Guercinos Theater der Zuneigung zwischen Klassik und Natur: die Ausstellung in Piacenza

Unter den großen Bologneser Malern des 17. Jahrhunderts ist Giovanni Francesco Barbieri da Cento, besser bekannt als il Guercino (Cento, 1591 - Bologna, 1666), vielleicht derjenige, der seinen Einfluss auf ein breites Publikum am besten ausübt: Dies ist sicherlich auf die große Geschmeidigkeit seines Pinsels zurückzuführen, der in der Lage ist, die unterschiedlichsten Anregungen einzufangen und sie zu einem einzigartigen Stil zu verschmelzen, der leicht erkennbar ist, sobald sich das Auge daran gewöhnt hat, und der sich ständig weiterentwickelt. Eine unvergleichliche Vielseitigkeit, die man mit Recht mit der von Guido Cagnacci vergleichen könnte, auch wenn das Glück des Romagnolos immer durch ein Leben auf Messers Schneide bestraft wurde, eine problematische künstlerische Karriere, die von Niederlagen und einem Epilog weit weg von Italien unterbrochen wurde. Guercino hatte nie eines dieser Probleme, ganz im Gegenteil: Er arbeitete für Päpste, Kardinäle und verschiedene Potentaten (darunter der Herzog von Modena, Francesco I. d’Este), er hatte eine florierende Werkstatt, und obwohl auch er Phasen tiefen kritischen Unglücks erlebte (vor allem in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, im Anschluss an die Kritik von Ruskin, der in seinen Modernen Malern denAbraham ablehnenden Agar in Brera apostrophierte, indem er ihn “den gemeinen Guercino von Mailand” oder “den unwürdigen Guercino von Mailand” nannte: Der Vollständigkeit halber muss jedoch darauf hingewiesen werden, dass die zerstörerische Feder des englischen Kritikers die gesamte Kunst des 17.

Dieses Glück für Guercino, das durch die Studien von Sir Denis Mahon, dem echten Wiederentdecker von Guercino zusammen mit Roberto Longhi und Kurator der ersten ihm gewidmeten monografischen Ausstellung (1968 in Bologna), noch verstärkt wurde, ist die Grundlage zahlreicher Ausstellungen, die ihn in letzter Zeit als unbestrittenen und oft einzigen Protagonisten sehen und die nach Mahons Tod 2011 in Form von Hommagen noch intensiviert wurden: Die letzte, 2015, war sogar eine Wanderausstellung, die in Rom, Warschau und Zagreb Station machte. Natürlich hat es nicht an Ereignissen gefehlt, auf die man gerne verzichtet hätte, aber das ist eben der Preis, den man zahlen muss, wenn man es mit einem Künstler zu tun hat, dessen Stern zu den hellsten in der Konstellation unserer Kunstgeschichte gehört und dessen Popularität beim Publikum allmählich zunimmt.

Um jeden Zweifel zu zerstreuen, muss man sofort sagen, dass die Ausstellung Guercino in Piacenza. Tra sacro e profano(Guercino in Piacenza. Zwischen dem Heiligen und dem Profanen), die in der Herzogskapelle des Palazzo Farnese in Piacenza stattfand, in die Kategorie der Ausstellungen mit einem hohen wissenschaftlichen Profil und einer ausgezeichneten informativen Struktur gehört, deren Qualität in keiner Weise durch die relativ begrenzte Anzahl der ausgestellten Werke beeinträchtigt wird: Insgesamt achtundzwanzig, die entlang eines chronologischen Weges angeordnet sind, dessen größte Besonderheit darin besteht, dass versucht wird, feierliche Nachrufe auf die Abschnitte von Guercinos Karriere zu vermeiden und, wenn überhaupt, die Entwicklung seiner Kunst gemäß jener grundlegenden Einheit darzustellen, die sie immer ausgezeichnet hat und die durch den Wunsch begründet war, unablässig an dem Prinzip der Nachahmung der Natur festzuhalten, das er von Ludovico Carracci (Bologna, 1555 - 1619), seinem ersten Bezugspunkt, gelernt hatte. Obwohl die extreme Vielseitigkeit, durch die sich Guercino von so vielen anderen bolognesischen Malern des 17. Jahrhunderts unterscheidet, natürlich unbestritten bleibt, betont Daniele Benati, der zusammen mit Antonella Gigli die Ausstellung kuratiert, dass Mahon bei der Unterteilung von Guercinos Karriere in fünf Phasen auf “keine weitere, nicht nur chronologische Konnotation zurückgegriffen hat, die einem Weg innewohnt, der uns jetzt endlich als völlig kohärent erscheint”. Kohärenz scheint im Grunde das Motto dieser Ausstellung zu sein, die versucht, einen Künstler zu zeigen, für den “das alte Gebot, die Gründe für die Geschichte in der vertrauensvollen Rückkehr der Welt um ihn herum zu suchen und gleichzeitig auf die Bitten zu hören, die aus seinem eigenen Herzen kommen”, immer gilt.

