Ich kenne mein Land, ich male es": Gustave Courbet und die Natur

by Ilaria Baratta , published on 06/11/2018
Categories: Rezensionen zur Ausstellung / Disclaimer

Man sieht ihn stolz und selbstbewusst, in einer fast hochmütigen Haltung dem Betrachter entgegenblickend, in Begleitung seines treuen Hundes, eines schwarzen Spaniels. Gustave Courbet (Ornans, 1819 - La Tour-de-Peilz, 1877) selbst sitzt im Vordergrund und ist dandyhaft gekleidet: eine elegante schwarze Reddingote, ein weißer Kragen und eine grau karierte Hose zeugen von der hohen sozialen Schicht , der seine Familie angehörte, während der breitkrempige schwarze Hut und der gebogene Spazierstock, der links aus dem Bild herausragt, auf seine Gewohnheit verweisen, endlose Spaziergänge in der Natur zu unternehmen. Das lange Haar und die Pfeife in der rechten Hand weisen ihn als Mitglied der Pariser Bohème aus, und das Skizzenbuch auf der Rückseite des Bildes deutet auf seine Tätigkeit als Freilichtmaler hin, die er wahrscheinlich bei seinen häufigen Spaziergängen in den Wäldern und Tälern seiner Heimatregion Franche-Comté ausübte.

Im Hintergrund ist hinter ihm eine Felswand zu erkennen und in der Ferne ein Tal. Auf diesem Gemälde, das 1842 entstand und heute im Musée des Beaux-Arts in Paris aufbewahrt wird, scheint Courbet stolz darauf zu sein, Teil der ihn umgebenden Landschaft zu sein, die nichts anderes als seine Heimat ist, und offenbart durch seine Kunst einen sehr bedeutenden Teil seiner Autobiografie: seine innige Verbundenheit mit der Natur und vor allem mit seinen Heimatorten.

Und so ist es Courbet selbst, der den Besuchern die Ausstellung Courbet und die Natur vorstellt, die der Palazzo dei Diamanti in Ferrara ihm bis zum 6. Januar 2019 widmet. Wie bereits erwähnt, tut er dies anhand seines Selbstporträts, einem Genre, das bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts von französischen Künstlern wenig genutzt wurde, das Courbet jedoch mehrfach praktizierte (zwischen 1842 und 1855 malte er etwa 20 davon), was bereits in diesem Aspekt seinen revolutionären und gegenläufigen Charakter unterstreicht. Darüber hinaus handelt es sich um ein besonders bedeutendes Werk in seinem malerischen Schaffen, da es 1844 die erste Leinwand des Künstlers war, die im Salon angenommen wurde, und somit der erste öffentliche Erfolg des erst 25-jährigen Malers. Die Landschaften des Gemäldes, d.h. die für die Franche-Comté typischen Felsen, Wälder und Täler, werden den Maler nie mehr loslassen: Sie finden sich in unzähligen Gemälden wieder, auch in denen, die während seiner Aufenthalte im Ausland entstanden sind. Jede von ihm dargestellte Landschaft wird zu einer Autobiographie, in der er den Betrachter einlädt, über seinen starken Charakter hinaus das Intimste von ihm selbst kennen zu lernen.

