Eine Zeitreise durch die Fotografie in Venedig. Chronorama, fotografische Schätze aus dem 20.

Der Name “Chronorama” deutet auf eines der Geräte hin, die bis zum 19. Jahrhundert für die Wiedergabe von bewegten Bildern entwickelt wurden. Chrono, der Gott der Zeit, und -rama, das griechische Suffix, das uns zum Sehen zurückführt, vermitteln die Vorstellung einer Abfolge von Fotos, die schnell hintereinander ablaufen und die visuelle Wahrnehmung nutzen, um eine Veränderung, eine Bewegung, eine Entwicklung zu suggerieren. Dies ist die Idee, die Chronorama hervorruft . Fotografische Schätze des 20. Jahrhunderts , die Ausstellung im Palazzo Grassi in Venedig, die bis zum 7. Februar 2024 läuft und von Matthieu Humery kuratiert wird. Es handelt sich um eine Reihe von 407 Werken, hauptsächlich Fotografien, aber auch einige Illustrationen, die von 180 Künstlern zwischen 1910 und 1979 für die Zeitschriften Vogue, Vanity Fair, House & Garden, Glamour, GQ und andere geschaffen wurden und heute im Fotoarchiv des Verlags Condé Nast gesammelt sind, das zum Teil von der Sammlung Pinault, dem Eigentümer des Palazzo Grassi, erworben wurde.

“Es ist nicht immer leicht, die Zeit zu beschreiben, in der man lebt. Wer ist wichtig? Was ist in diesem Moment relevant? Was ist wirklich passiert? Die Antworten können zu hitzigen Debatten führen”, sagt Anna Wintour, Chief Content Officer von Condé Nast und Global Editor Director von Vogue, in der Einleitung. Wenn diese Fragen die Entscheidungen der Redaktionsleiter geleitet haben, die einander an der Spitze einiger der berühmtesten Zeitschriften des Jahrhunderts abgelöst haben, so ermöglicht ihr Archiv heute eine originelle Darstellung des 20. Jahrhunderts in der Entwicklung der Gesellschaft, durch Veränderungen in der Mode und die Entwicklung des fotografischen Blicks.

Aber gehen wir der Reihe nach vor... chronologisch, wie das Layout, das die Werke nach Jahrzehnten geordnet präsentiert, mit einem fast wissenschaftlichen Ansatz. Schließlich war dies vielleicht der einzig mögliche Versuch, einen roten Faden in einem so umfangreichen wie vielfältigen Archiv zu finden. Von den Modecovern von George Wolfe Plank, die die Ausstellung eröffnen, geht es schnell weiter zu den fotografischen Porträts von Persönlichkeiten des Showbusiness, des Kinos und des Theaters, aber auch von großen Namen der Literatur und der Geschichte des 20. Jahrhunderts: Charlie Chaplin, James Joyce, Henri Matisse, Marlene Dietrich, Jesse Owens, Ernest Hemingway, Mick Jagger, Anna Magnani, Marcello Mastroianni, Karl Lagerfeld, Richard Avedon, Twiggy und viele mehr. Es fehlt nicht an Modefotografie, Architekturaufnahmen, Stillleben und Fotojournalismus.

Installationen der

Installationen der

Aufbauten der

Ausstellungslayouts

Installationen der

Berühmte und weniger bekannte Gesichter wie Die erste Frau, die in der Öffentlichkeit Hosen tr ug. Dr. Mary Walker, wie es auf der Rückseite eines Drucks von Paul Thompson aus dem Jahr 1911 im Chronorama-Podcast heißt. Snapshots of the 20th Century, produziert von Chora Media zur Ausstellung. Ein Foto, das für Vanity Fair aufgenommen, aber nie veröffentlicht wurde, wahrscheinlich weil der Verlag es versäumt hatte, den konservativen Anweisungen des Eigentümers Condé M. Nast entgegenzuwirken. Und doch war dieses zweite Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts, von dem die Ausstellung erzählt, eine Zeit der großen Erneuerung für die Gesellschaft, die Technik, die Kunst und die Mode. Im Jahr 1913 sah die amerikanische Öffentlichkeit zum ersten Mal Marcel Duchamps Akt, der eine Treppe hinabstieg und die Art und Weise, wie Kunst verstanden wurde, veränderte; in denselben Jahren wurden die 1907 von Sergej Djagilev gegründeten Ballets Russes der Welt bekannt und veränderten die Vorstellung von Musik, Bühnenbild und Kostüm. Und so kann die “étoile” Anna Pawlowa, die von vielen als die beste Ballerina aller Zeiten angesehen wird, zu Recht auf dem Foto von Franz Van Riel aus dem Jahr 1917 in den Zeitungen erscheinen.

