Ein langes und wiederholtes Eintauchen in Munchs Qualen. Wie die Ausstellung in Mailand aussieht

Es stimmt, dass Edvard Munch einer der am meisten gequälten Künstler aller Zeiten ist: Er selbst behauptete, dass sein Leiden, seine Angst und seine Krankheit Teil seiner selbst und seiner Kunst waren, so dass ihre Zerstörung auch seine Kunst zerstören würde. Aber aus der Ausstellung, die ihm der Mailänder Palazzo Reale anlässlich seines80. Todestages bis zum 26. Januar 2025 widmet, wird man wahrscheinlich deprimiert und mit einem Gefühl von kosmischem Pessimismus herausgehen, wenn man schon dazu neigt, sich manchmal in Angst und Unruhe zu verfangen. Der gewählte Titel, Edvard Munch. Der innere Schrei" weist bereits auf den Charakter der Ausstellung hin, dient aber vor allem als direkter Verweis auf das berühmteste, bedeutendste und am meisten neu interpretierte Werk desnorwegischen Künstlers, den Schrei, der in der Ausstellung nur in Form einer Lithografie zu sehen ist. Wenn Sie also vorhaben, die Mailänder Ausstellung zu besuchen, um einen genaueren Blick auf die schwarz gekleidete menschliche Figur mit dem totenkopfähnlichen Gesicht zu werfen, die sich die Hände an die Ohren hält, während sie die Augen und den Mund weit öffnet, um einen lauten Schrei der Verzweiflung auszustoßen, einen Schrei, der scheinbar Ein Schrei, der scheinbar von einem einzelnen Individuum stammt, der aber den Schrei aller darstellen kann, weil die Gefühle der Einsamkeit, der Angst und der Todesqualen universell sind, und dieser feurige, gewundene Himmel, der den Linien der Landschaft folgt, die wie die der menschlichen Figur selbst deformiert sind, nein, den werden Sie nicht sehen: Weder das Temperagemälde noch das Pastell von Der Schrei aus der Sammlung des Munchmuseet in Oslo, dem Museum, aus dem alle Werke der Ausstellung stammen, sind zu diesem Anlass nach Mailand gekommen; es gibt nur eine Schwarz-Weiß-Lithographie von 1895.

Man sollte auch bedenken, dass das Ziel der Ausstellung, wie es im Vorwort des Katalogs heißt, darin besteht, “eine klarere Vision von Munch wiederherzustellen, die, ausgehend von der notwendigen psychischen Biographie des Künstlers, unsere Vision und unser Verständnis” des Künstlers selbst erweitert; “das Feld der Untersuchung zu erweitern, um einerseits zu verstehen, wie Munch in den evolutionären Prozess der Kunstgeschichte passt und andererseits, wie Munch Teil des evolutionären Prozesses der Kunstgeschichte ist”.Die Ausstellung will zum einen verstehen, wie sich Munch in den Entwicklungsprozess der Kunstgeschichte einfügt, und zum anderen, wie Munch Teil des Entwicklungsprozesses der Kunstgeschichte ist“, und zum anderen, wie die künstlerisch-literarischen Manifestationen, die philosophischen Spekulationen seiner Zeitgenossen, kurz gesagt, seine Kultur seine Kunst beeinflusst haben”, und wie Munchs Werke über die persönliche Erfahrung hinaus in den soziokulturellenHumus der nordischen Matrix eingebettet sind. In der Ausstellung werden diese Absichten in langen, zu lesenden Tafeln (machen Sie sich bereit, denn es werden viele sein, die mit der Unterstützung von Costantino D’Orazio geschrieben wurden) und in der Ausstellung einiger Werke des Norwegers, die den böhmischen Kreis darstellen, tatsächlich umgesetzt mien in Kristiania (dem heutigen Oslo), einer Gruppe norwegischer Intellektueller, die gegen restriktive bürgerliche Werte, Geschlechter- und Klassenvorurteile und gegen die konstituierte Macht kämpften, zu der auch Munch gehörte, sowie in der Präsenz des Porträts von Stanisław Przybyszewski, einem polnischen Schriftsteller, mit dem Munch in Berlin im literarischen Kreis des schwedischen Dramatikers und Schriftstellers Johan August Strindberg in Kontakt kam. In diesem Kontext tauschte sich Munch mit anderen Intellektuellen aus dem Umfeld existenzialistischer Philosophen wie Kierkegaard, Schopenhauer und Nietzsche aus und stand unter dem Einfluss eines pessimistischen Symbolismus, der die Ideen des Kreises untermauerte, sowie von Ideen über die Mechanismen des Unbewussten. Meiner Meinung nach wäre es nützlich gewesen, Vergleiche oder schriftliche Dokumente vorzuschlagen, um die Verbindung zwischen Munchs Kunst und dem nordischen kulturellen Kontext konkreter und direkter zu verstehen.