Die Einzigartigkeit seiner Landschaftsmalerei liegt darin, dass er die ihn umgebende Natur und Landschaft nicht als eigenständige Elemente betrachtet, sondern sie mit der Biografie des Malers und den dargestellten Personen verschmilzt und in einen Kontext stellt. Landschaft und Mensch oder Tier stehen immer in einem wechselseitigen Zusammenhang. Selbst dort, wo es keine menschliche oder tierische Präsenz gibt, wie auf dem Gemälde im Einführungsraum,das die Eiche von Flagey, auch bekannt als Eiche von Vercingetorix, darstellt, ist der autobiografische Charakter spürbar: Die dargestellte imposante Eiche, die fest in der Erde verankert ist, nährt sich von der Kraft des Bodens der Franche-Comté, wie sie es für Courbet selbst tut. Die im Vergleich zur Majestät des Baumes kaum wahrnehmbare Anwesenheit eines Hundes, der einen Hasen jagt, nimmt dem Besucher seine Leidenschaft für die Jagdkunst vorweg, der der letzte Saal der Ausstellung gewidmet ist, wie wir noch sehen werden. Die starke Persönlichkeit des Malers, der für seine Zeit revolutionär war, wird verständlich, wenn man bedenkt, dass die Landschaftsmalerei für seine Vorgänger oder Zeitgenossen eine Randerscheinung war: Von den Akademikern als unbedeutendes Genre betrachtet, machte Courbet sie zu einem wichtigen Motiv seiner Kunst. Schließlich erhält die Eiche des Vercingetorix eine historische und wiederum revolutionäre Bedeutung, da Napoleon III. und seine Anhänger die berühmte Schlacht von Alesia zwischen Galliern und Römern, die 52 v. Chr. stattfand, in Burgund ansiedelten, während Courbet mit diesem Gemälde seine Überzeugung bekräftigt, dass die Schlacht in der Franche-Comté stattfand: ein Zweifel, der durch den Streit zwischen Alise Sainte-Reine an der Côte d’Or und Alaise bei Flagey in der Franche-Comté ausgelöst wurde.

Ein Saal in der Ausstellung Courbet und die Natur

Ein Saal der Ausstellung Courbet und die Natur. Ph. Kredit Fenster zur Kunst

Ein Raum in der Ausstellung Courbet und die Natur. Ph. Credit Fenster zur Kunst

Ein Raum in der Ausstellung Courbetund die Natur

Gustave Courbet, Selbstporträt mit schwarzem Hund (1842; Öl auf Leinwand, 46,5 x 55,5 cm; Paris, Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris)

Gustave Courbet, Die Eiche von Flagey (1864; Öl auf Leinwand, 89 x 111,5 cm; Ornans, Musée départemental Gustave Courbet)

Nach den Selbstporträts findet der Besucher im nächsten Saal ein weiteres, das den “Postkarten” der Franche-Comté gewidmet ist. Es handelt sich um den Verwundeten: Im Vordergrund liegt Courbet selbst, an den Stamm eines großen Baumes gelehnt, mit geschlossenen Augen und einer Wunde auf der Brust, die sein weißes, aufgeschlagenes Hemd mit Blut befleckt hat. Neben ihm ragt ein Schwert hervor. Es handelt sich um ein Gemälde, das stark von der deutschen und französischen Romantik beeinflusst ist, denn die Röntgenaufnahme zeigt den Maler und seine Geliebte im Vordergrund, die sich zärtlich umarmen und schlafen. Die jetzige Komposition, die der Künstler selbst geändert hat, stammt aus dem Jahr 1854, als Courbet erfuhr, dass seine Geliebte und die Mutter seines Sohnes, Virginie Binet, geheiratet hatten. Die Dargestellten sind also sentimentale Wunden.

Im selben Jahr erklärte Courbet gegenüber seinem Freund und Mäzen Alfred Bruyas, dass er in seinem Leben mehrere Porträts von sich selbst angefertigt habe, je nach seiner geistigen Situation, so dass es so sei, als habe er seine Autobiografie geschrieben.

Stolz auf seine Heimat, sprach der Künstler fast eine Maxime seiner Kunst aus: “Um eine Landschaft zu malen, muss man sie kennen. Ich kenne mein Land, ich male es”. In der Tat gibt es zahlreiche Gemälde, die die Franche-Comté darstellen, und in diesem zweiten Saal findet sich der Besucher in einer der eindrucksvollsten Landschaften dieses Teils Frankreichs wieder, inmitten von Wäldern, Bergen, Hochebenen, Flüssen und Tälern; eine Region, die ganz von der Natur beherrscht wird. Das erste Gemälde, das als Initiator dieses Themas betrachtet werden kann, ist Das Tal der Loue unter einem stürmischen Himmel: Das Werk, das in der Ausstellung zu sehen ist, fasziniert durch seine Komposition, denn es ist klar in zwei Teile gegliedert. Im unteren Teil ist das felsige Element mit dem waldigen Element verbunden, das aus einer reichen Vielfalt von Grün- und Brauntönen besteht, die die Konturen der Bäume und Sträucher umreißen; in der Mitte befinden sich außerdem, ziemlich getarnt in der Umgebung, zwei menschliche Figuren, die von einem Hund begleitet werden, der hinter ihnen kauert. Der obere Teil des Gemäldes wird dagegen ganz vom Himmel eingenommen, dessen bleierne Farbe die Ankunft eines großen Sturms ankündigt. Diesem Gemälde sollten ab 1855 zahlreiche Variationen folgen, wie Landschaft bei Maisières und Landschaft bei Ornans, wo das Nebeneinander von dominanten Felsen und Vegetation fortbesteht, und in Gemälden, die Courbet in seinen letzten Lebensjahren außerhalb von Ornans schuf, wie Tal der Loue bei Ornans und Apfelbäume des Vaters Courbet in Ornans. Letzteres zeichnet sich durch die Anwesenheit einiger Apfelbäume im Vordergrund aus, deren üppiges Laub mit grünlich-gelben Flecken übersät ist, sowie durch einen Himmel, der nicht ganz klar ist, sondern in dem graue Wolken aufziehen.

