Eine Kunst des Schattens und der Stille. So sieht die Ausstellung über Raoul Dal Molin Ferenzona in Collesalvetti aus

Mehr als fünfzig Jahre sind vergangen, seit Dario Durbè noch schreiben konnte, dass Raoul Dal Molin Ferenzona ein Künstler war, der “leider vergessen und aufgrund des Mangels an biografischen Informationen und Unterlagen schwer zu rekonstruieren” war. Man kann sagen, dass dies nicht mehr der Fall ist: Obwohl er der breiten Öffentlichkeit immer noch wenig oder gar nicht bekannt ist, hat die Persönlichkeit Ferenzonas in den letzten fünf Jahrzehnten eine solide, robuste und sichere Gestalt angenommen, dank der großartigen Arbeit, die vor allem von Emanuele Bardazzi, dem größten Experten des Künstlers, von Kunsthistorikern wie Francesca Cagianelli und von Wissenschaftlern der Literatur des frühen 20. Jahrhunderts geleistet wurde, für die Ferenzona unumgänglich ist. Jahrhunderts, für die Ferenzona unumgänglich ist. Eine junge Italianistin von der University of North Carolina, Danila Cannamela, nannte ihn einen "maudit artist“: ein überstrapaziertes Adjektiv, das aber gut zur Figur des Raoul Dal Molin Ferenzona passt, einem Maler und Graveur (wenn auch besser als Graveur denn als Maler) mit einem gequälten und ruhelosen Leben, wechselnden Schicksalen, vielfältigen und eklektischen Interessen, einer proteischen Kunst, die sich aus jeder Quelle speist, aber immer einer festen Überzeugung folgt: Kunst ist für Ferenzona nicht die Erforschung des Phänomenalen, nicht die Erfassung der Realität, nicht die Suche nach Eindrücken. Für Ferenzona ist Kunst die Form von Träumen, sie ist fleischgewordene Poesie, sie ist das Bild einer Fantasie, sie ist gemalter, gezeichneter, gestochener Gedanke. Die Phantasie macht wahr, was sie erfindet”: so lautet der Titel des sechsten Paradoxes de la Science Supreme von Éliphas Lévi, einem Okkultisten und Gelehrten der Esoterik, den Ferenzona schätzte und wahrscheinlich in seinen zahlreichen Diskussionen mit seinen Kollegen im Rom des frühen 20. Jahrhunderts zitierte, wo derJahrhunderts in Rom, wohin der Künstler, ein gebürtiger Florentiner mit entfernter aristokratischer Herkunft und kosmopolitischer Kultur, bereits 1904 im Alter von fünfundzwanzig Jahren gezogen war, um die Forschungen von Giacomo Balla aus erster Hand zu sehen.

Die Ergebnisse dieser Arbeit sind in einer Ausstellung zusammengefasst, die die Städtische Kunstgalerie Collesalvetti bis zum 15. März 2025 Ferenzona widmet(Raoul Dal Molin Ferenzona. Enchiridion Notturno. Un sognatore decadente verso l’occultismo e la teosofia, konzipiert und kuratiert von Emanuele Bardazzi und Francesca Cagianelli), um die Etappen in der Geschichte dieses einzigartigen Künstlers zu rekonstruieren und neu zu lesen, die zuerst in zwei kleinen Ausstellungen zwischen 1978 und 1979 in Rom und Livorno, kuratiert von Mario Quesada, untersucht wurden, gefolgt von der monographischen Ausstellung von Bardazzi, die 2002 von Gonnelli in Florenz organisiert wurde. Was die Vollständigkeit des Ausstellungsprogramms, den Umfang des Katalogs und die Menge der bisher unveröffentlichten Werke betrifft, ist die Collesalvetti-Ausstellung dennoch die wichtigste, die dem toskanischen Künstler je gewidmet wurde, der in der Ausstellung nicht