Wie bereits erwähnt, stammen alle ausgestellten Werke aus dem Munchmuseet in Oslo, so dass die Mailänder Ausstellung eine Die Mailänder Ausstellung ist daher eine gute Gelegenheit, Gemälde zu sehen, die nicht in der Nähe aufbewahrt werden und die man in italienischen Ausstellungen kaum zu Gesicht bekommen würde (die letzte große Ausstellung von Werken aus der Sammlung des Munchmuseet in Italien, die im Palazzo Ducale in Genua stattfand, liegt zehn Jahre zurück, und vierzig Jahre seit der dem norwegischen Künstler gewidmeten Ausstellung, die zwischen 1985 und 1986 im Palazzo Reale in Mailand und imPalazzo Bagatti Valsecchi stattfand und für die das Werk The Girls on the Bridge, das die aktuelle Mailänder Ausstellung abschließt, als Leitbild gewählt wurde). Obwohl der Schrei, wie bereits erwähnt, nur in Form von Schwarz-Weiß-Lithographien vorhanden ist, fehlt es nicht an Meisterwerken wieSelbstporträt, Melancholie, Verzweiflung, Der Kuss, Vampir, Der Tod von Marat, Selbstporträt zwischen Bett und Uhr, Sternennacht und Die Mädchen auf der Brücke. Und einige Werke werden in verschiedenen Versionen und mit unterschiedlichen Techniken wiederholt , um zu zeigen, wie Munch dieselben Motive im Laufe der Jahre und während seiner gesamten Produktion weiterverarbeitet hat. Beispiele sind Das kranke Mädchen (Radierung, 1894 und Farblithografie, 1896), Auf dem Totenbett. La febbre (Pastell, 1893) und Lotta contro la morte (Öl auf Leinwand, 1915), La morte nella stanza della malata (Öl auf Leinwand, 1893 und Lithographie, 1896), Bacio vicino alla finestra (Öl auf Leinwand, 1891) mit Il bacio IV (Holzschnitt, 1902) und Il bacio (Öl auf Leinwand, 1897); und wiederum zwei Lithographien der berühmten Madonna und sechs Versionen von Vampiro, von Öl auf Leinwand (1895 und 1916-1918) über Pastell (1893) bis hin zu Holztafel (1902).

Das lange und sich manchmal wiederholende Eintauchen in Munchs Ängste, Befürchtungen, Obsessionen und Begegnungen mit dem Tod beginnt im ersten Abschnitt mit Melancholie, das eine einsame Frau in häuslicher Umgebung zeigt, deren Ausdruck auf den Titel des Gemäldes und das Porträt von Laura Munch verweist, der vierten der fünf Geschwister des Künstlers, die seit ihrer Jugend an psychischen Störungen litt, gegen die sie ihr Leben lang ankämpfte. Das Gemälde ist jedoch ein Beispiel für die Mischung aus Elementen, die zu seiner akademischen Ausbildung gehören, und Elementen, die auf eine freiere Herangehensweise an die Malerei hindeuten, wie das Porträt seiner Tante Karen im Schaukelstuhl: Munchs Schwester mütterlicherseits, die in den Munch-Haushalt einzog, als Edvard seine Mutter im Alter von nur fünf Jahren durch Tuberkulose verlor, und die sein künstlerisches Talent als Hobbykünstlerin selbst pflegte und förderte, ist hier im Gegenlicht und mit weichen Pinselstrichen dargestellt, mit denen Munch unter der Anleitung von Christian Krohg zu experimentieren begonnen hatte. Vor allem aber handelt es sich um Werke, in denen man eine emotionale, von einer inneren Vision und Erinnerungen geprägte Herangehensweise an die Darstellung der Sujets erkennen kann. Die hier gezeigten Ansichten der Karl-Johan-Allee, der Hauptstraße in Kristiania, nicht weit von dem Ort entfernt, an dem der kleine Edvard als Kind lebte, sind ebenfalls das Ergebnis von Erinnerungen. Der erste Abschnitt schließt mit den bereits erwähnten Darstellungen der Bohème von Kristiania und dem Porträt von Stanisław Przybyszewski.