Gustave Courbet, Der verwundete Mann (1844-1854; Öl auf Leinwand, 81,5 x 97,5 cm; Paris, Musée d’Orsay)

Gustave Courbet, Landschaft bei Maisières (1865; Öl auf Leinwand, 50 x 65 cm; München, Neue Pinakothek)

Gustave Courbet, Landschaft bei Ornans (1855-1860; Öl auf Leinwand, 65 x 81 cm; Wien, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste)

Gustave Courbet, Das Tal der Loue unter einem stürmischen Himmel (um 1849; Öl auf Leinwand, 54 x 65 cm; Straßburg, Musée des Beaux-Arts)

Gustave Courbet, Loue-Tal bei Ornans (1872; Öl auf Leinwand, 80 x 100 cm; Bristol, Bristol Museums & Art Gallery)

Gustave Courbet, Vater Courbets Apfelbäume bei Or nans (1873; Öl auf Leinwand, 45 x 54,5 cm; Rotterdam, Museum Boijmans van Beuningen)

Wie bereits erwähnt, war die Landschaft für Courbet kein zweitrangiges Element, wie es in der akademischen Malerei der Fall war, sondern sie war eng mit den späteren Figuren von Mensch und Tier verbunden: Das eine betrachtete er als Ergänzung zum anderen. Dies wird in einigen Werken der Ausstellung deutlich, wie z. B. in Caprioli alla fonte (Rehe an der Quelle), wo zwei Rehe freudig im Wasser baden, das zwischen einer wiederum aus Felsen und Bäumen bestehenden Landschaft fließt, und ein weiteres Reh im Vordergrund, das den Betrachter mit lebhaftem Blick anschaut; das freundliche Tier befindet sich noch im Schatten der Baumkronen, ist aber bereit, mit seinen anderen Artgenossen in das kühle Wasser zu springen. Dies ist auch auf zwei sehr eindrucksvollen Gemälden zu sehen, auf denen das Wasser und die menschliche Figur in einer grünen Landschaft interagieren: Die Quelle oder Badende an der Quelle und Die junge Badende. Auf dem ersten Gemälde sieht man eine wohlgeformte weibliche Figur, nackt, von hinten und mit hochgestecktem Haar, die sich an einen Felsen lehnt. Die sinnliche junge Frau hält sich mit einer Hand an den belaubten Ästen eines Baumes fest, während sie das von der Quelle herabfließende Wasser in ihre andere offene Hand fließen lässt; ihre Füße sind in das transparente Wasser getaucht. Auf dem zweiten Gemälde hingegen sehen wir eine junge, vollschlanke nackte Frau, die sinnlich ihre Zehen in das durch den Wald fließende Wasser taucht. Außerdem hält sie sich mit einer Hand am Ast eines Baumes fest und berührt mit der anderen ihr Haar. Auch hier ist ein vertiefter, kontemplativer Ausdruck zu erkennen. Courbet greift in diesen beiden Gemälden das Thema des in die Natur eingetauchten Aktes auf: Er lädt es jedoch nicht mit den mythologischen Bezügen der Tradition auf, sondern wird zu einer Darstellung der sinnlichen Lust im Kontakt mit den Naturelementen. Die weiblichen Mysterien werden so vom Künstler mit den Mysterien der Natur verbunden, in Bezug auf den Ursprungscharakter beider.

