Die Ausstellung über Ironie im MAMbo in Bologna tötet einen grundlegenden Aspekt der Ironie

Nach Mozzarella in Carrozza, einem großen Werk von Gino De Dominicis, mit dem die Ausstellung Facile Ironia im MAMbo Museum in Bologna eröffnet wird, ist der Weg in viele Werke zersplittert, die dazu neigen, sich in einer Installation zu verlieren, in der die roten und gelben Wände zu sehr in den Kopf des Betrachters eindringen und dort verweilen. Mozzarella in Carrozza fordert jede eindeutige Interpretation heraus, ist amüsant und verwirrend, ein visueller Scherz, der hinter seiner scheinbaren Einfachheit eine tiefere Reflexion über Wahrnehmung, Sprache und das Wesen der Kunst verbirgt. Zeit und Unsterblichkeit, absurd und metaphysisch. Der Mozzarella, der auf dem Sitz eines alten schwarzen Wagens platziert ist, erzeugt einen konzeptionellen Kurzschluss zwischen einer starken und ewigen Vergangenheit und der Vergänglichkeit und Zerbrechlichkeit der Materie. Ein sprachlicher Witz, der das Ready-made von Marcel Duchamp stark und originell aufgreift und die gesamte Ausstellung wie ein lästiges Gespenst begleitet.

Jeder modernen und zeitgenössischen Kunst liegt immer eine konzeptionelle Abweichung zugrunde, die die klassische Definition eines Kunstwerks in Frage stellt und auf etwas notwendigerweise “Ironisches” verweist. Deshalb hätte die Ausstellung neben der bitteren, konzeptionellen Ironie, die die moderne und zeitgenössische Kunst durchdringt, auch Werke gebraucht, die frontaler und unmittelbarer in Bezug auf eine komplexe und pulsierende Realität sind, die wir im Jahr 2025 stark außerhalb der Museen erleben. So fehlten Künstler wie Gabriele Picco mit seiner ironischen und traumhaften Malerei oder Giulio Alvigini, der die Meme-Kultur auf die Kunstwelt anzuwenden wusste. Gleichzeitig erscheinen Künstler wie Riccardo Baruzzi und Federico Tosi (um zwei Beispiele zu nennen) als überflüssige und erzwungene Entscheidungen.

Unter den vielen nicht sehr großen Werken, kleinen Schwarz-Weiß-Fotos, Zeichnungen, kleinen Interventionen, haben wir das Werk von Roberto Fassone vermisst, obwohl wir die Ausstellung zweimal besucht haben, während uns die Werke von Italo Zuffi, Maurizio Mercuri (wenn auch begrenzt) und Francesco Vezzoli gefallen haben. Die Werke von Monica Bonvicini und Lara Favaretto waren zu klein und minimalistisch, was einerseits an die Probleme mit der Halbierung des Budgets erinnert, mit denen das Museum in den letzten Jahren konfrontiert war, andererseits an Wege, auf denen die Ironie nicht wirklich so stark und vorherrschend ist. Man hat das Gefühl, dass in der Ausstellung eine spielerischere und frontalere Ergänzung zu der subtilen und konzeptuellen Ironie von Italo Zuffi sinnvoll gewesen wäre, der den Galeristen, der ihn als Künstler abgelehnt hat, viele Tage lang verfolgt und fotografiert.

Der Teil der Ausstellung, der derIronie in der feministischen Kunst gewidmet ist, stellt die Bedeutung dieser Bewegung nicht wieder her: Es gibt Werke, die aus historischer Sicht sicherlich wichtig sind, aber sie erscheinen dennoch schwach und haben wenig Anlass, mit der Komplexität von 2025 zu konkurrieren. Im Allgemeinen muss man, um die ausgestellten Werke zu verstehen und zu betreten, viel lesen, viele lange Beschriftungen in kleiner Schrift auf farbigem Hintergrund. Das tötet, wenn man darüber nachdenkt, einen grundlegenden Aspekt der Ironie: die Unmittelbarkeit. Man bekommt ein ähnliches Gefühl, als müsste man einen Witz erklären. Wenn dies geschieht, verlieren wir offensichtlich diese Frontalität und Unmittelbarkeit, die für die Aktivierung der ironischen Dimension des Werks von grundlegender Bedeutung sind. Würde ein Betrachter alle Beschriftungen in der Ausstellung und die Texte in vielen Werken lesen, würde er Stunden um Stunden benötigen, was seine Erfahrung stark beeinträchtigen würde.

Im MAMbo finden wir dann Pascali, Boetti, Accardi, Cattelan: alles große Künstler, aber in der Ausstellung kommen auch sie zu kurz, mit Werken, die von den Farben der Wände und den vielen Werken um sie herum erstickt werden. Cattelans Tauben, unbeweglich und präpariert(Ghosts), verlieren an Biss, und es bleibt ein Gefühl der Unzufriedenheit, als ob diese Tauben, um 2025 zu wirken (das Werk stammt aus dem Jahr 1997), zumindest lebendig sein müssten.

Diese Ausstellung ist zwar ein Versuch, das fünfzigjährige Bestehen des MAMbo-Museums in einem historischen Sinne zu lesen, zeigt aber einmal mehr die Krise der zeitgenössischen Kunst und des Kunstsystems, indem sie Wege, Haltungen, Visionen und Einstellungen definiert, die für die Auseinandersetzung mit unserer Gegenwart nützlich sind. Man hat das Gefühl, dass die Künstler und Kuratoren der jüngsten Generationen, die zwischen den späten 1990er Jahren und heute entstanden sind, in den Untiefen des zwanzigsten Jahrhunderts, des Readymades und der Postmoderne gestrandet sind, ohne dass das Zitat zu einer Brücke werden könnte, um das Zeitgenössische wirksam anzugehen.

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