Della Robbia in Stars and Stripes

Die Ausstellung Della Robbia. Sculpting with Colour in Renaissance Florence, kuratiert von Marietta Cambareri, im Museum of Fine Arts, Boston, wurde am 4. Dezember geschlossen. Sie wird am 5. Februar in der National Gallery of Art in Washington D.C. wiedereröffnet, wo sie bis zum 4. Juni zu sehen sein wird. Die Ausstellung ist eine mehr als 100 Jahre währende Reise durch die Technik der glasierten Terrakotta. Die Geschichte dieses Mediums beginnt in den 1530er Jahren in Florenz, als Luca della Robbia, nachdem er sich mit Donatello bei der Verwirklichung der Cantorie für Santa Maria del Fiore verglichen hatte, eine neue Produktion erfand und sich darauf spezialisierte. Nach ihm setzten sein Neffe Andrea und dessen Sohn Giovanni die Familientradition fort, verbreiteten die glasierte Terrakotta (oder “Robbiane”) über die Stadtgrenzen hinaus und perfektionierten die Technik.

Della Robbia. Sculpting with Colour in Renaissance Florence wird am 5. Februar in Washington wiedereröffnet.

Die Entstehung dieser besonderen Skulpturen (oder “Glasfiguren”, wie sie von den Zeitgenossen genannt wurden) bleibt nach wie vor geheimnisumwittert. Sicherlich haben diagnostische Untersuchungen und bahnbrechende Studien unser Wissen über diese Artefakte erheblich erweitert, doch ist nur wenig darüber bekannt, wie sie vor dem Brennen aussahen. Sicher ist, dass ihre Herstellung eng mit dem Ort ihrer Entstehung verbunden ist: Die besondere Zusammensetzung des mineralhaltigen Tons des Arno machte sie zu Objekten, die nur mit demselben Material reproduziert werden konnten. Zu ihrem Glück trug auch ihre besondere Beschaffenheit bei, die auf halbem Weg zwischen Malerei und Bildhauerei liegt; mit der Malerei haben sie die Verwendung von Farben gemeinsam, mit der Bildhauerei die Dreidimensionalität. Umgekehrt machte die Glasur diese Werke widerstandsfähiger als ein Gemälde, aber auch billiger als ein Werk aus Marmor.

Die Ausstellung in Boston ist in drei Abschnitte unterteilt, die nach den drei Kardinaltugenden benannt sind, und verzichtet auf eine genaue chronologische Einteilung (die vielleicht zu pedantisch gewesen wäre), um stattdessen einige Kategorisierungen vorzuschlagen, in die die Werke der Ausstellung fallen. Ausgehend von der privaten Andacht und dem häuslichen Rahmen über den öffentlichen Rahmen und den Dialog mit der Antike wird der Besucher auf einem Weg der Entdeckung der Techniken und der Dynamik einer Werkstatt begleitet, die lange Zeit einzigartig blieb. Was alle Werke der Ausstellung, die größtenteils aus amerikanischen Museen stammen, eint, ist ihre hohe Qualität und ihr hervorragender Erhaltungszustand.

Die Ausstellung wird mit einem außergewöhnlichen Relief eröffnet, das die Auferstehung Christi darstellt. Es ist das Werk von Giovanni, dem jüngsten Mitglied der Familie, das sich in dieser Technik im 16. Die weißen und blauen Reliefs seines Großonkels Luca weichen einer viel breiteren Farbpalette, die nun auch Grün, Braun und Violett umfasst. Die Einzigartigkeit dieser Lünette liegt auch in ihrer prestigeträchtigen Herkunft. In der Tat sind zwei Wappen der Antinori (einer Florentiner Familie, die noch heute Wein produziert und die Ausstellung großzügig gesponsert hat) in der reichen Fruchtgirlande, die die Szene umgibt, deutlich zu erkennen. Dokumentarische Untersuchungen haben den ursprünglichen Standort dieses aus mehr als vierzig Teilen bestehenden Reliefs bestätigt, das einst die Eingangstür einer Villa in der Toskana schmückte. In der sehr reichhaltigen Girlande, die aus sechzehn verschiedenen Abschnitten besteht, versuchte sich Giovanni an der Darstellung verschiedener Pflanzen, wobei er auch Abgüsse aus dem Leben verwendete. Neben der Pflanzenwelt gibt es auch eine Vielzahl von kleinen Tieren zu sehen, die sich gegenseitig zu jagen scheinen und wie geschaffen sind, um die Kleinen während des Besuchs zu unterhalten. Ebenfalls zahlreich in der Ausstellung vertreten sind Madonnen mit Kind und Krippen, typische Themen der privaten Verehrung, die im Laufe der Generationen und der Verbesserung der Techniken ebenfalls kleine Aktualisierungen und eine zunehmende Farbgebung erfahren.