Zwei junge Mädchen, die zusammen dargestellt sind, sind die Protagonisten eines anderen großen Werks mit dem Titel Mädchen am Seineufer. Dieses Gemälde wurde 1857 auf dem Salon wegen seiner monumentalen Größe, die im Allgemeinen für historische, biblische und mythologische Darstellungen typisch ist, und wegen der Sinnlichkeit, die von den beiden weiblichen Figuren ausgeht, scharf kritisiert. Ein hässliches und vulgäres Gemälde, so Théophile Gautier, der es wie folgt beschrieb: “Zwei große Gestalten, denen man das Kompliment macht, sie leichte Frauen zu nennen, liegen im Gras [...] in sehr schlechtem Geschmack und scheinen den Wein zu schlucken, mit dem in den Tavernen von Asniéres das gebratene Essen heruntergespült wird”. Auf diesem riesigen Gemälde (174 mal 206 Zentimeter) porträtiert Courbet zwei junge Mädchen, die an einem Sommertag im Gras am Ufer der Seine liegen. Das eine hält sich in Gedanken versunken mit der Hand den Kopf und umklammert mit der anderen Hand einen großen Blumenstrauß; das andere Mädchen liegt ganz auf dem Bauch und starrt den Betrachter mit halbgeschlossenen Augen an. Die Kleidung, die sie tragen, verrät, dass beide nicht zur guten Gesellschaft gehören: die erste trägt ein rotes Kleid, schwarze Spitzenhandschuhe mit einem roten Perlenarmband und einen großen Hut auf dem Kopf; die zweite trägt einen Unterrock und ein Korsett. Viele Kritiker haben die beiden Mädchen als Prostituierte interpretiert oder an eine homosexuelle Liaison gedacht, aber Courbet scheint sich von einem Roman von George Sand, Lélia, inspirieren zu lassen, in dem zwei Schwestern Liebe und Sinnlichkeit hinterfragen. Darüber hinaus stellte der Künstler hier die Vergnügungen der neuen Industriegesellschaft im Freien dar und nahm damit ein Thema vorweg, das den Impressionisten sehr am Herzen lag. Das Gemälde wurde in Paris gemalt, wohin der Maler Ende 1839 gezogen war und so die Gelegenheit hatte, mit der Pariser Gesellschaft in Kontakt zu kommen, die sich deutlich von der provinziellen Realität unterschied, aus der er stammte.

Gustave Courbet, Rehe an der Quelle (1868; Öl auf Leinwand, 97,5 x 129,8 cm; Fort Worth, Kimbell Art Museum)

Gustave Courbet, Badende an der Quelle (1868; Öl auf Leinwand, 128 x 97 cm; Paris, Musée d’Orsay)

Gustave Courbet, Junge Badende (1866; Öl auf Leinwand, 130,2 x 97,2 cm; New York, Metropolitan Museum)

Gustave Courbet, Jungfrauen am Seine-Ufer (1856-1857; Öl auf Leinwand, 174 x 206 cm; Paris, Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris)

Ein weiterer Aspekt ist die Tatsache, dass Courbet unter freiem Himmel zu malen pflegte, wie das Skizzenbuch des im ersten Saal ausgestellten Selbstporträts beweist: Vor allem die Landschaften wurden von ihm an Ort und Stelle porträtiert und vielleicht später in seinem Atelier retuschiert. Beispiele dafür sind die beiden Versionen des Baches Puits noir im Loue-Tal: eine aus dem Jahr 1855, die in der National Gallery of Art in Washington aufbewahrt wird, die andere von 1865, die im Musée des Augustins in Toulouse aufbewahrt wird. Ein ganzer Saal ist den Quellen der Loue und ihres Nebenflusses Lison gewidmet: Diese Werke zeichnen sich durch einen dunklen Karsthohlraum in der Mitte des Bildes aus, aus dem Quellwasser fließt. Als Liebhaber von Spaziergängen in der Natur, insbesondere in den Wäldern von Ornans, hat Courbet die Höhlen und Quellen, die er aus erster Hand erfahren hat und die er sehr gut kennt, dargestellt und auch das Gefühl der Beunruhigung, das er bei ihrer Entdeckung empfand, in die Darstellung eingebracht. Beispiele hierfür sind Die Quelle der Lison, Die Sarrazinhöhle und Die Quelle der Loue. Im letztgenannten Werk stellt er einen kleinen Fischer vor, der in der Mitte der Komposition auf einem Damm steht, der das Wasser zu einer Mühle umleitet. Die Figur ist winzig im Vergleich zu dem riesigen dunklen Hohlraum, der das gesamte Bild einnimmt, und dem majestätischen Kalksteinbogen, den Courbet mit Hilfe der Spachteltechnik realistisch wiedergegeben hat: Indem er die Farben mit dem Spachtel direkt auf die Leinwand auftrug, konnte der Künstler die materielle Beschaffenheit des Kalksteins nachempfinden.