Der Eingang zur Ausstellung im Palazzo Farnese, Piacenza

Die Exponate

Neben den soeben genannten Gründen gibt es mindestens zwei weitere Gründe, die die Ausstellung in Piacenza in den Rang einer Qualitätsausstellung erheben. Der erste ist die keineswegs müßige Hommage an die gastgebende Stadt und an den Jahrestag der Ausführung der Fresken, die die Kuppel des Doms schmücken und die die Besucher anlässlich der Ausstellung und der damit verbundenen Veranstaltungen aus nächster Nähe sehen können, wenn sie die steilen Treppen des Kirchengebäudes bis zum Balkon des Tiburiums in etwa dreißig Metern Höhe hinaufsteigen. Die Fresken wurden im Jahr 1627 gemalt (ja, der Jahrestag ist die Zahl 390, also keine runde Zahl, aber der Anlass wird offensichtlich genauso gut zu feiern gewesen sein) und in der Ausstellung haben wir die Gelegenheit, vier vorbereitende Zeichnungen aus dem Gabinetto dei Disegni e delle Stampe di Palazzo Rosso in Genua zu bewundern. Vier lebendige Zeugnisse der akribischen und fieberhaften Vorarbeiten, mit denen sich Guercino auf die Vollendung des von Morazzone 1626 unvollendet gelassenen Zyklus vorbereitete, die umso wertvoller sind, als es immer ein verdienstvolles Unterfangen ist, die Entstehung eines Werkes dem Publikum zu zeigen, und umso aussagekräftiger, weil sie von der ausgezeichneten Tafel mit den Reproduktionen der vier Freskendetails begleitet werden, auf die sich die Studien auf Papier beziehen (drei in Rotstift, eine in Feder und Tinte mit Zusatz von Pinsel und Aquarelltusche). Der zweite Grund ist das Vorhandensein eines Gemäldes, das gerade restauriert wurde: der Heilige Franziskus, der die Wundmale empfängt, der sich am Ende des Rundgangs befindet (kurioserweise in einer Art kleinem Saal, der im Inneren der Buchhandlung eingerichtet wurde) und der im Januar 2017 restauriert wurde. Die Aufzüge wurden repariert, der Rahmen desinfiziert, die Risse ausgebessert und alles wurde mit einer Reinigungsaktion abgeschlossen.

Die Zeichnungen im zweiten Teil der Ausstellung

Guercino, Der Prophet Zacharias (1626; roter Bleistift auf weißem Papier mit Wasserzeichen, 24 x 17,2 cm; Genua, Gabinetto Disegni e Stampe di Palazzo Rosso)