Krankheit und Tod, tragische Erfahrungen, die Munchs Familie und sein Leben geprägt haben, sind die Protagonisten des zweiten Abschnitts: Der Künstler verzichtet auf überflüssige Details und schafft es, das Wesentliche von Schmerz und Tod zu erfassen. In den hier ausgestellten Werken sehen wir verzweifelte oder geisterhafte Gestalten in dunkler Atmosphäre, die den Betrachter mit der Unsicherheit der menschlichen Existenz konfrontieren und ihn dazu bringen, den Schmerz der Sorge um einen kranken Menschen, insbesondere ein Kind, oder das Gefühl des Verlusts beim Tod eines Menschen nachzuempfinden. Es handelt sich um Werke, die von der Agonie des Verlustes erzählen, in denen die Trauer in einem kraftvollen Bild, das in einem Zimmer zu Hause spielt, greifbar wird. Beispiele sind Das kranke Kind, Tod im Krankenzimmer, Kampf gegen den Tod. Aus Mondlicht. Nacht in Saint-Cloud hingegen wird ein starkes Gefühl der Isolation deutlich. Das Gemälde Vision ist beunruhigend: Ein körperloser Kopf mit geschlossenen Augen taucht aus der Wasseroberfläche auf, während über seinem Kopf ein Schwan und andere unscheinbare Gestalten schweben, und das Kind im Begriff zu ertrinken ist nicht weniger beunruhigend. Das Kind, das ertrinkt, ist weniger beunruhigend. Besonders hervorzuheben ist in diesem Abschnitt jedoch die Verzweiflung, in der eine schwarz gekleidete menschliche Figur in dieselbe Landschaft wie der berühmte Schrei eintaucht. Es folgt eine Lithographie des Schreis, begleitet von einem Video, das seine Geschichte und seinen Diebstahl erzählt, und schließlich zwei Holzschnitte von Anguish, in denen eine Menschenmenge mit entfremdeten, weit aufgerissenen Augen auf den Betrachter zugeht und die menschliche Einsamkeit zum Ausdruck bringt, die selbst in einer Menschenmenge vorhanden ist.

Der Tod ist auch in der dritten Abteilung präsent: In einem Fall steht er am Steuer eines Segelboots mitten auf dem Meer, in einem anderen Fall gibt er in Form eines Totenkopfs einem Mädchen einen Kuss. Aber nicht nur der Liebeskuss, sondern auch die Sinnlichkeit (zwei Lithographien seiner sinnlichen Madonna sind ausgestellt) wird von Munch in zweifacher Hinsicht gesehen: als Quelle der Erfüllung, die in Gemälden wie Der Kuss oder Der Kuss am Fenster, in Küssende Paare im Park oder Anziehung deutlich wird, aber auch in ihrer dunklen Seite, in ihrer zerstörerischen Kraft, wie in Vampir. Der Künstler empfindet Mitgefühl für alle Menschen, die von der Verführung umgarnt und von der Auflösung der Liebe ruiniert werden. Von besonderer Bedeutung ist die Beziehung zu Tulla Larsen, der einzigen Frau, die Edvard Munch zu heiraten erwog: Ihre Beziehung begann enthusiastisch, verschlechterte sich dann aber, als er, überzeugt von einer Erbkrankheit und der Notwendigkeit, sich seiner Kunst zu widmen, sich Tullas Wunsch nach Intimität zunehmend widersetzte, was zu einem traumatischen Streit führte, bei dem ein Schuss einen der Finger des Künstlers verstümmelte. Ihre Beziehung inspirierte Werke, die das konfliktreiche Verhältnis zwischen Mann und Frau erforschen, in denen die weibliche Figur als Verführerin und der Künstler selbst als Opfer dargestellt wird: Ein deutliches Beispiel dafür ist der hier ausgestellte Tod von Marat, in dem in einem Zimmer ein nackter Mann auf dem Bett liegt, wobei ein Arm von der Matratze herabhängt und seine Hand und sein Handgelenk rostbefleckt erscheinen; die Frau hingegen steht nackt und reglos wie eine Statue. Die Szene könnte eine erotische Szene darstellen, aber tatsächlich deutet der Titel darauf hin, dass der Mann ermordet wurde, angesichts der Kälte der Frau. Emblematisch ist auch die Zweiteilung des Gemäldes mit Tullas Selbstporträt und dem Porträt auf grünem Grund, die das Ende ihrer Beziehung andeutet.