Neben seinen langen Spaziergängen in den Wäldern und Tälern der Franche-Comté liebt Courbet das Reisen: Für den Künstler ist das Reisen ein Motiv, um neue Naturszenarien zu entdecken , die er in seinen Gemälden darstellen kann. Ab 1854 reiste er für längere Zeit nach Südfrankreich und kam so mit dem Mittelmeer in Berührung. Er hielt sich auch in Fontainebleu auf und verbrachte mehrere Aufenthalte in Holland, Belgien, Deutschland und der Schweiz. An den Ufern des Mittelmeers lernte er 1853 Alfred Bruyas kennen, einen jungen und erfahrenen Sammler aus Montpellier. Die beiden wurden sofort Freunde und Bruyas wurde sein Mäzen. Die Begegnung mit Bruyas sollte für Courbets künstlerische Laufbahn von grundlegender Bedeutung sein und wird in dem imposanten Gemälde der Ausstellung Die Begegnung oder Guten Morgen, Herr Courbet gut veranschaulicht: Die beiden Figuren stehen sich vor einer südfranzösischen Kulisse gegenüber; Bruyas ist nicht allein, sondern wird von seinem Diener Calas und seinem Hund begleitet. Schon die Darstellung der beiden Hauptfiguren erscheint bedeutsam, weil sie auf den ersten Blick definiert, woher sie kommen: Courbet trägt einen Rucksack auf den Schultern, hält in der rechten Hand einen Bergstock und in der linken einen Hut; eine Kleidung, die sofort an die Berglandschaft erinnert. Im Gegensatz dazu trägt Bruyas die Kleidung eines bürgerlichen Bürgers. Man könnte sagen, eine Begegnung zwischen der Bergwelt und der Meereswelt des Mittelmeers.

Während eines Aufenthalts in Saintonge, einer alten Provinz im Zentrum Frankreichs, lernte Courbet Jean-Baptiste Camille Corot (Paris, 1796 - 1875) kennen, den er bereits kannte. Auch Corot malte die Natur nach dem Leben, und das Interesse und der Wunsch, die Landschaftsmalerei zu erneuern, indem man sich immer mehr einer realistischen Darstellung der Natur annähert, insbesondere im Hinblick auf die materiellen Elemente, zeigt sich in einem Dialog zwischen zwei Gemälden der beiden Künstler: Courbets Bröckelnder Fels, eine geologische Studie, und Jean-Baptiste Camille Corots Fontainebleu, ein verlassenes Bergwerk, in dem in beiden Fällen der Fels dominiert.

Gustave Courbet, Der Bach des Puits noir (1855; Öl auf Leinwand, 104 x 137 cm; Washington, National Gallery)

Gustave Courbet, Der Bach des Puits noir (1865; Öl auf Leinwand, 80 x 100 cm; Toulouse, Musée des Augustins)

Gustave Courbet, Die Quelle der Lison (1864; Öl auf Leinwand, 54 x 45 cm; Privatsammlung)

Gustave Courbet, Die Sarrazinhöhle (1864; Öl auf Leinwand, 46 x 55 cm; Lons-le-Saunier, Musée des Beaux-Arts)

Gustave Courbet, Die Quelle der Loue (1864; Öl auf Leinwand, 98,4 x 130,4 cm; Washington, National Gallery)