nur als “dekadenter Träumer”, sondern auch als einzigartiger Protagonist der Kunstwelt auftritt.Er geht aus der Ausstellung nicht nur als “dekadenter Träumer” hervor, sondern auch als singulärer Protagonist der Ereignisse seiner Zeit, auch wenn er auf den ersten Blick als unbedeutender Nebendarsteller erscheinen mag, als verspäteter Verfolger, als geselliger Mensch, der noch nach dem Ende des Ersten Weltkriegs von symbolistischen Erschütterungen aufgewühlt wurde, als provinzieller Präraffaelit, der vom Wort Rossettis und Hunts wie vom Donner gerührt war, als fast alle Mitglieder der Bruderschaft schon seit Jahren unter der Erde lagen. Ja, er befand sich oft in der Verfolgung, aber man würde Ferenzona einen schlechten Dienst erweisen, wenn man ihn nicht auch als einen Künstler mit blitzschnellen Eingebungen betrachten würde, die sich in seiner Karriere mit hartnäckiger Sturheit abwechselten, wenn man ihn nicht als einen Visionär betrachten würde, der demOrient aufgeschlossenen Visionär betrachten würde, einen Künstler, der “mit einer seltenen Vielseitigkeit des Geistes und einer großen Kultur ausgestattet ist”, wie er zu seiner Zeit genannt wurde, einen Literaten, der zeichnen kann, oder einen Zeichner, der schreiben kann. Enrico Crispolti bemerkte auch, dass Ferenzona, obwohl er aus einem symbolistischen Umfeld mit einem deutlichen D’Annunzio-Flair stammte, in Kontakt mit der Avantgarde stand (ein Punkt, den die Ausstellung ohne Zögern aufgreift).

Es mag sein, dass seine ständige Vermischung, sein Hang zur Kontamination, seine Nähe zur Literatur, die unweigerlich seine kritische Rezeption beeinflusste, seinem Glück nicht förderlich war. Mal als Dichter vor dem Kupferstecher, mal als Dichter schlechthin, mal als besserer Zeichner als Dichter, mal als einfacher Illustrator angesehen, zahlte Raoul Dal Molin Ferenzona wahrscheinlich den Preis für seine Vielseitigkeit und seinen Eklektizismus. Seine Ausbildung vollendete sich jedoch in der literarischen Sphäre, und die reifsten und saftigsten Früchte seines künstlerischen Schaffens sind zu finden, wenn man seine gewohnheitsmäßigen und langjährigen Aufenthalte im literarischen Milieu seiner Zeit betrachtet. Schon der Titel der Ausstellung spiegelt diese Leidenschaft wider: DasEnchiridion war früher ein kleines Handbuch, das man in der Hand hielt, um es zu lesen. Ein “Taschenbuch”, könnte man sagen, ein anachronistischer Begriff, der aber vielleicht die Idee wiedergibt. 1923 druckte Ferenzona in Livorno ein extravagantes, geheimnisvolles Buch, das er zusammen mit einem anderen Symbolisten, Charles Doudelet, konzipiert hatte, der, aus Belgien an die Küste des Tyrrhenischen Meeres gekommen, dazu beigetragen hatte, auch in Livorno das Interesse an der Esoterik zu wecken (und Doudelet wurde, wie erinnerlich, eine sorgfältige Ausstellung in der Pinacoteca di Collesalvetti gewidmet). Dieses Buch trug den Titel AÔB (Enchiridion notturno), wurde im Rahmen einer in den Räumen der Galerie Bottega d’Arte in Livorno organisierten Buchausstellung präsentiert und stellt einen der Höhepunkte der Druckproduktion Ferenzonas sowie eines der Elemente dar, die ihn am stärksten mit den kulturellen Kreisen Livornos verbinden. Dieses Buch entstand jedoch nach anderen Erfahrungen.

