In New York gibt es eine Ausstellung, die die italienische Kunst der 1950er und 1960er Jahre in den USA bekannt macht.

Unter den verschiedenen Routen, die Europa und die Vereinigten Staaten in der Nachkriegszeit verbanden, gab es eine, die der Kunstwelt besonders am Herzen lag: Rom-New York. In den 1950er Jahren, mit der Rückkehr von Künstlern, Schriftstellern und Intellektuellen aus dem Exil und den Gefangenenlagern, entwickelte sich Rom zum Zentrum einer neuen Avantgarde. Alles italienisch, losgelöst vom Pariser Einfluss, der die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts weitgehend bestimmt hatte. New York hingegen erstrahlte im Licht des Wandels und erleuchtete den Rest der Welt mit dem Versprechen eines neuen Horizonts. Die Verbindung zwischen den beiden Städten, die Kunst und Gesellschaft miteinander verband, hatte den Beigeschmack einer Übergabe oder zumindest einer unumkehrbaren Kontamination. Rom, mit dem dekadenten, aber immer noch faszinierenden Erbe einer langen klassischen, humanistischen und barocken Tradition. New York, ein Ozean der Freiheit ohne Altlasten, die Wiege des Neuen, auch im künstlerischen Bereich, der Verfechter einer noch zu schreibenden Zukunft. So kam es, dass sich, dank der Verbindung von Persönlichkeiten wie dem aus Triest stammenden, aber in New York ansässigen Galeristen Leo Castelli, Künstler von beiden Seiten des Atlantiks hier oder dort trafen, um zu arbeiten, sich zu lieben, Freundschaft zu schließen. Kurz gesagt, wegen der Kunst.

Aber was hatten sie sich gegenseitig zu bieten? Amerika, vom Konsumismus auf den Weg zur Pop Art gebracht, fand in Italien eine intimere Ausdrucksform, die vor allem mit der Geste und der Materie verbunden war, ein Informel, das von alter Lyrik durchdrungen war. Italien, das ebenfalls vom wirtschaftlichen Aufschwung angetrieben wurde, war von der Unmittelbarkeit der amerikanischen Konsum-Ikonographie so fasziniert, dass es sie in die vorherrschende Ästhetik der Zeit aufnahm: den neuen Realismus. Die Neue Welt sehnte sich also nach der Kultur der Alten Welt, die Alte Welt nach den Veränderungen der Neuen. Das New Yorker Büro von David Zwirner in Chelsea beschäftigt sich derzeit mit dieser entscheidenden Beziehung in der von David Leiber kuratierten Ausstellung Rom/New York, 1953-1964, die noch bis zum 25. Februar zu sehen ist.

Eine visuelle Erzählung von ineinander verschlungenen Welten und Ästhetiken, wie sie im Vergleich der künstlerischen Leistungen der jeweiligen Künstler deutlich wird. In den Werken von Künstlern, die mit einer neorealistischen Prägung aufgewachsen sind - wie Franco Angeli, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Mimmo Rotella und Mario Schifano - bemerkt man ab Mitte der 1950er Jahre die Aneignung von Elementen aus der Sphäre des Konsums oder der urbanen Dimension der amerikanischen Matrix. Vor allem Schifano, der 1962 bei Sidney Janis in New York in der historischen Ausstellung The New Realists ausstellte, wurde zum Wortführer einer bildnerischen Praxis, die Fragmente von Bildern, Werbung und Texten einbezog. Dies ist die Geburtsstunde der italienischen Pop Art, die sich von den glitzernden Verlockungen des ausländischen Konsums verführen lässt, ihn aber in eine weniger unmittelbare, mehr geschichtete, implikationsreichere, klassischere und europäischere Dimension zu überführen vermag. Umgekehrte Kontamination hingegen im Fall des Informellen, einer abstrakten Strömung, die durch die Erforschung der Materie gekennzeichnet ist. Es waren Figuren wie Afro Basaldella, Toti Scialoja, Alberto Burri und Piero Dorazio, die mit Ausstellungen in den Galerien von Eleanor Ward, Catherine Viviano und Leo Castelli die sublimen Höhepunkte einer Bewegung nach New York brachten, die Mitte der 1960er Jahre ihren Biss verlieren sollte.

Zur gleichen Zeit stellten mehrere New Yorker Künstler wie Philip Guston, Franz Kline, Willem de Kooning, Robert Rauschenberg, Salvatore Scarpitta und Cy Twombly in Rom aus, insbesondere in der Galleria dell’Obelisco von Irene Brin und Gaspero del Corso und in der Galleria La Tartaruga von Plinio De Martiis. Ein dichtes Netz von Einzel- und Gruppenausstellungen bestimmte die kreativen Wege der jeweiligen Künstler. Und die Zwirner mit einer kuratorischen (und kommerziellen) Operation wieder aufgreift, die darauf abzielt, die besten Ergebnisse der italienischen Malerei der Nachkriegszeit in Amerika (und damit auf dem Weltmarkt) kraftvoll ins Rampenlicht zu rücken und sie so nebeneinander zu stellen, dass sich Querverweise und Verbindungen wiederfinden. Rom/New York, 1953-1964 konzentriert sich vor allem auf italienische Künstler, von denen viele - wie Angeli, Perilli, Novelli - in Italien bekannt und beliebt sind, in den Vereinigten Staaten jedoch weniger bekannt sind. Aber es gibt auch nahezu unbekannte Künstler wie Luigi Boille, der dennoch in dem betrachteten Zeitraum in wichtigen Ausstellungen vertreten war, darunter eine im Guggenheim in New York neben Fontana, Castellani und Capogrossi. Oder Conrad Marca-Relli und seine komplexe, auf der Collage basierende Malerei. Der als Sohn italienischer Einwanderer geborene Marca-Relli war ein wichtiger Kontaktpunkt zwischen den beiden Künstlergemeinschaften, der Händler und Künstler zusammenbrachte und dazu beitrug, die Beziehungen zu knüpfen, die diese Zeit so wichtig, einzigartig und vielleicht unwiederholbar machten. Bereits 1964, dem Jahr, in dem Rauschenberg den Goldenen Löwen auf der Biennale von Venedig gewann, begann die Kommunikation spärlicher zu werden. Rom verlor seine zentrale Stellung in der italienischen künstlerischen Avantgarde, und Mailand und Turin zogen immer mehr Künstler und Investitionen an. New York hingegen blieb das Nervenzentrum des weltweiten Kunstsystems und ist es auch heute noch, an der Spitze des internationalen Kunstsystems. Und er vergisst auch nicht die Jahre, in denen er, wenn er über den Ozean blickte, Rom sah.

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