In Florenz in den Jugendstil eintauchen. So sieht die Ausstellung über Alphonse Mucha aus

Nicht nur eine Hommage an die Kunst von Alphonse Mucha (Ivančice, 1860 - Prag, 1939), sondern auch eine Gelegenheit, über eine Epoche nachzudenken, die durch ein neues Interesse an Kunst, Design und Werbung und die bemerkenswerte Fähigkeit der Kunst gekennzeichnet ist, Menschen zu vereinen und universelle Botschaften zu vermitteln: Dies sind die beiden großen Ziele der Ausstellung, die bis zum 7. April 2024 im Museo degli Innocenti in Florenz zu sehen ist und von Tomoko Sato in Zusammenarbeit mit Francesca Villanti kuratiert wird. Alphonse Mucha. The Seduction of Art Nouveau", so der Titel der Ausstellung, ist eine Ausstellung, die sich an alle richtet, sowohl an diejenigen, die Muchas Universum, oder besser gesagt, Muchas Stil, bereits kennen, als auch an diejenigen, die sich, fasziniert von seinen harmonischen, floralen und ornamentalen Plakaten, seiner Welt zum ersten Mal nähern. Es handelt sich in der Tat um eine Ausstellung, die von allen verstanden werden kann, so wie Mucha selbst es für die Kunst im Allgemeinen wünschte. Daran erinnert sein Enkel John Mucha, der derzeitige Präsident der Mucha-Stiftung, im Katalog zur Ausstellung: "Mein Großvater sehnte sich nach einer besseren Welt, in der alle Menschen, jeder mit seiner eigenen Herkunftskultur, die Unterschiede respektieren und in Frieden und Harmonie leben können - eine Botschaft, die in dieser unruhigen Welt nach wie vor aktuell ist. Er war auch leidenschaftlich davon überzeugt, dass die Kunst ein wesentliches Geschenk für die Menschheit ist und daher der breiten Öffentlichkeit zugänglich sein sollte, um so viele Menschen wie möglich zu ermutigen, sie zu bewundern und zu schätzen. Wir hoffen daher, mit dieser neuen Ausstellung den von ihm eingeschlagenen Weg fortzusetzen und den Besuchern - Toskanern wie Nicht-Toskanern - die Interessen, Leidenschaften und Überzeugungen, die seiner künstlerischen Vision innewohnen, in frischer Form zu vermitteln. Der Rundgang durch die Ausstellungsräume ist angenehm, auch dank der nüchternen und oft in sanften Farben gehaltenen Gestaltung, die das Auge nicht stört, und dank eines Korridors, der einen plötzlich zwischen die für den Stil des tschechischen Künstlers typischen Blumen katapultiert. Die großen Plakate von Mucha, der als der berühmteste Vertreter desJugendstils gilt, werden auf dem Ausstellungsweg oft von Zeichnungen (Mucha war in der Tat auch ein großer Zeichner), Büchern und Fotografien flankiert, die den Besucher noch tiefer in das Universum des Künstlers, seine Themen und die Absichten seiner Kunst eintauchen lassen.

Wie Tomoko Sato, Kuratorin der Mucha-Stiftung und Kuratorin der Ausstellung im Museo degli Innocenti, erklärt, ist das Herzstück der künstlerischen Philosophie von Alphonse Mucha das Konzept der Schönheit: Für ihn ist die Schönheit ein Symbol der moralischen Harmonie und besitzt eine intrinsische Inspirationsfähigkeit; der Künstler ist daher “ein Priester am Altar der Schönheit” und seine Aufgabe ist es, die Botschaft der Schönheit einem breiteren Publikum zu vermitteln. Er fühlte sich daher dem Konzept der Kunst für das Volk näher als der Kunst um der Kunst willen; einer Kunst, die “billig und für jedermann erschwinglich ist, die in armen Familien ebenso wie in wohlhabenderen Kreisen ein Zuhause findet” und die die Verbreitung der Ästhetik im Kunsthandwerk fördert. Zur Bestimmung der schönsten Formen und Linien schlug er vor, das Gesetz der ausgewogenen Proportionen von den organischen Strukturen der Natur zu lernen: “Die sichtbare Natur, die wir mit den Augen erfassen, umgibt uns mit reichen und harmonischen Formen. Die wunderbare Poesie des menschlichen und tierischen Körpers und die Musik der Linien und Farben, die von Blumen, Blättern und Früchten ausgehen, sind die offensichtlichsten Meister für das Auge und den Gaumen”.