Ferenzona war 1904 nach Rom gekommen, weil er, wie bereits erwähnt, von den divisionistischen Forschungen Ballas angezogen wurde. In der Hauptstadt angekommen, verlagern sich jedoch seine Interessen. Auf der Suche nach Giacomo Balla stieß er auf Sergio Corazzini. Mit dem dämmrigen Dichter verbindet Ferenzona eine Freundschaft von kurzer Dauer (der jüngere, aber kranke Corazzini stirbt 1907 im Alter von nur dreiundzwanzig Jahren an den Folgen einer Tuberkulose), aber von überragender Intensität. Bruder der Kunst" soll Ferenzona ihn in einer ihm nach seinem Tod gewidmeten Prosa genannt haben. Wir wissen nicht, wie Ferenzona zur Zeit seiner Begegnung mit Corazzini malte, aber wir wissen (aus dem, was er in seinen frühen Zwanzigern schrieb, aus den Erinnerungen derer, die damals schon mit ihm zusammen waren), dass er sich bereits für das Okkulte und die Esoterik interessierte: Das früheste Bild in der Ausstellung, eine etwas naive, aber sehr überzeugte Frau mit Hut und Fledermäusen aus dem Jahr 1906, zeigt mit offensichtlicher Klarheit, wie Ferenzona in jenen Jahren veranlagt war, eine Veranlagung, die, wenn auch mit häufigem Wechsel der (vor allem künstlerischen) Bezugspunkte, fast sein gesamtes Schaffen bestimmen sollte: Ferenzona war eine Seele, die, wie Bardazzi im Katalog schreibt, “träumerische, geheimnisvolle und suggestive Sprachen bevorzugte, die Art von Ästhetik, die vage und unformulierte Empfindungen ausdrückt”: Er war ein Künstler, der "seine Zugehörigkeit zu dem vielfältigen internationalen symbolistischen Coté erklärte, dessen Vorläufer die Präraffaeliten, insbesondere die zweite Generation, waren, die in England selbst heterodoxe, kompliziertere und nonkonformistische Ausformungen durch seltsame , Oscar Wilde nahestehende Künstler wie Charles Ricketts und Aubrey Beardsley hervorbrachten". Ferenzona war weder isoliert, noch stand er zurück: Die Faszination für die Esoterik leitete in jenen Jahren die Forschungen von Künstlern in ganz Europa, sie war die Antwort auf das Grauen der Industrialisierung, auf den Materialismus der bürgerlichen Gesellschaft, auf die Entfremdung der Existenz in einer Welt, die sich in Richtung Massifizierung bewegte. Und der Blick auf frühere Erfahrungen war das Ergebnis einer präzisen Überzeugung: “Kein moderner Künstler”, schrieb Ferenzona 1923, “kann sich einer völligen Originalität rühmen: Die Kraft der großen Männer der Vergangenheit lastet auf unseren Gehirnen, selbst auf dem eines Futuristen”.

Dieses Festhalten am präraffaelitischen Symbolismus war kein einmaliger Moment in Ferenzonas Karriere: Seine Faszination für diese Sprache erstreckt sich über mindestens vier Jahrzehnte, von der Gravur Gravis dum suavis aus dem Jahr 1909, die das Publikum der Collesalvetti-Galerie im zweiten Saal bewundern kann, über das süße Porträt einer Nonne, das an das Flämische des 15.Jahrhunderts anlehnt und den Titel eines D’Annunzio-Mottos aus demTriumph des Todes trägt, bis hin zu Werken aus den 1930er Jahren wie Fulvia und einerVerkündigung , die, wenn auch mit einer gewissen Strenge, den Rückgriff auf Quellen der Frührenaissance mit der traumhaften Sprache des französischen Symbolismus vermischen, und über ein einzigartiges neues Werk wie das Triptychon Ave Maria mit einem offensichtlichen britischen Einfluss. Dazwischen kannte Ferenzona noch viel mehr, wie ein Rundgang durch den ersten Saal der Ausstellung zeigt, der ganz den Gemälden gewidmet ist: Die Quallenschlacht zum Beispiel ist ein Werk, das vermutlich aus einem Vergleich mit der Unterwassersymbolik von Gino Romiti (einem anderen Protagonisten einerschönen Ausstellung, die zwischen 2022 und 2023 in Collesalvetti stattfindet) in einem Livorno entstanden ist, das Doudelets