird zum Mitautor der Poesie. Oder der Fotografie. Hätten wir Montale ohne die Rauheit der ligurischen Küste? Pavese ohne die Hügel der Langhe? Bertolucci ohne die Höhen von Parma, Pasolini ohne die Landschaften von Friaul und dann Rom, Mario Luzi ohne die Landschaften von Florenz und Siena?”.

Im Laufe der Zeit öffnet sich die naturalistische Landschaft der menschlichen Präsenz, den Traditionen, der Folklore, der Dokumentation von Ereignissen, die auf unterschiedliche Weise die Entwicklung unserer Landschaft beeinflusst haben: das Erdbeben von Messina 1908(Il Duomo distrutto dal terremoto calabro-siculo - Messina 1908 von Wilhelm von Gloeden), sowie das Wachstum der Vorstädte(Via Teulié - Mailand 1939/1940 von Alberto Lattuada).

Ab der Nachkriegszeit wird die Landschaft sozial und politisch. Der Raum, der den Beginn der Sammlung Mufoco markiert, steht auch für einen Wechsel der Perspektive: Die Menschheit fängt das Objektiv ab und füllt das Bild. Es sind die Jahre der Reportage, und hier werden die Fotos über die Mafia von Letizia Battaglia und die über die politischen Kämpfe von Uliano Lucas meisterhaft nebeneinander gestellt, als wären sie eine erzählerische Einheit, ebenso wie Gianni Berengo Gardins ruhiger Bericht über die Vorstädte. In einem Schritt kommen wir zu den konzeptionellen Experimenten der 1970er Jahre von Mario Cresci von Franco Fontana bis zur Serie Presa di coscienza sulla natura, die zwischen 1976 und 1989 von Mario Giacomelli realisiert wurde, der wie kein anderer die Landschaft in eine einzigartige und unwiederholbare Sprache verwandelte.

An diesem Punkt konzentriert sich die Erzählung auf das Projekt Viaggio in Italia von Luigi Ghirri, das 1984 eine Reihe von visuellen Recherchen zusammenfasste, die an verschiedenen Orten des Landes entstanden waren. Es war eine Art Vorläufer der heutigen Ausstellung in den Scuderie: eine Reflexion über die Landschaft, die auf dem Höhepunkt des Experimentierens mit der fotografischen Sprache realisiert wurde und Werke von zwanzig Fotografen zusammenbrachte, darunter Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Mario Cresci, Mimmo Jodice und Claude Nori. Wenn man durch die Ausstellung schreitet, gelangt man in das neue Jahrtausend, mit spektakulären Großdrucken, die von den neuen Landschaften erzählen, den Landschaften der Metropolen, die wiederum die Verwandlung derselben Städte sind, die in den Jahren der Emigration oder weiter zurück in der Epoche, in der die Natur der Protagonist war, erzählt wurden. Die Peripherie befindet sich im Aufbau, wie in Giovanni Chiaramontes Serie Attraverso la pianura von 1987, oder sie ist konstruiert und spektakulär, wie in Luca Campigottos Milano von 2014 oder in Olivo Barbieris Site specific_Milano 09 von 2009.

An diesem Punkt bringt schließlich jedes Bild die ganze Vergangenheit mit sich, die uns die Ausstellung erzählt hat, und die Werke beginnen, die Geschichte, die sie aufgenommen haben, wiederzugeben. Die Faraglioni von Capri sind die Protagonisten der Experimente von Francesco Jodice in Capri, The Diefenbach Chronicles von 2013, aber auch eines Bildes von Fratelli Alinari aus der Zeit vor 1915 - dasselbe, das auch in der öffentlichen Kommunikation der Ausstellung verwendet wird -, das durch seine Ausstellung im Negativ zu einer Art zeitgenössischem Experiment wird. Und wenn man genau hinsieht, ist die ganze Ausstellung mit Stapeln übersät, als wären es Däumlingskrümel, die dem Besucher hinterlassen wurden.

“Die Sehnsucht nach Italien oder Italien als Sehnsucht”, so die Kuratoren, “will die ständige Spannung zwischen einer außergewöhnlichen Vergangenheit, die in der italienischen Landschaft eine außergewöhnliche Übereinstimmung zwischen Natur und Kultur gesehen hat - in der wir noch immer unsere Wurzeln zu erkennen glauben - und einer jüngeren Geschichte, die von Rissen, wilden Beschleunigungen und aggressiven Eingriffen geprägt ist, die von der wirtschaftlichen Entwicklung und der Globalisierung diktiert werden, die die Landschaft komplex machen und uns dazu drängen, eine neue italienische kulturelle Identität zu definieren”.

Es gibt noch eine dritte Lesart der Ausstellung, die ich mit einem führenden Bewusstsein verbinde: dass es sich um eine - anorganische, aber auch sehr reiche - Geschichte über die Entwicklung der fotografischen Sprache handelt. Im Laufe ihrer Geschichte hat die Fotografie nicht aufgehört, experimentell zu sein. Wenn sich die Forschung in den ersten Jahren auf die Technik konzentrierte, verlagerte sie sich später auf die Sprache, aber in jedem Fall hat die Kunst der Fotografie nie aufgehört, sich weiterzuentwickeln. Und in dieser Ausstellung können wir alle Spuren dieser Geschichte finden. In den ersten Jahren waren die Fotografen noch keine Künstler, sondern Wissenschaftler, wie Giorgio Roster, der bereits 1872 “Dias auf handkolorierten Glasplatten” vorstellte. Diese Bilder überraschen durch ihren zeitgemäßen Look, den 1:1-Schnitt, an den wir uns inzwischen durch Instagram gewöhnt haben, und durch das Nebeneinander von Farben, das in einer Ära, die wir in Schwarz-Weiß kennen, gewagt erscheint.

Diejenigen, die sich für fotografische Techniken begeistern, werden in dieser Ausstellung eine Vielzahl von Beispielen finden: Daguerreotypien, Ur-Papier- und Glasnegative, Dias, Platten, Autochrome, Vintage Prints und Fine Art Prints von Originalnegativen bis hin zu großformatigen Farbabzügen und moderneren Formen der Bildpräsentation. Es gibt auch unglaubliche Alben wie James Grahams Italien mit 131 Fotos, die zwischen 1858 und 1862 aufgenommen und auf Albumin gedruckt und dann in einem einzigen Album zusammengefasst wurden. Heute würden wir es als Fotobuch bezeichnen.

Während die technischen Entwicklungen der letzten Jahrzehnte die Möglichkeiten des fotografischen Mediums ins Unendliche erweitert haben und sich die Forschung auf die Sprache verlagert hat, gibt es selbst unter den ältesten Werken sprachlich zeitgenössische Werke. So werden schöne Bilder unglaublich, wenn man die Jahreszahl auf der Bildunterschrift liest. Ich lade Sie ein, sich die Serie von Vittorio Alinari über Sardinien aus dem Jahr 1914 anzuschauen, die einen fotografischen Blick offenbart, der dem heutigen nicht unähnlich ist, mit völlig zeitgenössischen Bildschnitten und Blickwinkeln.

Ich denke, dass das letzte Bild der Ausstellung die Landschaft ist, die zwischen den prächtigen Glasfenstern der Scuderie del Quirinale eingerahmt ist: ein Sonnenuntergang, der die Dächer Roms bis zum Petersdom umspielt. Eine Landschaft, die alle Besucher fotografieren und die auf ihren Mobiltelefonen oder in den sozialen Netzwerken landen wird, wodurch die Grenzen dieser Landschaftsgeschichte ins Unendliche erweitert werden.

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