Fabio Viale: Visionen jenseits der Virtuosität

Ich habe eine (eher vage) Erinnerung an Fabio Viale (Cuneo, 1975), die auf die Carrara-Biennale 2008 zurückgeht, als der piemontesische Künstler seine weiße Marmorskulptur eines Papierflugzeugs in den Schatten der Apuanischen Alpen brachte. Damals wie heute gibt es zwei Eckpfeiler seiner künstlerischen Forschung: Virtuosität im Umgang mit der Materie und das, was Kritiker, die sich mit ihm beschäftigt haben, als"semantische Verschiebungen“ bezeichnen. Im Katalog zu dieser Ausstellung schrieb Gabriella Serusi über die Skulpturen von Fabio Viale: ”Die Werke sind das Ergebnis eines subtilen Gedankenspiels, mit dem der Künstler Bedeutungsverschiebungen und Wahrnehmungsverluste provoziert. Mit Geschick und Ironie führt Viale den Betrachter in eine Fiktion, die so real ist, dass sie real erscheint. Alles kann zu einer Gelegenheit werden, die Vorstellungskraft respektlos einzusetzen, alles kann ins Fadenkreuz der Kunst geraten: Die Realität wartet nur darauf, umgewandelt, neu erfunden, neu codiert zu werden".

Und seit Beginn seiner Karriere ist der Künstler diesem Wunsch, den Betrachter zu verunsichern, immer treu geblieben, aber auch dieser ständigen Herausforderung, die die Materie für ihn darstellt und die Fabio Viale mit den ihm eigenen Werkzeugen des virtuosen Bildhauers umzusetzen beschließt. Für Viale birgt ein Marmorblock potentiell unbegrenzte Möglichkeiten. Das beweist er auch mit seiner jüngsten Einzelausstellung, Door release, die diesen Sommer im Fortino in Forte dei Marmi stattfindet und von einem sensiblen und kenntnisreichen Kritiker wie Enrico Mattei kuratiert wird. Auf der einen Seite die Skulpturen der logischsten und offensichtlichsten “Verschiebung”, die von den klassischen Statuen inszeniert wird, die Viale mit kunstvollen Tätowierungen überzieht, die manchmal an die Zeichen erinnern, die die Insassen sowjetischer Gefängnisse auf ihrer Haut trugen, manchmal an die von japanischen Yakuza-Verbrechern. Auf der anderen Seite stehen die vielleicht kühnsten und gewagtesten Skulpturen, die auf sich selbst gefaltete oder zum Symbol derUnendlichkeit verschlungene Reifen oder große Reifen von Erdbewegungsmaschinen nachbilden, oder auch die Meisterwerke des Klassizismus mit Marmor, der das Aussehen von Styropor annimmt: die Härte, die Schwere und der Adel des Materials schlechthin der Bildhauerei kollidieren mit der Zerbrechlichkeit des Verpackungspolymers, mit der groben Banalität der Bulldozer-Räder.

Fabio Viale, Türöffner (2017; weißer Marmor und Pigmente, 198 x 100 x 85 cm)

Fabio Viale, Venus (2017; weißer Marmor und Pigmente, 214 x 68 x 65 cm)

Fabio Viale, Venus, Detail

Fabio Viale, Erde (2017; schwarzer Marmor, 162 x 138 x 96 cm)

Fabio Viale, Erde, Detail

Noch bevor der Besucher das Fortino betritt, wird er von der großen Hand Konstantins begrüßt, die sich im Palazzo dei Conservatori in Rom befindet und von der Viale eine lebensgroße Reproduktion vorschlägt, die mit Tattoos russischer Krimineller gefüllt ist. Es handelt sich um die Freigabe der Tür, das Werk, das der Ausstellung ihren Titel gibt. Aus ihrem Kontext herausgelöst, von den anderen Überresten der kolossalen Konstantin-Statue, die auf einem Sockel in der Mitte des Hauptplatzes der Versilia-Stadt steht, in ihrer Zeitlichkeit durch die Zeichen auf ihrer Epidermis verschoben, behält die Hand ihre Ladung der kollektiven Repräsentation, um verschiedene Bedeutungen anzunehmen, jedoch ohne die Bedeutung der Kunst im öffentlichen Raum zu beeinträchtigen. Wenn man das Fortino betritt, steht man vor der tätowierten Venus de Milo(Venus ist der Name, der für das Werk gewählt wurde): Die “Wahrnehmungsdesorientierung”, die die klassische Schönheit der Venus mit der Rauheit der kryptischen sowjetischen Tätowierungen kontrastiert, will den Betrachter in einer besonderen Synthese von Skulptur und Malerei fesseln, wahrscheinlich auch, um ihm Unbehagen zu bereiten. Es handelt sich um eine Art situationistisches détournement, das sechzig Jahre später wieder aufgegriffen wird: Verglichen mit den Erfahrungen jener Zeit fehlt es Viale’s “Verschiebung” jedoch an scharfer Ironie, sozialer Denunziation und politischer Untermauerung. Und es könnte auch gar nicht anders sein: Schon Ende der 1960er Jahre schrieb Noszlopy, dass die Avantgarde den paradoxen Effekt erzielt habe, von der Bourgeoisie akzeptiert zu werden, und folglich bewegt sich Viale mit seiner antitraditionellen Sprache selbst innerhalb einer Tradition und verleugnet eine Spießigkeit, die heute einen großen Teil der zeitgenössischen Kunst betrifft.