Gustave Courbet, Das Treffen oder Guten Morgen, Herr Courbet (1854; Öl auf Leinwand, 132,4 x 151 cm; Montpellier, Musée Fabre)

Gustave Courbet, Bröckelnder Fels, Geologische Studie (1864; Öl auf Leinwand, 59,7 x 73 cm; Salins-les-Bains, Grande Saline)

Jean-Baptiste Camile Corot, Fontainebleu, verlassene Mine (1850; Öl auf Papier auf Leinwand geklebt, 29 x 43 cm; Den Haag, De Mesdag Collectie)

Zwei ganze Räume der Ausstellung sind jedoch den Meereslandschaften gewidmet. Diese lassen sich in zwei Serien unterteilen: Wellen und Seelandschaften. Beide entstanden in der Zeit zwischen 1865 und 1869, als sich der Künstler für längere Zeit in der Normandie, im Norden Frankreichs, aufhielt, an Orten, die von der nächsten Künstlergeneration, den Impressionisten, sehr häufig gemalt wurden: die Landschaften von Le Havre, Étretatund anderen umliegenden Orten. Der Ozean hat von Natur aus einen stärkeren und entscheidenderen Charakter als das Meer: Die häufigen, manchmal heftigen Stürme sind durch die großen, schäumenden Wellen und den Himmel über ihnen gekennzeichnet, der abrupt seine Farbe ändert und dunkler wird, je näher der Sturm kommt. All diese Elemente sind die Protagonisten der Serie Waves: Eines der eindrucksvollsten Beispiele ist dieWave , die in den National Galleries of Scotland in Edinburgh ausgestellt ist. Im Vordergrund steht eine große Welle, die sich in den immer dunkler werdenden Himmel erhebt, so dass der Betrachter jeden kleinen Pinselstrich, der in impressionistischer Manier mit direkt auf die Leinwand gedruckter Farbe ausgeführt wurde und den überwältigenden weißen Schaum bildet, deutlich erkennen kann. Neben den verschiedenen Variationen des Themas gibt es ein Werk, in dem Courbet die Komposition verändert, indem er ein Fischerboot im Vordergrund am Ufer hinzufügt. Das 1870 entstandene Gemälde wird im Musée des Beaux-Arts in Orléans aufbewahrt und ähnelt derWelle von Le Havre von 1869, auf der zwei Boote zu sehen sind und die Töne viel dunkler sind.

Im Gegensatz dazu ist die Serie Marine von friedlichen Momenten inspiriert, wenn das Meer ruhig ist. Das prächtige Gemälde Sonnenuntergang: Strand von Trouville zieht die Blicke auf sich. Farbenprächtige Pinselstriche lassen das Meer unter einem sanft errötenden Himmel funkeln; in der Ferne ein kleines Segel. Einzigartig in Courbets Schaffen ist das Gemälde Die Windhunde des Grafen von Choiseul: Das Werk wurde vom Künstler im Sommer 1866 in Deauville gemalt und zeigt die beiden schönen Windhunde des Grafen, bei dem er sich aufhielt; die beiden Tiere im Vordergrund, die perspektivisch in ihrer Höhe dargestellt sind, heben sich mit klar definierten Linien vom Hintergrund ab, der aus Meer und Himmel besteht, Elemente, die durch einen weiten Horizont deutlich voneinander getrennt sind.

Gustave Courbet, Die Welle (um 1869; Öl auf Leinwand, 46 x 55 cm; Edinburgh, National Galleries of Scotland)

Gustave Courbet, Die Welle (1869; Öl auf Leinwand, 71,5 x 116,8 cm; Le Havre, Musée d’art moderne André Malraux)

Gustave Courbet, Sonnenuntergang: Strand von Trouville (um 1866; Öl auf Leinwand, 71,5 x 102,3 cm; Hartford, Wadsworth Atheneum Museum of Art)

Gustave Courbet, Die Windhunde des Grafen von Choiseul (1866; Öl auf Leinwand, 89,5 x 116,5 cm; Saint Louis, Saint Louis Art Museum)

