Hokusai in Pisa, viele Meisterwerke und einige Ungewissheiten

Die Ausstellung Hokusai, die am 24. Oktober 2024 imPalazzo Blu in Pisa eröffnet wurde und bis zum 23. Februar 2025 zu sehen sein wird, neigt sich nun ihrem Ende zu. Wieder einmal hat der Patrizierpalast am Arno im Herbst und Winter eine große Ausstellung angeboten, die mit einem bedeutenden Namen der Kunstgeschichte verbunden ist und große Anziehungskraft hat. Sie ist Teil einer weitsichtigen Ausstellungsstrategie, die dem Palazzo Blu eine führende Rolle in der italienischen Kulturszene verschafft hat und seine Ausstellungen zu einem unumgänglichen Termin macht. Die Resonanz lässt auch diesmal nicht auf sich warten: Die Organisatoren geben bekannt, dass sie die Grenze von 75.000 Besuchern weit überschritten haben, und rechnen mit rund 100.000 Besuchern. Um das gesetzte Ziel zu erreichen, werden die Öffnungszeiten der Ausstellung an allen Wochenenden im Februar bis 23 Uhr verlängert.

In Italien sind Ausstellungen zur japanischen Kunst und insbesondere zu Hokusai mittlerweile keine Seltenheit mehr, aber die Ausstellung in Pisan hat den unbestreitbaren Vorzug, dass sie auf Meisterwerken von großer Qualität aufgebaut ist: Sie zeigt mehr als 200 Werke aus dem Museum für Orientalische Kunst Edoardo Chiossone in Genua und dem Museum für Orientalische Kunst in Venedig sowie einige weitere aus italienischen und japanischen Privatsammlungen, die von Rossella Menegazzo, Professorin für Geschichte der ostasiatischen Kunst an der Universität Mailand, kuratiert wurden. Der Ruhm von Katsushika Hokusai ist selbst in der breiten Öffentlichkeit so weit verbreitet, dass er den Künstler (wahrscheinlich unbewusst) zum Symbol für die gesamte Kunst der aufgehenden Sonne und in gewisser Weise sogar für die asiatische Kunst gemacht hat. Der Maler und Graveur Hokusai wurde 1760 in Edo, dem heutigen Tokio, geboren und starb dort nach einem langen und erfolgreichen Leben 1849. Seine Berühmtheit, vor allem im Westen, ist mit seinem grafischen Werk verbunden, während er in seiner Heimat für sein gesamtes Schaffen, einschließlich seiner Malerei, große Anerkennung erhielt, was ihn dazu veranlasste, sich bei Wettbewerben und künstlerischen Herausforderungen zu profilieren, bei denen er durch seinen exzentrischen und kreativen Charakter auffiel. Unter den zahlreichen Anekdoten, die fast schon an Hagiographie grenzen, wird oft die Herstellung eines Porträts von Daruma, dem vergöttlichten Patriarchen des Zen-Buddhismus, im Jahr 1804 auf einer Fläche von etwa 200 Quadratmetern Papier erwähnt. Das in einer Art Happening entstandene Werk wurde vom Publikum gefeiert, ebenso wie ein umgekehrtes Werk, bei dem er einen Vogel im Flug auf einem Reiskorn malte. Als er 1804 zu einem Malwettbewerb eingeladen wurde, an dem auch der Tokugawa Shōgun Ienari teilnahm, soll er gewundene blaue Striche auf eine demontierte Schiebetür gemalt haben, dann ein Huhn in die Hand genommen und seine Füße in rotes Pigment getaucht haben, um es schließlich auf dem Bild herumtrampeln zu lassen. Sobald die Tür wieder an ihrem Platz ist, erscheint der Tatsuta-Fluss, über dem rote Ahornblätter flattern, die auf ein Bild aus einem berühmten Gedicht verweisen.

