Eine lang erwartete Rückkehr. Alexander Archipenko nach sechzig Jahren zurück in Italien

Nach einer fast sechzigjährigen Pause kehrt die elegante und revolutionäre Kunst von Alexander Archipenko (Oleksandr Porfyrovič Archipenko; Kiew, 1887 - New York, 1964) nach Italien zurück, erzählt durch Zeichen, Symbole und Bilder von der Mailänder Galerie Matteo Lampertico. Der Ort ist von strategischer Bedeutung: In Mailand hatte der Kiewer Künstler 1963 seine letzte Einzelausstellung in der Galleria San Fedele, unmittelbar nach der Retrospektive im Palazzo Barberini in Rom, und starb 1964. Es ist ein Kreis, der sich schließt, eine Leere, die zur Materie zurückkehrt, wie es oft im grafischen und ikonografischen Universum von Alexander Archipenko geschieht.

Die große Stärke dieser Ausstellung kündigt sich bereits in ihrem Titel an: Archipenko in Italien rückt nicht nur den Künstler nach vielen Jahren des Schweigens wieder in den Mittelpunkt, sondern ist auch das Ergebnis einer sorgfältigen Erkundung des Austauschs und der Einflüsse, die Archipenko mit einigen Schlüsselfiguren der avantgardistischen Strömungen des 20. Aus diesem Grund wechselt das klare und elegante Layout in ausgewogener Weise zwischen einem Kern von Werken von Alexander Archipenko(insgesamt elf, darunter Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Skulptur-Gemälde) und einigen Werken italienischer Künstler derselben Zeit. Der Katalog wurde von Maria Elena Versari, Kunsthistorikerin und Dozentin an der Carnegie Mellon University, herausgegeben. Dies ist keine zufällige Wahl, denn es war Versari, die als erste die tiefen Spuren von Archipenkos Poetik in der Bildsprache der Metaphysik und insbesondere in den Werken von Carlo Carrà und Giorgio De Chirico identifizierte. Die Archipenko Foundation in New York und die Frau des Künstlers, Frances Archipenko Gray, haben zum Katalog beigetragen.

Um den zentralen Kern von Archipenkos Werken herum entwickelt sich ein raffinierter Ausstellungsparcours, der Carlo Carrà, Fortunato Depero, Enrico Prampolini, Fillia und Alberto Magnelli einschließt. Die Ausstellung wird somit Teil einer umfassenderen Erzählung, die im Katalog dank Archivbildern, historischen Veröffentlichungen und Verweisen auf den sozialen und kulturellen Kontext, in dem der aus Kiew stammende Künstler in Frankreich und später in Italien lebte und arbeitete, Platz findet. Seine erste Begegnung mit der europäischen Kunstszene fand in Paris statt, wohin Archipenko 1908 als junger Mann zog und sich sofort von den Forschungen Cézannes, Picassos und Légers angezogen fühlte, von denen er die Grundprinzipien des Kubismus erlernte. Die Skulpturen dieser Phase weisen bereits Elemente auf, die von einem intensiven Austausch mit Boccioni, den er dank Gino Severini kennenlernte, und mit den Futuristen der Pariser Szene zeugen: dieHarmonie zwischen Hohlräumen und Körpern, zwischen konkaven und konvexen Flächen, zwischen geraden und schrägen Linien, eine völlig neuartige Auffassung der menschlichen Figur, die dynamisch ist, weil sie in mehreren gleichzeitigen Ansichten erfasst wird. Ein perfektes Beispiel dafür ist das Werk Drapierte Frau (1911/1957 konzipiert, 1968 realisiert), ein Meisterwerk, das Boccioni in seiner Forschung über die auf die Bildhauerei angewandte Dynamik tiefgreifend beeinflussen sollte.

Die Ausstellung umfasst auch zwei Werke aus der Serie der Scultopittures, eine Erfindung, die Archipenko um 1912 im Zuge des wachsenden Interesses an der zweidimensionalen Ebene der Malerei entwickelte. Bei den Scultopictures handelt es sich um skulpturale Werke aus zusammengesetzten Materialien, die von einem starren hölzernen Hintergrund getragen werden: eine Art sehr modernes, multimateriales Hochrelief in einer kubistischen Tonart. Die hier ausgestellten Exemplare stammen aus verschiedenen Epochen: Die Figur wurde wahrscheinlich in den 1950er Jahren geschaffen und greift die Studie der Skulptur-Gemälde der 1910er Jahre auf. Und dann Stehende Frau und Stillleben von 1919, das ein kleines Geheimnis verbirgt: Das Gitter aus weißen Punkten am unteren Rand ist von einer von Picasso, Severini und Survage geliebten Manier der 1910er Jahre inspiriert.