Die letzten Jahre seines Lebens und seiner künstlerischen Tätigkeit waren von einer nostalgischen, fast romantischen Einstellung zu seiner Heimat geprägt: 1873 sah sich Courbet gezwungen, dasExil zu wählen und somit nicht mehr in seine Heimat zurückzukehren, um einer erneuten Inhaftierung zu entgehen. Nach seiner immerwährenden Abneigung gegen den Imperialismus und Napoleon III. nähert er sich sozialistischen und anarchistischen Ideen an und wird in den Rat der Kommune gewählt, der Regierung, die Paris von März bis Mai 1871 selbst verwaltet. Dafür und für seine Rede, in der er sich für die Zerstörung der Vendôme-Säule aussprach, des Denkmals zu Ehren der militärischen Siege Napoleons I., das 1872 tatsächlich zerstört wurde, wurde er verhaftet und zunächst zu sechs Monaten, dann zu zwei Jahren Gefängnis verurteilt, wobei auch sein Vermögen beschlagnahmt wurde. Daher zog er dauerhaft nach La Tour-de-Peilz am Genfer See in der Schweiz. Hier malte er Ansichten des Genfer Sees und des Schlosses Chillon sowie Ansichten der Alpen. Es handelt sich um Landschaften mit wolkenverhangenem Himmel oder rotem Himmel bei Sonnenuntergang, die die Vision der Gefühle und der Innerlichkeit des melancholischen Künstlers unterstreichen.

In Erinnerung an die Marinas, die er während seiner Aufenthalte in der Normandie malte, schuf er mehrere Werke am Genfer See, in besonderen Lichtsituationen: in der Dämmerung, bei Sonnenuntergang und unter bewölktem Himmel. Wunderbar eindrucksvoll ist das Alpenpanorama: die majestätischen schneebedeckten Gipfel und die bemerkenswerte Fähigkeit, felsiges Material darzustellen, erinnern an die Berglandschaften, die er in der Franche-Comté malte.

Der letzte Saal der Ausstellung ist ganz der Jagd gewidmet und setzt die Durchdringung von Landschaft, Tieren und manchmal sogar Menschen in ein und demselben Gemälde fort. Courbet hatte sich in seinem Ornans in der Kunst der Jagd geübt, die ihn sehr faszinierte, und er reproduziert dieses Thema auf der Leinwand mit der Absicht einer doppelten Treue zum Realismus, zu dem er sich als erfahrener Jäger bekannte, und zur großen malerischen Tradition der flämischen Meister des 17. Von monumentalen Ausmaßen (220 mal 275 Zentimeter) ist das dramatischste Gemälde des Saals: Der Hirsch im Wasser. Mit einem Schrei in Richtung Himmel stürzt sich der Hirsch in den Fluss, dem sicheren Tod entgegen; die dramatische Szene wird durch die umgebende Landschaft, die weit, aber trostlos erscheint, und durch einen Himmel, der durch die Farbe der Wolken einen Sturm ankündigt, noch verstärkt. Ein ähnlicher Ausdruck, mit weit aufgerissenem Maul, findet sich bei dem am Boden liegenden, erlegten Hirsch im Gemälde Der deutsche Jäger.

Meisterhaft behandelt wird das Thema der Jagd im Schnee, wobei die Jäger manchmal Männer sind, die von ihren treuen Tieren begleitet werden, oder die Tiere selbst, die den Gesetzen der Natur folgend nach Nahrung suchen. Beispiele sind der Jäger zu Pferd, der der Spur folgt, und der Fuchs im Schnee. Das erste Bild zeigt einen Mann, der gegen die Kälte gewappnet ist, aber einen müden und melancholischen Gesichtsausdruck hat, der wahrscheinlich von einem langen Jagdtag herrührt, der nicht viel gebracht hat, und sein Pferd. Letzteres hat einen gekrümmten Rücken und versucht, die Fußspuren seiner verwundeten Beute zu erschnüffeln. Die blutverschmierten Fußspuren im Schnee lassen den Betrachter vermuten, dass sich nicht weit von der dargestellten Szene ein verwundetes Tier befindet, aber es ist nicht klar, welches. Die Töne des Gemäldes sind eher dunkel und deuten darauf hin, dass sich der lange Tag dem Ende zuneigt und die Wolken am Himmel näher rücken; auch der Schnee erscheint nicht weiß, sondern von einer ins Graue tendierenden Farbe. Dieses Gemälde ist von den Jagderfahrungen Courbets beeinflusst, der selbst ein leidenschaftlicher Jäger war und den Herbst in seinem Haus in Ornans verbrachte, um die Jagdsaison nicht zu verpassen, und zwar ohne Hunde.