Forschungen zu verdanken ist. Auch Die Augen der Engel und Der Gipfel aus den 1920er Jahren belegen Fenzonas Interesse an den internationalen Forschungen der Kubofuturisten, während Krishna Playing the Flute von 1933 seine engste Annäherung an die orientalischen Philosophien markiert, zusammen mit dem wahrscheinlichen Porträt von Jiddu Krishnamurti aus der Zeit um 1930, dem indischen Philosophen, der der Theosophischen Gesellschaft nahe stand und in den 1930er Jahren Mitglied der Der indische Philosoph, der der Theosophischen Gesellschaft nahesteht und in den 1930er Jahren Mitglied der Theosophischen Gesellschaft war, entledigte sich seiner Besitztümer, löste sich von der Zugehörigkeit zu einer Organisation, Nationalität oder Religion und verbrachte den Rest seines Lebens damit, seine eigene Weltanschauung zu teilen, die auf die Suche nach Freiheit von jeglicher Konditionierung abzielt. Es gibt auch eine Meditation über den magischen Realismus (das Porträt einer alten Dame), ebenso wie es an Blicken auf den belgischen Symbolismus nicht mangelt: Die Masken aus der Zeit um 1935 erinnern an das Werk von James Ensor, dieDie Radierung Il n’y a rien de plus beau qu’une clef, tant qu’on ne sait pas ce qu’elle ouvre trägt in ihrem Titel ein Zitat von Maurice Maeterlinck, und dann, im zweiten Raum, zwei unveröffentlichte Tondi, ein Paar rätselhafter und verknappter Pastellstiftzeichnungen, die die Atmosphären von Fernand Khnopff heraufbeschwören, ein weiterer unausweichlicher Bezugspunkt für Ferenzona, der auch sein Brügge in Orvieto suchte, wo er sich zwischen 1908 und 1909 auf Veranlassung seines Freundes Umberto Prencipe, der dorthin gezogen war, für einige Zeit aufhielt(die Orvietane sind zusammen mit den beiden Bleistiftzeichnungen vielleicht das, was er Khnopff je am nächsten kam). Und wenn für den großen Giancarlo Marmori Khnopff eine “Art D’Annunzio oder Wilde auf dem Gebiet der Plastik” war, könnte man sagen, dass Raoul Dal Molin Ferenzona eine Art Sergio Corazzini war, der sich zwischen Malerei und Gravur bewegte. Die intime, melancholische, dämmrige und dunkle Ader, die Raoul Dal Molin Ferenzonas Werke umgibt, fließt vom allerersten Selbstporträt an (ein Werk aus den Jahren 1904-1907, das also entstand, als der Künstler die Gelegenheit hatte, den Literaten zu treffen) und durchdringt einen Großteil seiner Produktion. “Liebe also den Schatten und fliehe das Licht, denn es ist wie das Wetter, naiv bösartig und schrecklich schön. Und mit dem Schatten liebe das Schweigen, denn der Schatten der Worte ist das Schweigen. Liebe ihn als den Kalvarienberg deiner Bilder, als das Kreuz deines Traums, als das Grab deiner Seele. Es wird dir einen Stern für ein Wort geben, einen Adler für einen Schrei, einen Schrei für eine Erinnerung, immer. Du wirst nur von der Vergangenheit leben: es wird für dich so viel weniger schwer sein, vor der Hoffnung und dem eitlen Glück zu fliehen”: so schrieb Corazzini in seiner Ermahnung an seinen Bruder. Die Kunst von Raoul Dal Molin Ferenzona ist eine Kunst der Schatten und des Schweigens. Selbst in der Wahl bestimmter Themen spiegelt sich die Freundschaft mit Corazzini wider, dem der Künstler später La ghirlanda di stelle (Die Sternengirlande), eine visionäre Sammlung illustrierter Gedichte, im Jahr 1912 widmen sollte: Bardazzi bemerkte, dass die existenzielle (und auch physische) Unsicherheit des Dichters ihn dazu gebracht hatte, sein Leben "als das Martyrium eines prädestinierten Menschen in einer Art Imitatio Christi“ zu interpretieren, was Ferenzona selbst dazu brachte, ”die Passion Christi zu verinnerlichen, indem er darin seine eigenen Drangsale und seine spirituelle Entwicklung widerspiegelte" (und dies bereits in der Via Crucis von 1919).