In den 1920er Jahren, als die Welt noch auf eine positive Entwicklung zuzusteuern schien, wurden Optimismus und Leichtigkeit, Mode und Spektakel zu den Protagonisten der Bilder. Adolf de Meyer, der als erster Modefotograf gilt, taucht auf, aber auch Edward Steichen, der in einem berühmten Foto in der Ausstellung Models sitting on George Baher’s yacht (1928) unter anderem Lee Miller porträtiert, der kurz darauf ebenfalls ein berühmter Fotograf werden sollte. In der Ausstellung ist auch ein Foto von Joséphine Baker zu sehen (1927 von George Hoyningen-Huene aufgenommen), vielleicht eine der ersten schwarzen Künstlerinnen, die sich einen Platz in der kollektiven Vorstellung erobert hat.

Technologische Innovation und Zeitgeist sind auch in den 1930er Jahren noch Protagonisten, wo Sherill Schells Foto desEmpire State Building von 1930 den Wolkenkratzer zeigt, der nur ein Jahr später eingeweiht werden sollte. Einige Bilder erinnern uns daran, dass das vergangene Jahrhundert nicht nur das des ungezügelten Konsums war, sondern auch das der größten Tragödien, als selbst die glamourösesten Zeitschriften nicht ignorieren konnten, was in Europa geschah. Und so sehen wir in der Ausstellung die Fotos von Cecil Beaton, Paternoster Row, London, nach der Bombardierung (1940), aber auch die Reportagen von Robert Doisneau und Lee Miller im Paris von 1944.

In der frühen Nachkriegszeit änderten sich die Bilder. Hand in Hand mit einem neuen wirtschaftlichen Aufschwung gaben die Fotografien der Mode mehr Raum, mit weiblichen Silhouetten, die wieder in Korsetts, Architektur und Luxusautos gehüllt waren, aber auch der fotografischen Forschung und dem Experimentieren, das nun deutlich von der Welt der Werbung beeinflusst war. Bunte Kopftücher und Miniröcke wurden zum Ausdruck der sexuellen Befreiung der späten 1960er Jahre, die neben Bildern der ersten Reisen in den Kosmos veröffentlicht wurden.

“Die von der legendären Verlagsgruppe herausgegebenen Zeitschriften spiegeln die Lebendigkeit einer Gesellschaft wider, die die Zeit als endlose Bewegung begreift, immer auf der Suche nach Neuem”, sagt Bruno Racine, Direktor und Geschäftsführer des Palazzo Grassi - Punta della Dogana. Wenn die Geschichte eine Instagram-Seite hätte, würde ich sie mir genau so vorstellen. Aber wie uns die sozialen Medien gelehrt haben, kommen wir nicht umhin, uns zu fragen, inwieweit diese Bilder die Realität objektiv wiedergeben oder nicht.

Die ursprüngliche Idee von Condé Montrose Nast war es, Zeitschriften für die Elite zu schaffen, und zu diesem Zweck wurden die Bilder stets durch Retusche verändert, die seit ihren Anfängen ein fester Bestandteil der fotografischen Forschung ist. “Ihre Legitimität ist seit den Anfängen der Fotografie umstritten und wird auch heute noch oft in Frage gestellt”, betonen Matthiew Henry und Andrew Cowan, die historischen Berater der Ausstellung, "und zwar nicht nur in Bezug auf die Perfektionierung der Körper, die ein verzerrtes Bild des weiblichen Ideals verstärkt. Tatsächlich verfolgte die Retusche im Laufe der Zeit unterschiedliche Ziele: Sie konnte die Dramatik einer Szene betonen, die Aufmerksamkeit auf ein Detail lenken, die Dynamik des Bildes verstärken oder auch nur mit der Realität spielen, indem sie surreale Überlagerungen schuf.