Die Serie Scultopitture experimentiert endlos mit Farben und Materialien, von Holz bis Knochen, von Zinn bis Bronze, von Gips bis Terrakotta und sogar Glas. In den Werken der letzten Jahre wird Metall zum Gedanken, zur Form, zur Materie und zur Repräsentation: Man betrachte den sehr leichten Solidoma-Körper, der von einem glänzenden Zinnband in Forma auf blauem Grund erzeugt wird (1913 konzipiert, 1962 realisiert), oder man verliere sich in dem sehr zarten Torso im Raum (1935-36/46 konzipiert), der so klassisch und harmonisch ist wie die Venus von Tizian und Monet.

Apropos Körper: Es gibt ein Element in Archipenkos Produktionsgeschichte, das über seine Experimente mit Medium und Material hinaus stabil und unverändert geblieben ist: ein tiefes Gefühl für die menschliche Figur und die Körperlichkeit des Körpers. Ob in verkrampften oder mechanischen Posen(Schreitender Mann, ca. 1914-1955), in seiner Beweglichkeit verzweifelt(Tanzen, 1912; Bewegung, 1913; Boxer, konzipiert 1913-14) oder in seinen Lebensparadigmen gefeiert(Drapierte Frau, 1911).

In der Ausstellung durfte ein Beitrag von Alberto Magnelli nicht fehlen (hier ist sein Mann mit Hut, 1914), wenn man bedenkt, dass es Magnelli selbst war, der den Namen Alexander Archipenko in Italien bekannt machte, indem er einige seiner 1914 auf dem Salon des Indépéndents ausgestellten Werke für die Sammlung seines Onkels kaufte. Die Verbreitung von Archipenko hatte einen schockierenden Einfluss auf die italienischen Schulen und insbesondere auf Giorgio De Chirico und Carlo Carrà, die Vertreter der metaphysischen Poetik: De Chirico vollendete in den folgenden Jahren die Metamorphose des männlichen Körpers in den berühmten Sujets der Schaufensterpuppe und der “Beunruhigenden Musen”, während Carrà parallel dazu diesen unmenschlichen Mechanismus in sinnliche Weiblichkeit verwandelte(Penelope, 1917).

Schließlich steht die Präsenz der Futuristen der zweiten Generation in der Ausstellung im Zusammenhang mit der Biennale von Venedig 1920, wo Archipenko eine spektakuläre Einzelausstellung mit 87 Werken zeigte, die die italienischen Kritiker mit ihren gewagten Experimenten buchstäblich schockierte. Nach der Metaphysischen Parabel war die Kunstszene in Italien in den 1920er Jahren in die Hände der zweiten Futuristen übergegangen, von denen viele dank der Biennale in Archipenko einen grundlegenden Wegweiser finden sollten. Enrico Prampolini orientierte sich zweifellos an Medrano (Kat. S.14), als er die Knochenfigur in Biologische Erscheinungen (1935) schuf. Der spielerische und dynamische Charakter von Carrousel Pierrot(Kat. S. 24) lebt in den vielfarbigen Tänzern von Deperos Tarantella (1918) weiter. Später malte Fillia, in Anlehnung an die humanoiden Wesen der 1910er Jahre, die Figur im Raum (1930), deren charismatische Silhouette den Prozess der halbmenschlichen Metamorphose verkörpert, der bereits zu Beginn des Jahrhunderts im Gange war.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Archipenko in Italien ein Projekt der Erinnerung, der Forschung und der kontinuierlichen künstlerischen Innovation ist, aber vor allem ist es ein Vergrößerungsglas, das auf jenes riesige Repertoire an Figuren zwischen Mensch und Automat, menschlich und bestialisch, amorph und anthropomorph, dem Modell und seiner Variation gerichtet ist, das seit langem die wichtigsten Schauplätze der Kunst des 20. Jahrhunderts bevölkert hat. Am Ursprung all dessen steht, offen und hochaktuell, die tiefgründige und leidenschaftliche Reflexion über die menschliche Figur, mit der sich Alexander Archipenko bis zum Schluss unermüdlich auseinandergesetzt hat.

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