Eine solch düstere Sicht des Daseins schlug sich zwangsläufig auch in Ferenzonas Frauenbild nieder, das allerdings auch von seinem Interesse an Baudelaire beeinflusst wurde: Mal ist sie eine dämonische und luziferische Frau(Die Schwestern), mal eine ferne, unnahbare, unantastbare Muse, eingehüllt in ein geheimnisvolles Gewand(Die Frau mit der Motte), mal eine kalte Manipulatorin, die den Mann beherrscht, ihn versklavt, seine Marionette, wie in Die Marionetten zu sehen ist, einem der besten Kupferstiche Ferenzonas, der Rops’ Dame au pantin zu verdanken ist und in dem das Porträt seiner schönen Frau Stefania Salvatelli, von der er sich später trennte (das Leben eines Künstlers wie Ferenzona war sicher nicht leicht zu ertragen), in der Ferenzona aber eine Art weibliches Ideal sah, sogar ein erlösendes, da die Frau in seinen Werken auch eine jungfräuliche Retterin ist (Ferenzona widmete der Madonna auch eine Mappe mit Kupferstichen, Vita di Maria). Für Bardazzi scheinen Ferenzonas weibliche Porträts im Allgemeinen jenem “zweideutigen” Baudeler’schen Ideal zu entsprechen, “der von Traurigkeit umgebenen Wollust, die umso schöner ist, als sie melancholisch, müde, voller Bedauern und zurückfließender Bitterkeit ist”.

Ein Saal der Ausstellung ist der Beziehung zwischen Raoul Dal Molin Ferenzona und Livorno gewidmet: Er war zusammen mit Doudelet, Romiti, Benvenuto Benvenuti und Gastone Razzaguta eine herausragende Persönlichkeit jener esoterischen und spirituellen Strömung der Legorner Kunst, die zu Beginn des 20.Jahrhunderts eine Alternative zur faktorianischen, post-Macchiaiola-Linie zu bieten suchte und die im Caffè Bardi einen privilegierten Treffpunkt fand (sogar Renato Natali fühlte sich anfangs von den Interessen der Gruppe angezogen: Die Diebe von 1914 ist der Punkt maximaler Berührung zwischen Natali und Ferenzona), war Ferenzona ein Protagonist in Leghorn, von der Ausstellung in den Bagni Pancaldi im Jahr 1916 über die zahlreichen Teilnahmen an den Ausstellungsplänen der Bottega d’Arte bis hin zu Ferenzonas Anwesenheit bei der sechsten und siebten Ausstellung der Gruppo Labronico in den Jahren 1923 und 1924 (bei der ersten stellte er die Tafeln des Marienlebens aus, bei der zweiten fünf Werke). In Livorno veröffentlichte Ferenzona, wie bereits erwähnt, das Buch AÔB (Enchiridion notturno) für den Verlag Belforte, mit dem er mehrmals zusammenarbeiten sollte.), das zwölf Gedichte enthält, die mit ebenso vielen spitzen Stichen illustriert sind, zwölf “nomadische Luftspiegelungen”, die, wie Francesca Cagianelli in ihrem Katalogessay schreibt, der gerade Ferenzonas Präsenz in Livorno gewidmet ist, “Ferenzonas nächtliche Berufung in eine rosenkreuzerische Richtung verstärken”. Francesca Cagianelli berichtet in ihrem Beitrag auch über eine bisher unbekannte Episode, die nach einer Recherche in den Archiven der Galleria Nazionale in Rom wieder aufgetaucht ist: Ferenzona war in Livorno auch Ausstatter einiger musikalischer Aufführungen für Kinder mit märchenhafter Thematik(Nel regno delle farfalle, Natale in soffitta und Il giardino incantato), die im Teatro dei Piccoli der Stadt aufgeführt wurden.