Giovanni della Robbia, Auferstehung (um 1500-1524; glasierte Terrakotta, 174,6 x 364,5 x 33 cm; New York, Brooklyn Museum)

Detail der Auferstehung

Auffallend, selbst in ihrer Monochromie, ist die Heimsuchung aus der Pistoieser Kirche San Giovanni Fuorcivitas, ein Meisterwerk aus den 1540er Jahren des Vorvaters Luca. Dieses Werk, dessen ursprüngliche Anordnung durch die Platzierung auf einem Podest und die Einrahmung in einer Nische angedeutet wird, kann auch in seine Einzelteile zerlegt werden, aber die Fugen sind vom Künstler geschickt in den Falten der Gewänder der beiden weiblichen Figuren verborgen. Die Begegnung zwischen der Jungfrau und der heiligen Elisabeth und die darauf folgende Bewegung des heiligen Johannes des Täufers, der den Erlöser in einem anderen Schoß nahe bei sich spürt, werden mit einer besonderen Ikonographie wiedergegeben: Die ältere Elisabeth fällt auf die Knie und umarmt ihre Cousine, wobei das Gesicht der jungen Maria für die Blicke der Gläubigen, die ebenfalls vor dem Altar knien, sichtbar bleibt.

Luca della Robbia, Heimsuchung (um 1445; glasierte Terrakotta, Höhe 184 cm; Pistoia, San Giovanni Fuorcivitas)

Detail der Heimsuchung

Die Ausstellung schließt mit der Produktion von Robbia im 16. Jahrhundert, als die Technik, wie Vasari feststellte, einen rapiden Niedergang erlebte. Das Familiengeheimnis, das die Werkstatt verlassen hatte, war zu diesem Zeitpunkt in die Hände von Benedetto und Santi Buglioni gelangt, wobei letzterer der Autor des Trios der Franziskanerheiligen im Rund war, das heute auf drei verschiedene Sammlungen verteilt ist. Die Lebendigkeit dieser Statuen ist beeindruckend, da sie die Haltung der Prediger, vor denen sich die Gläubigen in Scharen versammelten, gut wiedergeben. Die Explosion des unteren Teils des Johannes von Capestrano, der mit neuem Ton geflickt wurde, aber immer noch sichtbar ist, deutet vielleicht auf einen letzten Versuch hin, mit einem Medium zu experimentieren, das erst Jahrhunderte später wieder geschätzt werden sollte.

Santi Buglioni, Heiliger Bernhardiner von Siena (um 1550; glasierte Terrakotta; Privatsammlung)

Vor dem Kensington Museum, dem heutigen Victoria and Albert in London, begannen sich einige amerikanische Sammler und Museen vor allem zu Beginn des 20. Jahrhunderts für glasierte Terrakotta zu interessieren und lösten damit ein Revival aus, das auch zu deren Fälschung führte. Zahlreiche Objekte der Ausstellung, darunter die bereits erwähnte Auferstehung Christi, die 1899 in die Sammlungen des Brooklyn Institute, des heutigen Brooklyn Museum in New York, gelangte, wurden von triumphalistischen Zeitungsartikeln begleitet, die ihre Ankunft feierten.

Im Ausstellungskatalog befasst sich einer der sechs Aufsätze von Marietta Cambareri, Kuratorin der Sammlungen von Skulpturen und dekorativen Künsten des Bostoner Museums, genau mit dem Schicksal der glasierten Terrakotta in den Vereinigten Staaten, zu dem sie den Weg nach Großbritannien und die Vermittlung amerikanischer und italienischer Kunsthistoriker und Kunstkenner ebnete. Jahrhundert glasierte Terrakotten auf Maultieren nach Urbino, Neapel und Sizilien und von dort aus nach Portugal, Frankreich und England gelangten, erreichten die Terrakotten von Della Robbia zu Beginn des letzten Jahrhunderts sogar die Neue Welt und inspirierten neue Anregungen und Forschungen.

Luca, Andrea und Giovanni wären sicher stolz auf die Ausdauer, mit der ihre Werke die transozeanischen Reisen unbeschadet überstanden und die Lebendigkeit ihrer Farben und die “authentische toskanische Stadtatmosphäre” bewahrt haben, für die sie zu Beginn des letzten Jahrhunderts von den Sammlern so geschätzt wurden.

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