Der erste Teil der Ausstellung, der den frühen Werken Guercinos gewidmet ist, zeigt eine große Anzahl von frühen Meisterwerken, beginnend mit einer sehr raffinierten Mystischen Hochzeit der Heiligen Katharina, die seine Schulden bei Ludovico Carracci verleugnet, wie Guercino selbst bestätigte, der stets zugab, von dem großen Bologneser Künstler in seiner Malweise inspiriert worden zu sein, der aber auch, angesichts der Herkunft des Künstlers, eine Wiederbelebung der Manier von Carlo Bononi (Ferrara, 1569 - 1632) zeigt, einem Maler aus Ferrara, der mit Barbieri (mehr Kilometer, weniger Kilometer) seine geografische Herkunft teilt. Hier kommen das Profil der Heiligen Katharina, die schrägen Falten des Kleides der Madonna und die mit straffen Pinselstrichen gemalten Wolken zur Spontaneität der Gesten hinzu, die alle an Carracci erinnern, sowie die ebenfalls von Ludovico Carracci entlehnte Erfindung (insbesondere aus einem Werk, das sich heute in Göteborg befindet), dass sich das Kind dem Heiligen zuwendet, der die Hauptfiguren begleitet (Karl Borromäus auf dem Guercino-Gemälde; bei Carracci war es der Heilige Franziskus), und nicht dem Protagonisten. Ein Gemälde mit einem stärkeren Carracci-Einfluss sollte einige Jahre später entstehen, nachdem der Maler vorübergehend nach Bologna umgezogen war, wo er die Ergebnisse der Malerei von Ludovico Carracci genau beobachten und fruchtbare Begegnungen mit ihm haben konnte: der Heilige Bernhardin von Siena und der Heilige Franziskus, der vor der Madonna von Loreto betet, gehören in diese Zeit, d. h. etwa drei bis vier Jahre nach der oben erwähnten Vermählung. Noch aus Ferrara stammen die Putten oben, ein fast wörtliches Zitat eines Gemäldes von Scarsellino (Ferrara, um 1550 - 1620), das für das Kloster Santa Maria Maddalena delle Convertite in Ferrara angefertigt wurde und sich heute in Houston befindet, aber von Ludovico Carracci stammt, ist der Geschmack für das Natürliche, die andächtige Atmosphäre, die Geste des Heiligen Franziskus, die von Carracci im Cento-Altarbild übernommen wurde, und wiederum “die Breite der Gesten, die in der Tiefe nach den kraftvollen Bahnen” von Carracci und seinen Schülern gestaffelt sind (so Benati im Katalogeintrag zu dem Gemälde). Symptomatisch für einen persönlichen Geschmack, der sich in den kommenden Jahren noch weiter entwickeln wird, ist hingegen jener Luminismus, der suggestive Kontraste zwischen Licht- und Schattenbereichen erzeugt (siehe die Scheinwerfer, die einige der großformatigen Werke blenden und es notwendig machen, einen optimalen Beobachtungspunkt zu finden, sowie die Madonnenstatue, die durch den Schatten, den der Vorhang der Putten auf sie wirft, in zwei Hälften geteilt wird). Den Abschluss dieses ersten Abschnitts bildet das Konzert in den Uffizien mit einem eindeutig venezianischen Thema, das den Cento-Künstler wahrscheinlich über Dosso Dossi erreichte, der, wie wir wissen, lange Zeit in Ferrara tätig war, und vielleicht auch über die Stiche von Domenico Campagnola.

Abschnitt, der den frühen Werken gewidmet ist

Guercino, Mystische Hochzeit der Heiligen Katharina in Anwesenheit des Heiligen Karl Borromäus (1611-1612; Öl auf Tafel, 50,2 x 40,3 cm; Cento, Fondazione Cassa di Risparmio di Cento)

Guercino, Der heilige Bernhardin von Siena und der heilige Franz von Assisi beten vor der Madonna von Loreto (1618; Öl auf Leinwand, 239 x 149 cm; Cento, Pinacoteca Civica “Il Guercino”)

Guercino, Konzert auf dem Lande (um 1617; Öl auf Kupfer, 34 x 46 cm; Florenz, Uffizien-Galerien)