Kind im Begriff zu ertrinken Verzweiflung

Die Ausstellung widmet dann einen Abschnitt einem wenig bekannten Aspekt von Munchs Werk, nämlich seiner Beziehung zu Italien: Er besuchte es zum ersten Mal 1899 und dann erneut 1900, 1920, 1922 und 1927. Während seiner Aufenthalte in Italien hatte er Gelegenheit, sich mit den Traditionen der Renaissance auseinanderzusetzen, und war besonders von Michelangelo (er bezeichnete die Sixtinische Kapelle als den “schönsten Raum der Welt”) und Raffael beeindruckt. Von Urbino schuf er ein Porträt auf Papier, das hier ausgestellt ist, aber auch Werke wie die Rialto-Brücke in Venedig und Das Grabmal von P.A. Munch in Rom zeugen von seiner Liebe zu Italien und dem italienischen künstlerischen Erbe. Munch war auch fasziniert von Lehren, die Materie, Energie und Geist vereinen, wie z. B. dem Monismus, und von der Möglichkeit, dass das Universum von unsichtbaren Kräften durchdrungen ist, wie z. B. Sonnenstrahlung, Elektromagnetismus, Telepathie und Zellwachstum. Werke wie Wellen, Badende Männer oder Nackte Männer in einer Landschaft spiegeln dieses Interesse wider. Für Munch waren die Natur und der menschliche Körper zutiefst miteinander verbunden: Seine kosmologische Vision trennte die physische Welt nicht von den unsichtbaren Energien; dies führte ihn dazu, eine Bildsprache zu schaffen, in der die greifbare Realität und das Unsichtbare miteinander verschmelzen. Alle materiellen Dinge, sowohl lebende als auch unbelebte, waren für ihn miteinander verbunden. Es gibt auch eine Fotografie, die den Künstler nackt, von hinten, im Seebad Warnemünde zeigt.

Die Sonne, Alma Mater, Die Geschichte und Zum Licht hin , die wir unten sehen, beziehen sich dagegen auf die monumentalen Wandgemälde für die neue Große Halle der Königlichen Universität von Frederick (der heutigen Universität Oslo): Zum 100-jährigen Bestehen der Institution wurde ein Wettbewerb für die Gemälde ausgeschrieben, und Munch arbeitete sieben Jahre lang, um den Auftrag zu erhalten. Er entwarf elf Gemälde, die die Nation, die Universität und ihre akademischen Disziplinen feiern sollten, mit der Sonne im Zentrum, die sowohl die Aufgabe der Institution, die Studenten mit Wissen zu erleuchten, als auch die Energie, die alle Dinge belebt, symbolisiert. Das mit der Auswahl des Preisträgers beauftragte Komitee bezeichnete die Wandgemälde jedoch als farbige “Skizzen” und nahm sie nie offiziell an. Später wurden sie jedoch von den Anhängern des Künstlers gekauft und von ihnen der Universität geschenkt, die sie 1916 anbrachte, nachdem andere mit dem Projekt verbundene Werke in ganz Europa ausgestellt worden waren, was bei den Kritikern ein positives Echo hervorrief.