Die Verführung des

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Wenn man durch die Ausstellungsräume geht, ist man also von Werken umgeben, die immer harmonisch sind, im reinen Mucha-Stil, mit anmutigen und eleganten weiblichen Figuren, die von floralen Kompositionen und dekorativen Elementen, die von der Natur inspiriert sind, umrahmt werden, oder mit weiblichen Figuren (Frauen sind immer die Protagonisten in Muchas Kunst), die in Plakatwänden eingebettet sind, die Porträts von Momenten sind, die immer glücklich sind, auch in ihrem Alltag. Dies gilt insbesondere für die erste und dritte Abteilung. Die Ausstellung empfängt den Besucher gleich mit der ersten Abteilung, die den Titel Frauen, Ikonen und Musen trägt und genau den Frauen gewidmet ist, die mit ihrer Anmut und ihrem Charme im Mittelpunkt von Muchas Produktion stehen. Einen besonderen Platz nimmt Sarah Bernhardt ein, die große Pariser Schauspielerin mit dem Spitznamen " die Göttliche", die Alphonse Mucha Ende 1894 kennenlernte und die sie bei ihm für das Programmheft ihrer Inszenierung von Gismonda in Auftrag gab (hier in einer großen Farblithografie). Mucha war damals Buchillustrator, aber trotz seiner Unerfahrenheit wurde das Plakat, das der Künstler für sie anfertigte und das am Neujahrstag 1895 in Paris enthüllt wurde, ein sofortiger Erfolg, so dass die Göttliche Sarah weitere Plakate für die von ihr kuratierten Inszenierungen bei ihm in Auftrag gab: zu sehen sind die Plakate für La dame aux camélias, La Samaritaine, Médée. Ebenfalls zu sehen ist das Plakat der Avantgarde-Zeitschrift La Plume, auf dem Sarah Bernhardt in der Rolle der Princesse lointaine zu sehen ist. Direktor von La Plume war der Dichter Léon Deschamps, der auch den Ausstellungssaal Salon des Cents leitete: Zwei Jahre später, 1896, lud Deschamps Mucha ein, in diesen künstlerischen Kontext einzutreten. Als Zeichen der Dankbarkeit gestaltete Mucha das Plakat für die 20. Ausstellung des Salons, wie die ausgestellte Farblithografie zeigt.

Die dritte Abteilung ist den Werbeplakaten gewidmet: Mucha wurde Ende des Jahrhunderts zum gefragtesten Pariser Grafiker und schuf in zwanzig Jahren etwa einhundertzwanzig dieser Plakate, zusätzlich zu den eigentlichen Verpackungen. Am bekanntesten sind die Plakate für den Champagner Moët & Chandon, aber wie in der Ausstellung zu sehen ist, schuf er Plakate für alle möglichen Produkte, von Schokolade über Zigaretten und Bier bis hin zu Kindernahrung (Nestlé), Fahrrädern, Keksen (Lefèvre-Utile) und Parfums (das Sprühparfum Rodo ist etwas ganz Besonderes).

Die hier ausgestellten Zeichnungen und Fotografien veranschaulichen den Umgang des Künstlers mit der Fotografie, die für ihn zu einem wichtigen Bestandteil des kreativen Prozesses wurde: Er fotografierte Modelle in seinem Atelier und improvisierte dabei die unterschiedlichsten Posen, die er dann als Inspirationsquelle für Zeichnungen und Gemälde nutzte

Alfons

Zwischen diesen beiden Abschnitten liegt der zweite, der sich mit der bretonischen Kultur befasst: Die kürzlich von Tomoko Sato in Zusammenarbeit mit Philippe Le Stum durchgeführte Studie hat eine ästhetische und intellektuelle Leidenschaft Muchas für die bretonische und keltische Kultur offenbart, die er mit der tschechischen Volkskultur verwandt sah. In der Tat stellte sich der Künstler oft mit dem bestickten Hemd der nationalen Tradition dar, einem Symbol der slawischen Einheit. Muchas Interesse an der Bretagne wurde vermutlich kurz nach 1890 in Paris geweckt, dank seiner Begegnung mit den Künstlern der Pont-Aven-Schule und insbesondere mit Paul Gauguin, mit dem ihn eine Freundschaft verband, die bis zu Gauguins Abreise nach Tahiti andauern sollte. Das Ergebnis dieser Reisen in die Bretagne sind zahlreiche Skizzen und Fotografien von Landschaften, wie Meereslandschaften und Felsküsten, und von der lokalen Volkskultur sowie von Figuren in typischer Volkstracht (die beiden dekorativen Drucke Erica of the Cliffs und Thistle of the Sands sind Beispiele dafür). In seinen Werken führt er dann ornamentale Motive aus der keltischen Tradition als Symbolsprache ein, die eine bestimmte kulturelle Identität zum Ausdruck bringt: Kleidung im slawischen Stil, florale und botanische Motive, die von der mährischen Tradition inspiriert sind, kreisförmige und geometrische Motive, die an tschechische Barockaureolen und Kirchen erinnern. Muchas Werke mit ihrem charakteristischen Stil verbreiteten sich überall, in Form von dekorativen Drucken, Zeichnungen sowie Kalendern, Postkarten und Geschenkartikeln, auch dank der Tatsache, dass der Künstler es vorzog, immer mit Blick auf eine allgemein verständliche und universelle Kunst, Themen wie die Jahreszeiten oder die Stunden des Tages darzustellen, personifiziert durch schöne und anmutige Jungfrauen, umgeben von Blumen und Elementen der Natur. Beispiele dafür sind in der Ausstellung der Dewez-Geschäftskalender mit Darstellungen der Jahreszeiten und den dekorativen Figuren Éveil du matin, Éclat du jour, Réverie du soir, Repos de la nuit.