Ob diese Episoden wahr oder teilweise übertrieben sind, spielt keine Rolle, denn sie zeigen die Inspiration eines Mannes, der sein ganzes Leben der Kunst gewidmet hat und mehr als dreitausend Drucke und zahlreiche Gemälde, von denen mindestens tausend überliefert sind, zweihundert illustrierte Bücher sowie unzählige Zeichnungen und Skizzen geschaffen hat. Sein Werk gehört zur japanischenUkiyo-e-Malerei (Bilder der schwebenden Welt), die sich während der Edo-Zeit, d. h. vom 17. bis zum Ende des 19. Jahrhunderts, entwickelte. In dieser Zeit war Japan ein sakoku-Land, d. h. ein Land, das sich durch eine Politik der Isolation auszeichnete, und in dem die Shogun-Macht an der Spitze einer feudalen Organisation, die den Kaiser faktisch verdrängt hatte, als Zeichen der Loyalität gegenüber ihren Daimyo den Aufenthalt in Edo, wo der shōgun lebte, für lange Zeit im Jahr vorgeschrieben hatte. Dies führte dazu, dass Edo, ein kleines befestigtes Dorf, zur bevölkerungsreichsten Megalopolis der Welt wurde, dem Schauplatz der ständigen Rituale, die die Macht auferlegte. Gleichzeitig entstand eine gemeinsame Kultur, die auf der Überzeugung beruhte, dass das Leben vergänglich ist und daher durch die Flucht in Vergnügungen bekämpft werden muss: Theater, Reisen, Freudenhäuser und die Schönheiten der Welt wie Kunst und Poesie. Die Ukiyo-e-Grafiken sind das Thermometer dieses Geschmackswandels, der sich von traditionellen Themen abwendet und zeitgenössische Themen wie Restaurants, Theater, Teehäuser, Poststationen und vieles mehr aufgreift. Diese Drucke waren im Allgemeinen nicht der kultivierten Elite des Landes vorbehalten, sondern waren für ein Massenpublikum bestimmt. Es handelte sich um polychrome Holzschnitte, die in Japan durch die Zusammenarbeit von Künstlern, Verlegern, Graveuren und Druckern einen hohen Grad an technischer Perfektion erreichten. Die vom Künstler gelieferte Zeichnung wurde auf hölzernen Matrizen reproduziert, eine für jede Farbe oder jedes Detail, das eingefärbt werden sollte, bis zu zwanzig. Daher das Unverständnis des Westens, der diese Kunst lange Zeit für den Ausdruck einer aristokratischen Gesellschaft gehalten hat und nicht für “Figuren, die für zwei Cent verkauft werden”, wie Henri Focillon sie zu entmythologisieren versuchte.

Die Ausstellung in Pisa versammelt eine reiche Auswahl an Grafiken, die die Welt verzauberten, insbesondere die berühmten Ansichten(meishoe), die die malerischsten Orte Japans darstellen, von natürlichen wie Bergen, Wasserfällen, Flüssen und Gärten bis hin zu künstlichen wie Brücken, Tempeln, Schreinen, Restaurants und Gasthöfen. Es handelt sich um Werke von Hokusai, die um 1830 entstanden sind und zu den Serien Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji, Ungewöhnliche Ansichten berühmter japanischer Brücken in allen Provinzen und Reise unter japanischen Wasserfällen gehören.

Sie zeigen Kompositionen von hohem Naturalismus, in denen Naturphänomene oder architektonische Gegebenheiten mal die Hauptrolle spielen, mal den Hintergrund für eine Bevölkerung bilden, die dem täglichen Leben nachgeht und dem unerbittlichen Wechsel der Jahreszeiten folgt. Die Grafiken, die sich stets durch eine große erzählerische Lebendigkeit auszeichnen, wechseln zwischen solchen, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, und solchen, die mit wenigen Strichen und weiten, ruhigen Hintergründen auskommen, wie die Grafik Die Kintai-Brücke in der Provinz Suo. In einigen dieser Drucke kann man auch die Verwendung von Prägungen feststellen, kleine Vertiefungen, die lebendige Texturen bilden, die Details wie plätscherndes Wasser, Fell oder Schuppen einen taktilen Wert verleihen. Aber der absolute Protagonist dieser Produktion ist die brillante Farbgebung, die manchmal nur aus Blau, manchmal aus mehreren Farben besteht.