Die Abteilung, die den 1920er Jahren gewidmet ist (“die Jahre des Ruhmes”, so die Kuratoren), beherbergt einige der berühmtesten Meisterwerke des gesamten Schaffens von Guercino, beginnend mit dem berühmten Et in Arcadia ego, einem Gemälde, das wegen seines zweifellos suggestiven, beunruhigenden und geheimnisvollen Charakters und natürlich wegen des Zusammenstoßes zwischen der Anmut der Landschaft und dem unheimlichen Detail des von Nagetieren gefressenen Schädels in vielen Ausstellungen über Guercino zu sehen war. Betrachtet man die Gemälde nach seinem Romaufenthalt von 1621, bei dem Guercino im selben Haus wie der bereits erwähnte Cagnacci wohnte, kann man auch verstehen, warum der Künstler aus Piacenza eine Faszination ausübt, die selbst auf ein Publikum, das mit der emilianischen Kunst des 17. Viele Gelehrte haben sich mit der Beziehung zwischen Guercino und der Kunst Caravaggios (Mailand, 1571 - Porto Ercole, 1610) auseinandergesetzt, und die Ausstellung in Piacenza bietet eine weitere Gelegenheit, über dieses Thema nachzudenken. Matthäus und der Engel, ein Werk von großer Wirkung, das eine Leihgabe der Pinacoteca Capitolina ist, ließe sich nicht erklären, wenn man nicht über das Licht Caravaggios nachdächte (“wenn auch vermittelt und umerzogen durch die Manieren seiner noch in Rom tätigen Epigonen”, wie Massimo Francucci im Katalog betont), und dasselbe gilt für die berühmte Erscheinung Christi vor seiner Mutter: Der Vorhang in der rechten oberen Ecke scheint aus dem Tod der Jungfrau des großen Michelangelo Merisi zu stammen. Hier koexistieren die beiden großen Seelen der Malerei Guercinos, denn trotz der Nähe zum Natürlichen, die seine Forschung stets kennzeichnete und die, wenn überhaupt, aus dem Vergleich mit Caravaggio mit neuen Anregungen hervorging und die hier, wie in vielen anderen Werken Guercinos, besonders deutlich wird, (dieses anatomische Element ist vielleicht dasjenige, das in der gesamten Produktion Guercinos am meisten und am besten seine Suche nach dem Natürlichen verrät), ist das Werk von jenen Begriffen der “Idealisierung” und “Vereinfachung” beseelt, die Mahon verwendete, um einen Vergleich mit Guido Reni vorzuschlagen und um Affinitäten und Unterschiede aufzuspüren. Letztere sind vor allem in Guercinos fehlendem Rückgriff auf die Antike und in dem heftigeren (wenn ich das Adjektiv verwenden darf) Licht-Schatten-Spiel des Cento-Malers zu finden. Man könnte von einer ausgewogenen “Natürlichkeit” sprechen, die unter strenger Kontrolle steht.

Abschnitt über die Jahre des Ruhms

Guercino, Et in Arcadia Ego (1618; Öl auf Leinwand, 78 x 89 cm; Rom, Gallerie Nazionali di Arte Antica)

Guercino, Der heilige Matthäus und der Engel (1622; Öl auf Leinwand, 120 x 180 cm; Rom, Kapitolinische Museen - Pinacoteca Capitolina)

Guercino, Erscheinung Christi vor seiner Mutter (1628-1630; Öl auf Leinwand, 260 x 179,5 cm; Cento, Pinacoteca Civica “Il Guercino”)