Der vierte Teil der Ausstellung befasst sich mit Muchas Rückkehr in sein Heimatland im Jahr 1910, wo er sich und seine Kunst in den Dienst der politischen Freiheit des Landes stellen wollte, indem er siebzehn Jahre lang (1911 bis 1926) an dem monumentalen Projekt desSlawischen Epos arbeitete, das durch die finanzielle Unterstützung eines wohlhabenden Geschäftsmannes und Philanthropen, Charles Richard Crane, den Mucha vor seiner Rückkehr in die Heimat in den Vereinigten Staaten kennenlernte, ermöglicht wurde. Das SlawischeEpos, ein Zyklus von zwanzig Gemälden auf sehr großen Leinwänden, soll das slawische Volk auffordern, aus der Geschichte zu lernen, um voranzukommen und politische Unabhängigkeit zu erlangen, aber auch ein zukünftiges Ziel vorschlagen, nämlich den Frieden zwischen den Slawen und der gesamten Menschheit zu erhalten. Auch in diesem monumentalen Meisterwerk, das Mucha und sein Mäzen 1928 in Prag anlässlich des zehnten Jahrestages der Unabhängigkeit der Nation offiziell vorstellten, entwickelte der Künstler seinen Stil weiter: Die Frauen in traditioneller Kleidung werden zu symbolischen Ausdrücken der Seele der Nation, zu spirituellen Ikonen, die die slawischen Völker inspirieren und vereinen. Neben demSlawischen Epos, das in der Ausstellung nur auf einem Panoramabild des im Prager Clementinum ausgestellten Zyklus und auf einer Fotografie zu sehen ist, die den Künstler bei der Arbeit an einem der Gemälde zeigt, arbeitete Mucha auch an öffentlichen Projekten in seiner Heimat, wie der Dekoration der Innenräume des Prager Rathauses, dem Entwurf eines Glasfensters für den Prager Veitsdom und Plakaten für die Panslavi-Turnfeste der Sokol-Bewegung in den Jahren 1912 und 1926.

Le Style Mucha wurde im Jahr 1900 zum Synonym für den Jugendstil und beeinflusste dieInternationale Ausstellung in Paris im selben Jahr. In der Ausstellung werden Skizzen und Figuren für das Werbematerial der Ausstellung selbst gezeigt, aber auch Projekte als Pariser Vertreter des Jugendstils, wie seine Zusammenarbeit mit der alten Parfümerie Houbigant und mit Georges Fouquet, einem der berühmtesten Goldschmiede und Juweliere. Georges Fouquet, einem der berühmtesten Goldschmiede und Juweliere von Paris, der ihn nicht nur mit dem Entwurf einer ganzen Schmuckkollektion für die Ausstellung beauftragte, sondern auch mit der Dekoration des neuen Geschäfts des Goldschmieds in der Rue Royale: Die Fotografien zeigen das Innere und die Fassade des von Mucha renovierten Geschäfts zusammen mit Zeichnungen der Entwürfe.

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Die Ausstellung schließt mit einem Kapitel, das demJugendstil in Italien gewidmet ist, mit Skizzen, Gemälden, Vasen, Tellern und Tafeln von Galileo Chini, dem Mann, der in Italien den innovativen und internationalen Geist des Jugendstils aufgriff und mit den Prinzipien des Jugendstils experimentierte, wenn auch in seinem eigenen persönlichen Stil. Man findet hier die anmutigen Jungfrauen mit langem wehendem Haar, natürliche Elemente, Blumen, aber vor allem die Idee, Schönheit für alle zu verbreiten und sie allen Gesellschaftsschichten zugänglich zu machen.

Dieser italienische Schwerpunkt bildet den Abschluss der Florentiner Ausstellung im Museo degli Innocenti, die Alphonse Mucha gewidmet ist: eine Ausstellung, die den Besucher durch die Themen des Schaffens des berühmten tschechischen Künstlers begleitet und in jeder Abteilung mit zahlreichen Beispielen und, wo dies nicht möglich war, mit dokumentarischen Fotografien präsentiert wird. Sie haben auch die Möglichkeit, wenig bekannte Aspekte eines Künstlers kennenzulernen, der vor allem durch seine Werbeplakate berühmt wurde, wie seine Leidenschaft für die bretonische Kultur und den monumentalen Zyklus desslawischen Epos, der immer von der Idee einer Kunst angetrieben wurde, die universelle Botschaften vermitteln kann. Besucht zu werden, indem man sich von der Schönheit mitreißen lässt.

Von dem zweisprachigen Katalog(Italienisch-Englisch) kann man leider nicht das Gleiche sagen, da er nichts zur Ausstellung beiträgt: Es gibt nur eine allgemeine Einführung des Kurators und kleine Einführungen von ihm (mit Ausnahme des letzten Abschnitts, der von Francesca Villanti geschrieben wurde) zu den verschiedenen Abschnitten. Und die Reihenfolge der Werke im Katalog spiegelt nicht die Reihenfolge der Ausstellung wider. Das ist schade.

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