Das 20. Jahrhundert war das Jahrhundert des Bildes, und diese Ausstellung erzählt die Geschichte, wie die westliche Welt ihre Bildsprache Schritt für Schritt durch Experimente, Versuch und Irrtum und Innovation entwickelte. Die enge Zusammenarbeit mit Fotografen jeder Epoche, die ein grundlegendes Element der Identität der Verlagsgruppe Condé Nast ist, hat die Entwicklung einiger der größten Talente der Fotografie des letzten Jahrhunderts ermöglicht: Cecil Beaton, Horst P. Horst, Lee Miller, David Bailey, Helmut Newton, aber auch viele Italiener wie Elisabetta Castiglioni und Ugo Mulas, die in Übereinstimmung mit den Entscheidungen des Verlags die fotografische Ästhetik der Zeit definiert haben.

“Diese Fotografen verdanken den Art-Direktoren der kultigen Condé-Nast-Zeitschriften viel, denn sie erkannten nicht nur ihr Talent, sondern boten auch ein Schaufenster für ihre Arbeiten, lange bevor sie von der breiten Öffentlichkeit anerkannt wurden”, sagt François Pinault. Die Rolle des Fotografen selbst hat sich im Laufe der Jahre verändert, auch dank der Condé-Nast-Ausgaben: Waren sie früher nur Ausführende der Bilder, die die Artikel begleiteten, wurden sie im Laufe der Zeit zu Künstlern, so erkennbar, dass sie selbst zum Thema der Fotos wurden, wie in Photographers Allan Arbus and Diane Arbus (1950) von Frances McLaughlin-Gill oder Mr. and Mrs. Henri Cartier-Bresson (1946) von Irving Penn.

Es ist auffallend, wie viele dieser Bilder wirklich Ikonen ihrer Zeit sind: Sie werden am häufigsten verwendet, um bestimmte Tatsachen und Charaktere zu erzählen, und sind so tief in unserer Vorstellung verwurzelt, dass wir immer wieder den Eindruck haben, sie bereits gesehen zu haben. Wir haben sie jedoch noch nie so gesehen wie in dieser Ausstellung, in der die Originale der einzelnen Fotos gezeigt werden. Es handelt sich um alte Abzüge, meist die ersten Abzüge, die jemals von diesen Bildern gemacht wurden. Und sie tragen alle Zeichen dieser Epoche: handschriftliche Beschriftungen, editorische Notizen, Ausschnittmarkierungen, die gemacht werden müssen.

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In der Kunst, die die Debatte über die technische Reproduzierbarkeit ausgelöst hat, sehen wir hier stattdessen Werke, die ihre Einzigartigkeit als Kunstwerke immer noch verteidigen. Ist Journalismus Kunst? “Absolut”, antwortet Anna Wintour, und das ist der Geist dieser Ausstellung, in der die Fotos aus dem redaktionellen Kontext, für den sie entworfen wurden, herausgelöst und zu eigenständigen Kunstwerken werden. Die Kuratoren Matthieu Humery und Andrew Cowan sind der Meinung, dass “die Antwort nicht offensichtlich ist, weil sie sich auf die Qualitäten der Fotografie als Darstellung der Realität beruft... aber sie wirft auch weitere Fragen über die Autonomie der Kunst auf”.

Um diesen Standpunkt weiter zu untermauern, stehen die historischen Bilder in der Ausstellung im Dialog mit dem Projekt Chronorama Redux , mit dem die Pinault-Stiftung die ortsspezifischen Arbeiten der vier Künstler Tarrah Krajnak, Eric N. Mack, Giulia Andreani und Daniel Spivakov als Zwischenspiele finanzieren wollte, die den chronologischen Weg der Hauptausstellung unterbrechen.

Ich hatte das Gefühl, in diese riesigen und vollen Räume hineinzulaufen, wie die Protagonisten in der berühmten Szene in Bande à part (Jean-Luc Godard, 1964), und meine Augen mit Bildern zu füllen, die wie in einem imaginären Chronorama oder wie in jenen Morphing-Videos zu fließen scheinen, die den Lauf der Zeit in wenigen Sekunden wiedergeben. Und dann gehe ich den Weg mehrmals in verschiedenen Geschwindigkeiten zurück, bleibe bei einzelnen Fotos stehen und verliere mich in der Geschichte, die sie erzählen, indem ich den Augenblick des einzelnen Fotos verlängere. Und dann vielleicht nach ein paar Tagen, wenn sich die Erinnerung an die Bilder gesetzt hat, darauf zurückzukommen, um Geschichten zu entdecken, die mir entgangen waren. Und so den tieferen Sinn der Fotografie zu entdecken: die Zeit anzuhalten, die Geschichte auf einzelne Augenblicke zu stützen.

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