Der vorletzte Abschnitt setzt die zahlreichen Selbstporträts Munchs fort: Der Künstler stellt sich selbst mit einem Kabeljaukopf auf einem Teller, in der Hölle, vor der Wand seines Hauses oder mit seinem Modell dar. In seinen Selbstporträts erforscht Munch seine eigene Psyche und den Lauf der Zeit. Das Selbstbildnis zwischen Bett und Uhr ist sinnbildlich für seine Auseinandersetzung mit dem Tod und dem Altern. Auf dem Selbstbildnis zwischen Bett und Uhr steht der ältere Künstler in seinem Schlafzimmer und lässt die Hände baumeln, die früher aktiv waren und mit denen er gezeichnet und gemalt hat, und die jetzt unbeweglich sind.

Die Ausstellung endet mit einem Abschnitt, der zeigen soll, wie Munchs Kunst die Kunst des 20. Jahrhunderts beeinflusste und den Expressionismus und Futurismus vorwegnahm. Jahrhunderts beeinflusste, indem er den Expressionismus und den Futurismus vorwegnahm. Der Betrachter ist in der Tat geneigt, an den Emotionen teilzuhaben , die von den dargestellten Szenen vermittelt werden, wie in Auf den Stufen der Veranda oder in Die Hauswand im Mondlicht, wo in beiden Fällen der Schatten einer langgestreckten Figur zu sehen ist, der die Anwesenheit des Künstlers oder eines anderen Wesens suggeriert, in dessen Richtung die Frau im ersten Gemälde blickt. Es ist jedoch eine Andeutung einergreifbaren Unsichtbarkeit. Ein Schatten, diesmal formloser, um beim Betrachter ein gewisses Unbehagen hervorzurufen, ist auch imSelbstbildnis in der Hölle zu sehen, das im vorigen Abschnitt ausgestellt wurde, deutet jedoch auf die bereits erwähnten unsichtbaren Kräfte hin. Munch benutzte innovative Techniken und kühne Perspektiven, um Landschaften darzustellen, die in seine persönliche Konstruktion des Raums führen, die die Avantgardebewegungen des 20. Sein Malstil mit breiten, kühnen Pinselstrichen übt nach wie vor einen starken Einfluss aus, ein Zeichen seiner Modernität. Gemälde wie Sternennacht und Die Mädchen auf der Brücke sind Beispiele für seine innovative Bildsprache, die die traditionellen Grenzen der Darstellung überschreitet, um die Intimität und die Gefühle der menschlichen Seele zu erkunden.

Die Rückkehr Munchs nach Mailand hat jedoch nichts Aufregendes an sich, außer dass er Werke nach Italien bringt, die sonst in Norwegen zu sehen wären. Enttäuschung darüber, dass Meisterwerke wie Der Schrei und Madonna nur in Form von Lithographien ausgestellt werden, und meiner Meinung nach über die Intentionen hinaus, scheint es mir, dass wir uns zu sehr auf Munchs Ängste konzentriert haben, die für seine Kunst grundlegend sind, die aber, wie in den Intentionen angegeben, weit über seine Biographie hinausgehen, da sie von der Philosophie der Zeit und der Psychologie Freuds beeinflusst sind, die das Unbewusste in den Vordergrund stellt. Diese Aspekte, diese “artikulierte Vision”, auf die Bezug genommen wurde, werden in der Ausstellung nicht gut wahrgenommen. Der Abschnitt über Munch in Italien ist interessant, aber leider nicht sehr ausführlich.

Der Katalog, in dem die langen Tafeln der Ausstellung nicht gezeigt werden, enthält drei Aufsätze: der erste ist Munchs Beziehung zu Italien gewidmet, der zweite, geschrieben von der Kuratorin Patricia G. Berman, ist der visuellen Wahrnehmung und dem inneren Sehen gewidmet, dem inneren Auge als Subjekt, also der subjektiven Dimension von Munchs Malerei, während der dritte Aufsatz die Beziehung zwischen Munchs künstlerischer Entwicklung und den zeitgenössischen Entwicklungen in den Wahrnehmungswissenschaften untersucht. Hinzu kommen zwei Beiträge der Schriftstellerinnen Melania Mazzucco und Hanne Ørstavik: Io sono un romantico und Chi sono io, die sich auf Werke der Ausstellung beziehen. Unerfüllte Erwartungen für eine der am sehnlichsten erwarteten Ausstellungen des Jahres.

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