Die ikonischsten Werke gehören zu der Serie, die dem Berg Fuji gewidmet ist, einem Vulkanrelief, das der japanischen Kultur so heilig ist, dass ihm der Ehrentitel San verliehen wurde. In Hokusais Grafiken ist er im Allgemeinen im Hintergrund platziert und kaum sichtbar, mit Ausnahme der Grafik, die als Roter Fuji bekannt ist und die in der Ausstellung im Palazzo Blu in drei Versionen mit unterschiedlichen Farbschattierungen und Leuchtkraft gezeigt wird, sowie des Gewitters unterhalb des Gipfels. Hokusais bekanntestes Werk, Die große Welle von Kanagawa, gehört ebenfalls zu dieser Serie, auch wenn der Berg im Gewirr des Meeres kaum wahrnehmbar ist. Dieses Meisterwerk der grafischen Zeichen und Farben ist vielleicht eines der ersten Ukiyo-e-Grafiken, in denen die Verwendung von Preußischblau, das in Europa entdeckt und um 1829 von holländischen Schiffen nach Japan importiert wurde, voll zum Tragen kommt und zeigt, dass die Isolation des japanischen Landes nicht gerade wasserdicht war. Die große Welle, die wie alle japanischen Werke von rechts nach links zu lesen ist, wurde von den Europäern oft aus einem romantischen Blickwinkel heraus betrachtet, als eine stiefmütterliche Natur, die den Menschen überragt. Stattdessen wollte Hokusai ein ephemeres Phänomen par excellence festhalten und gleichzeitig das harte Leben der Fischer zeigen, die jedoch fast eine Gemeinschaft mit der Schöpfung finden. Der in Pisa ausgestellte Druck zeugt von dem großen Erfolg, den er hatte, so sehr, dass er in Tausenden von Exemplaren gedruckt wurde, obwohl die frühesten offensichtlich die qualitativ besten waren: Das hier ausgestellte Exemplar zeigt bereits eine fortgeschrittene Abnutzung der Matrize, die sich in der unterbrochenen Linie der Welle auf der rechten Seite sowie im Siegel auf der linken Seite und durch eine schwächere Brillanz des Blaus bemerkbar macht.

Der “alte Narr der Malerei”, wie Hokusai sich selbst nannte, war auch der Gründer einer Schule mit mehreren Schülern, und im Laufe seines Lebens verfasste er zahlreiche Zeichenhandbücher, darunter Manga, die 1814 erstmals veröffentlicht und mit dem 1878 posthum erschienenen fünfzehnten Band abgeschlossen wurden. Diese prächtigen Bände, von denen einige Exemplare in der Ausstellung zu sehen sind, sind ein unerschöpfliches Sammelsurium von Bildern, in denen Hokusais Leidenschaft und Neugierde für jede Form, jeden Gegenstand, jedes Tier und jeden Menschen zum Ausdruck kommen. Es waren die ersten Illustrationen, mit denen die Europäer die japanische Kunst kennenlernten: Es heißt, dass die Mangas als Einwickelpapier für Porzellan verwendet und so von den französischen Künstlern entdeckt wurden.

Ein kleiner Teil zeigt auch das Engagement des Künstlers für das Genre der Shunga (Frühlingsbilder), Illustrationen erotischer Natur, denen sich die Künstler gerne widmeten, da sie ein sicheres finanzielles Einkommen garantierten. Um der Zensur zu entgehen, wurden die Titelseiten von augenzwinkernden, aber nicht expliziten Zeichnungen begleitet, während sich im Inneren hemmungslose Sexszenen entfalten, in denen intime Attribute übertrieben dargestellt werden: In einer dem Westen völlig fremden Haltung mangelte es diesen Bildern, so unschicklich sie auch sein mochten, nicht an kompositorischer und zeichnerischer Qualität.

Die Ausstellung setzt sich mit der raffinierteren Produktion fort, die sich an ein kultiviertes und elitäres Publikum richtet: Zu diesem Genre gehören die Surimono (Drucksachen), die von Privatpersonen für besondere Anlässe in Auftrag gegeben werden, wie Grußkarten zum Jahresende, Kalender oder Einladungen. Sie waren in poetischen Kreisen weit verbreitet und kombinierten gekonnt frei erfundene Illustrationen und Kalligraphie in einer in Japan durchaus üblichen Verbindung von Wort und Kunst. Die poetischen Kompositionen verschmelzen mit den Bildern und ergänzen sie, die Themen werden von der Gegenwart gereinigt, um aus der antiken Ikonographie zu schöpfen, die aus der Tradition, der Mythologie und dem Sakralen stammt. Da sie für eine hochrangige Klientel gedacht waren, wurden die zartesten Farben aus den feinsten Pigmenten gewonnen und die feinsten Papiere oft mit Gold-, Silber- oder Kupferstaub verziert. Obwohl ihre Auflage absolut begrenzt war, sind die ausgestellten Gemälde, die auf Seiden-, Stoff- oder Papierrollen gedruckt wurden, weitaus seltener.