Die große Leinwand derErscheinung führt uns dann zu dem ein, was das Leitmotiv des letzten Abschnitts der Ausstellung ist (“Die Jahre des Ruhms”), nämlich die Vorliebe für das Theater, die einen Großteil von Guercinos Produktion kennzeichnete und die in seiner extremen Phase nicht nachlässt: Es ist dieser Aspekt und nicht die klassizistische Wende der letzten Jahre, auf den die Ausstellung in Piacenza am meisten zu bestehen scheint. Ein Theater der Gefühle, gewiss (und dieErscheinung ist ein hervorragendes Beispiel dafür), das aber oft zu einem konkreten Theater wird, wie in der großartigen Kleopatra im Palazzo Rosso, eines der bekanntesten Werke des Künstlers und wahrscheinlich auch das theatralischste strictu sensu seiner gesamten Produktion. Ein Jubel der Gesten, angedeutet, aber auch offenkundig, ausgeklügelte Posen, Blicke, die mal träge, mal bewegt sind, die die Protagonisten der Werke dazu bringen, den Betrachter emotional zu involvieren, wie Benati im Katalog betont (insbesondere, wie der Gelehrte anmerkt, in den ersten Jahren der Tätigkeit des Künstlers, aber es ist eine Spezifikation, die sich durch die gesamte Karriere Guercinos zieht). Die intensive und süße Schönheit der Susanna, die von den beiden alten Männern vergewaltigt wird und die, ohne auch nur einen Moment den Glauben und die Kontrolle zu verlieren, ihren Blick zum Himmel richtet, um Trost zu suchen, die Zärtlichkeit der Heiligen Agnes, die uns fast erstaunt anschaut, die wir wiederum sie anschauen, und wiederum die tiefe Menschlichkeit der Unbefleckten Empfängnis, die auf ihrer kleinen Wolke ein Meer durchpflügt, das von einem poetischen Mondlicht (einem der schönsten des 17. Jahrhunderts) erhellt wird, sind in diesem Sinne wahre Gipfel, die die Kuratoren in einer Ausstellung zusammengeführt haben, die zu den erfolgreichsten der letzten Jahre gehört.

Guercino, Tod der Kleopatra (1648; Öl auf Leinwand, 173 x 238 cm; Genua, Strada Nuova Museen, Palazzo Rosso)

Guercino, Susanna und die alten Männer (1649-1650; Öl auf Leinwand, 133 x 181 cm; Parma, Galleria Nazionale)

Guercino, Heilige Agnes (1652; Öl auf Leinwand, 117 x 96 cm; Cesena, Galleria dei dipinti antichi della Fondazione della Cassa di Risparmio)

Guercino, Unbefleckte Empfängnis (1656; Öl auf Leinwand, 259 x 180 cm; Ancona, Pinacoteca Civica “Francesco Podesti”)

Eine weitere Guercino-Ausstellung also? Ja und nein. Nein, denn man kann sagen, dass sich die Ausstellung in Piacenza von vielen der Guercino gewidmeten Veranstaltungen der letzten Zeit unterscheidet: Man denke an die eingangs erwähnte “dreiteilige” Ausstellung, die, wenn überhaupt, ein anderes Verdienst hatte, nämlich mehr als zwanzig Werke des Künstlers aus der durch Naturereignisse beschädigten Pinacoteca di Cento herauszuholen, was zwei Drittel der ausgestellten Werke ausmacht, und sie in drei Ländern bekannt zu machen, oder an die kleine Veranstaltung in Cento im Jahr 2014, die der Beziehung zwischen dem Künstler und der Musik gewidmet war, oder an die Ausstellung in Bologna im Jahr 2009, die der jugendlichen Produktion des Künstlers gewidmet war. Ja, weil Guercino ein komplexer Künstler ist, weil es neue Entwicklungen (wenige, aber vorhandene) in der Ausstellung gibt, weil die Ausstellung gut von der Möglichkeit begleitet wird, die Fresken in der Kathedrale aus der Nähe zu betrachten, weil es gut für den Künstler ist, eine Neuinterpretation seiner Karriere zu haben, die auf einer soliden Grundlage basiert, die die neuesten Studien berücksichtigt und mit einem populären Projekt präsentiert wird (mit szenografischen, aber nüchternen Einstellungen: Sehr interessant ist der Korridor mit einigen Sätzen über Guercino, die den Schriften großer Gelehrter wie Mahon, Longhi, Gnudi, Cavalli entnommen sind), das dem Publikum nur nützen kann. Der von Skira herausgegebene Katalog schließlich ist gut strukturiert und enthält neben einem guten einleitenden Essay von Benati und gut ausgearbeiteten Beschreibungen der Gemälde einen Beitrag von Susanna Pighi, der den Fresken im Dom gewidmet ist, einen wertvollen Fotoatlas der Kuppel, der das Ergebnis einer kürzlich durchgeführten Fotokampagne ist, einen Essay über den restaurierten Heiligen Franziskus und eine Art “Führer”, geschrieben von Manuel Ferrari, für den Weg vom Dom zur Kuppel.

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