Die Ausstellung verabschiedet sich von Ferenzona mit einigen seiner makabren Werke (wie Eine Tasse Tee, Der Gifttropfen und Das perfide Gemüse), die eine Welt des Zaubers und der dämonischen Ängste heraufbeschwören, die in gewisser Weise seine Prager Erfahrungen widerspiegeln. Stattdessen ist er voller Hoffnung und kommt am Ende der Reise an wie ein klarer Morgen nach einer stürmischen Nacht, wie eine rosige Sonne, die sich ihren Weg durch einen düsteren, mit schwarzen Wolken bedeckten Himmel bahnt (“Betrachte diesen Tag / Denn er ist Leben / Wahres Leben des Lebens // In seinem flüchtigen Lauf / Dieser Tag umfasst / Alle Vielfalt, / Alle Wirklichkeiten / Deines Daseins, / Das Glück des Gedeihens, / Den Ruhm der Tat, / Den Glanz der Schönheit. // Denn das Gestern ist nur ein Traum / Und das Morgen / Ist nur eine Vision // Aber das Heute, gut gelebt, / Macht aus jedem vergangenen Tag / Einen Traum des Glücks, / Macht aus jedem kommenden Tag / Eine Vision der Hoffnung / So betrachte diesen Tag”). Der letzte Raum, am Ende der Ausstellung, versammelt einen auffälligen Kern von Stichen, der ausdrücklich die Quellen, Inspirationen und Anhaltspunkte offenbart, auf denen Ferenzonas Kunst aufbaut: hier finden sich die Grafiken von Rops, Khnopff, Georges De Feure und der Prager Gruppe Sursum (Josef Vachal, František Kobliha und Jan Konůpek). Besonders hervorzuheben ist das berühmte Plakat des ersten Salon de la Rose+Croix von 1892, ein Werk von Carlos Schwabe, das auch in jüngeren Ausstellungen zum Thema mystischer und spiritistischer Symbolismus häufig zu sehen ist.

Die Ausstellung über Raoul Dal Molin Ferenzona schließt in Collesalvetti einen Zyklus ab, der mit Doudelet begann und mit Romiti, Macchiati und Benvenuti fortgesetzt wurde und mit dem der Kurator Cagianelli viele der Strömungen des toskanischen Symbolismus und insbesondere den des Tyrrhenischen und Leghornischen Raums zu Beginn des 20: Jahrhunderts erforscht: ein Zeitplan, der mit bedeutenden Ausstellungen gespickt war, unterstützt durch solide Projekte, umfangreiche Forschungsarbeiten, die Entdeckung zahlreicher unveröffentlichter Werke (die Ausstellung über Ferenzona ist keine Ausnahme, vielleicht die reichste an unveröffentlichten Werken und Neuheiten des Zyklus: einige dieser unveröffentlichten Werke wurden hier erwähnt), und immer begleitet von Treffen und Konferenzen, die die in den Räumen präsentierten Themen vertieft haben. Raoul Dal Molin Ferenzona. Enchiridion Notturno ist eine wissenschaftlich einwandfreie, lebendige und faszinierende Ausstellung, die ein italienisches Ereignis vom Anfang des 20. Jahrhunderts rekonstruieren konnte, das zwar nicht in Vergessenheit geraten ist, aber sicherlich beiseite gelegt wurde und in jedem Fall der breiten Öffentlichkeit wenig bekannt war, und zwar am Ende eines Zyklus, der in der Stadt Mailand stattfand.Ein Zyklus, der in einem kleinen Museum stattfand, das aber trotz der Sparsamkeit der Mittel und Ressourcen das Niveau dessen, was in den letzten Jahren in der Region Livorno organisiert wurde, hoch hielt. Ausstellungen dieser Art sind in Italien immer seltener zu sehen, die wenig bekannte Episoden einer zwar lokalen, aber untrennbar miteinander verflochtenen Kunstgeschichte beleuchten. die mit unauflöslichen Verbindungen zu nationalen Wechselfällen verwoben sind, die dem Publikum die Möglichkeit bieten, vertikale Einblicke in Künstler und Ereignisse zu erhalten, die für die Geschichte des Gebiets von grundlegender Bedeutung sind, die sich robuster wissenschaftlicher Apparate bedienen, kleine Meilensteine in der Geschichtsschreibung der betreffenden Künstler. In den letzten vier Jahren wurden im kleinen Collesalvetti wichtige Seiten der italienischen Kunstgeschichte des frühen 20. Jahrhunderts geschrieben. Nun ist es gut, dass diese Arbeit fortgesetzt und vielleicht sogar auf die Provinzhauptstadt ausgeweitet wird.

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