Diese Werke zeugen von Hokusais ständigem Bemühen und seiner Selbstverleugnung, seinen Stil zu verbessern: Er hoffte, die verborgene Bedeutung der Dinge in seinem hohen Alter zu vertiefen und es zu schaffen, selbst einem Punkt und einer Linie ein eigenes Leben einzuhauchen. Ohne die Einschränkung, dass die Zeichnung in den Druck übertragen werden muss, kommt hier seine große Ausdruckskraft mit fließenden Konturen zum Ausdruck, als ob sie von der Feder eines Kalligraphen nachgezeichnet worden wären. Es gibt verschiedene Schönheitsgemälde, die Frauen oder jungen Menschen gewidmet sind und die, obwohl sie auf eine präzise physiognomische Darstellung verzichten, Züge eines großen Realismus aufweisen, wie das Porträt einer Frau in den Wehen von 1817. Aus dem darauffolgenden Jahr stammt das Werk Tiger im Bambus, der den Vollmond betrachtet, das, obwohl es einen Mangel an Kenntnis des Tieres verrät, von einer Lebendigkeit ist, die an die besten Werke des Dogan Rousseau oder unseres Ligabue erinnert. Es gibt auch einige Aufsätze der Schüler, die seine Tradition fortführten, darunter seine Tochter Ōi, die häufig mit ihrem Vater zusammenarbeitete. Außerdem sind einige Werke zeitgenössischer Künstler ausgestellt, die den Einfluss von Hokusais Kunst auf die heutige Kunst belegen sollen, aber den Eindruck eines bloßen Pop-Zitats erwecken.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Ausstellung in Pisa eine fast schwindelerregende Reise ist, dank der Qualität der Meisterwerke, von denen einige bei den häufigen Ausstellungen auf der Halbinsel nicht oft zu sehen sind. Es bleiben jedoch auch einige Schwachpunkte der Ausstellung hervorzuheben. Wir haben bereits den Vergleich mit Zeitgenossen erwähnt, der das Phänomen des Japonisme, d. h. die Tendenz westlicher Künstler, sich von der Kunst der aufgehenden Sonne zu ernähren, die Grenzen ihrer eigenen Kultur zu überwinden und neue Lösungen und Schemata vorzuschlagen, in keiner Weise erschöpfen kann.

Es ist offensichtlich, dass die Ausstellung kein Interesse daran hat, Forschungen oder Studien vorzuschlagen: Im Einklang mit der Ausstellungspolitik des Palazzo Blu ist sie ein medienwirksames Ereignis mit sicherem Erfolg, ein Ziel, das ich nicht im Geringsten verteufeln möchte. Aus diesem Grund scheinen jedoch einige Entscheidungen wenig verständlich: in erster Linie die, die mit den Erklärungsapparaten zusammenhängen, die darauf verzichten, irgendeinen biografischen Weg über den Künstler oder den japanischen Kontext zu skizzieren, und damit das Risiko kultivieren, dass der Besucher die Ausstellung mit Augen voller Meisterwerke, aber ohne zusätzliche Informationen über Hokusais außergewöhnliche Parabel in der Kunstwelt verlässt.

Vielleicht noch unverzeihlicher ist meiner Meinung nach ein anderes Versäumnis: Wenn diese Ausstellung heute in Italien möglich ist, so ist dies der Weitsicht zweier außergewöhnlicher Persönlichkeiten zu verdanken, Edoardo Chiossone und Enrico di Borbone, die im 19. Insbesondere Chiossone (von dem die meisten der ausgestellten Werke stammen), der nach Japan in die Abteilung für Wertgegenstände des Finanzministeriums berufen wurde, blieb dort dreiundzwanzig Jahre lang und starb dort. Als Künstler und Kupferstecher sammelte er mit viel Feingefühl mehr als dreitausend Holzschnitte sowie zahlreiche Gemälde und Bände von seltener Qualität und schickte sie nach Genua, seiner Heimatstadt, wo sie das Museum bildeten, das noch heute seinen Namen trägt.

Hier hätte die Dankbarkeit gegenüber diesen Persönlichkeiten und ihren Museen sicherlich deutlicher zum Ausdruck kommen müssen. Und wenn es vielleicht zu viel des Guten gewesen wäre, es im Titel zu erwähnen, auch wenn es bei den Hochglanzmuseen üblich ist, wie bei der vorherigen Ausstellung des Palazzo Blu “The Avant-gardes. Meisterwerke aus dem Philadelphia Museum of Art”, wäre es zumindest fair und auf jeden Fall interessant gewesen, etwas von der Sammlungsgeschichte des Museums zu erzählen, wie es auch im Katalog geschieht. Vielleicht hätte sich der eine oder andere unter den Tausenden von Besuchern, die zu der Veranstaltung in Pisa strömten, zu einem Besuch des Museo d’Arte Orientale Edoardo Chiossone in Genua und des Museo d’Arte Orientale in Venedig verleiten lassen, von denen man viel zu selten hört. Alles in allem ist die Hokusai-Ausstellung in Pisa jedoch ein wichtiges Ereignis, das, wenn auch mit einigen Mängeln, einen Besuch wert ist.

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