Fabio Viale, Orbital (2017; schwarzer Marmor, 63 x 90 x 67 cm)

Fabio Viale, Nike (2017; weißer Marmor, 123 x 88 x 65 cm)

Fabio Viale, Nike, Detail

Fabio Viale, Venus Italica (2016; weißer Marmor, 53 x 41 x 45 cm)

Fabio Viale, Venus Italica, Detail

Das große Verdienst von Fabio Viale ist jedoch die Einladung, Skulptur und Marmor aus einer anderen Perspektive zu betrachten. Das zeigt sich in Werken wie Door release und Venus, aber auch in Realisierungen wie Orbitale, einem aufgeblasenen und gefalteten Fahrradschlauch, oder Flatline, einer weißen Marmorskulptur, die einen Eisenträger nachbildet, aber auch in Venus Italica und Nike “made of polystyrene”. Semantische Entgleisungen auf der einen Seite (Fabio Viale hat immer wieder erklärt, dass die Vergangenheit für ihn keine Beteiligung provoziert und dass die Statuen des Klassizismus die Rolle von Ikonen übernehmen), eine Kunst, die fast als reine Mímesis definiert werden könnte, auf der anderen Seite. Werke, die sich des Kontrastes bedienen, und Werke, die sich des Mediums derIllusion bedienen, um beim Betrachter denselben Schock, dasselbe Erstaunen hervorzurufen, das der Anblick von Tätowierungen auf einer antiken Statue auslöst. Eine Illusion, die Fabio Viale erreicht, indem er andere Materialien mit Marmor imitiert. Das Ergebnis ist, dass sich unsere Wahrnehmung des Materials selbst verändert: Die Werke des piemontesischen Künstlers erscheinen uns von einer unermesslichen Leichtigkeit durchdrungen, und dieses Gefühl verstärkt sich noch, wenn man das Glück hat, einen Flügel der Nike oder eine Haarlocke der italischen Venus zu berühren. Eine Herausforderung, die wiederum Teil einer klar definierten Tradition ist, vor allem, wenn man bedenkt, dass Fabio Viale oft in Carrara gearbeitet hat, der Geburtsstadt eines der mutigsten und hartnäckigsten Bildhauer der Geschichte, Pietro Tacca, und die in ihren Steinbrüchen Virtuosen aus allen Epochen gesehen hat, von Canova bis Guadagnucci, über Legionen von neoklassischen, puristischen und veristischen Künstlern, die alle durch den gleichen Wunsch vereint waren, die vom Material auferlegten Grenzen zu überschreiten.

Fabio Viale ist derbarocke Hyperrealismus, der auf der Poetik des Oxymorons beruht, eines Künstlers, der nicht einfach und nicht selbstverständlich ist, der seine Werke in einer zeitlosen Dimension ansiedelt und betont, dass das Überleben der Bilder eine Frage von Gesten ist, die den Lauf der Geschichte unterbrechen (es stimmt, dass Viale sich nicht direkt von der historischen Erinnerung angesprochen fühlt, aber es stimmt auch, dass der Künstler sich mit der Geschichte auseinandersetzen muss: In diesem Sinne kommt auch Viale nicht umhin, die Symbole der Vergangenheit neu zu lesen), und der darauf abzielt, beim Publikum, das seine Werke betrachtet, ein Gefühl zu wecken, das weit über die bloße ästhetische Selbstgefälligkeit hinausgeht: Es geht im Wesentlichen um eine Vision jenseits von Virtuosität und Verdrängung. Und in dieser Vision liegt wahrscheinlich der größte Sinn der Forschung von Fabio Viale.

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