Das zweite Gemälde zeigt im Vordergrund einen schönen Fuchs , der mit nach oben gerichteter Rute zusammengekauert ist und sich an seiner erfolgreichen Jagd erfreut: Mit einer Pfote hält er eine Maus, seine Beute, fest, aus deren Maul Fleischfetzen sprießen.

Im Gegensatz zum vorherigen Gemälde ist der Schnee weiß und die Landschaft kann durchaus als bewaldet bezeichnet werden: Felsen und kleine Büsche, ebenfalls mit Schnee bedeckt, sind zu sehen. Dagegen wirkt das Gemälde mit dem Titel Das Refugium des Rehs im Winter malerischer und ruhiger: Inmitten von hohen, schneebedeckten Bäumen, die einen Wald bilden, und einer weichen, weißen Schneedecke, die den Boden bedeckt, stehen drei Rehe in der Mitte des Bildes, von denen zwei in Ruhe zusammengekauert sind und ein weiteres die Umgebung zu erkunden scheint, in der es Zuflucht gefunden hat.

Gustave Courbet, Genfer See in der Abenddämmerung vor Bon-Port (1876; Öl auf Leinwand, 59,5 x 80 cm; Privatsammlung)

Gustave Courbet, Sonnenuntergang am Genfer See (1874; Öl auf Leinwand, 54,5 x 65,4 cm; Vevey, Musée Jenisch)

Gustave Courbet, Genfersee bei bewölktem Himmel (1874; Öl auf Leinwand, 38 x 55,5 cm; London, National Gallery)

Gustave Courbet, Panorama der Alpen (um 1876; Öl auf Leinwand, 64 x 140 cm; Genf, Musées d’art et d’histoire)

Gustave Courbet, Hirsche im Wasser (1861; Öl auf Leinwand, 220 x 275 cm; Marseille, Musée des Beaux-Arts)

Gustave Courbet, Der deutsche Jäger (1859; Öl auf Leinwand, 119 x 177 cm; Lons-le-Saunier, Musée des Beaux-Arts)

Gustave Courbet, Jäger zu Pferd auf der Jagd (1863-1864; Öl auf Leinwand, 119,4 x 95,3 cm; New Haven, Yale University Art Gallery)

Gustave Courbet, Fuchs im Schnee (1860; Öl auf Leinwand, 85,7 x 128 cm; Dallas, Dallas Museum of Art)

Gustave Courbet, Das Refugium der Rehe im Winter (1866; Öl auf Leinwand, 54,1 x 72,8 cm; Lyon, Musée des Beaux-Arts)

Damit endet ein didaktisch gut aufbereiteter Ausstellungsparcours, der darauf abzielt, ein Thema vorzustellen, das dem breiten Publikum wenig bekannt ist und in Ausstellungen, die Künstlern gewidmet sind, deren Kunst dennoch von der Beziehung zur Natur durchdrungen ist, wie im Fall von Gustave Courbet, kaum behandelt wird. Am Ende der Retrospektive wird der Besucher verstanden haben, wie grundlegend seine Heimat für den Künstler während seiner gesamten Laufbahn war und wie sensibel der Charakter des Künstlers im Inneren ist. Courbet und die Natur ist also eine gut verständliche Ausstellung, die sorgfältig kuratiert und zusammengestellt wurde, um jedem die Möglichkeit zu geben, sich mit einem sehr bedeutenden Aspekt des französischen Künstlers auseinanderzusetzen.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Essays über die Bedeutung der Landschaft für Courbet, darüber, dass die Natur für den Künstler nicht einfach nur eine Kulisse war, auf der er seine Figuren darstellte, sondern wie innovativ und revolutionär er im Vergleich zu seinen Zeitgenossen mit diesem Thema umging, und über Courbets modernes Erbe.

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