Betrachtung der Pandemie durch eine Hülle. 49 italienische Künstler stellen in Massa aus

"Die Zwänge des Eingeschlossenseins haben jeden von uns dazu gebracht, seine Lebensweise, seine wahren Bedürfnisse und seine Bestrebungen in Frage zu stellen, unterdrückt bei denen, die unter einem geschlossenen Zustand zwischen Wohnung und Arbeit leiden, vergessen bei denen, die ein weniger unterworfenes Leben führen, und im Allgemeinen verdeckt durch die Entfremdung des Alltags oder ausgelagert im paszolischen Divertissement, das uns von den wirklichen Problemen unserer menschlichen Existenz ablenkt". Dies schrieb Edgar Morin in der ersten seiner 15 Vorlesungen über das Coronavirus, die veröffentlicht wurden, als die zweite Welle der Covid-19-Pandemie begann, Gestalt anzunehmen und erneut die Regierungen in der ganzen Welt davon zu überzeugen, dass das mehr oder weniger lange Einsperren von Menschen in ihren Häusern die beste Lösung für das Problem sei. Unprecedented times nennt man das in den angelsächsischen Ländern: ein noch nie dagewesener Moment. Und wie bei allen beispiellosen Momenten ist der Gefühlsstrom, der ihn durchzieht, stürmisch, gewalttätig, widersprüchlich, unruhig und beunruhigend, vielleicht sogar noch unvorhersehbarer als der Verlauf der Wellen der Epidemie. Es ist ein Wirbelsturm, der auch die Kunst erfasst hat, mit zumindest einigen positiven Folgen: Er hat einen Moment leuchtender und weit verbreiteter kreativer Euphorie ausgelöst (wie es ja typisch für Krisenmomente ist) und er hat die Form einer Art rappel à l’ordre angenommen, wie eine konkrete, greifbare und unmittelbare Maßeinheit, mit der sich die Künstler konfrontieren mussten.

Es ist noch zu früh, um zu sagen, ob originelle Ergebnisse entstehen werden und wie sich dies auf den Verlauf der Kunstgeschichte auswirken wird. Das gilt für diejenigen, die über Kunst schreiben, das gilt bis zu einem gewissen Grad auch für diejenigen, die Kunst produzieren. Aber es ist schon eine Leistung, die zeitgenössische Kunst auf eine dringende und drängende Dimension zurückzuführen: nicht zu dokumentieren, denn dafür ist die Kunst nicht da, dafür ist sie nicht geboren. Wenn die Kunst, um an Gastone Novelli zu erinnern, die Art und Weise ist, in der sich der Mensch in der Welt orientiert, dann wird sie mehr denn je in Situationen gebraucht, in denen eine verwirrte und verlorene Menschheit das Bedürfnis nach Werkzeugen verspürt, die ihr die Navigation erleichtern. Valentina Ciarallo ist es daher zu verdanken, dass sie eine Art kleinen Kompass angefertigt hat, der in der Bescheidenheit des Beitrags, den die bildende Kunst leisten kann, die Möglichkeit bietet, zu verstehen, an welchen Himmelsrichtungen sich die italienischen Künstler in den ersten Monaten der Pandemie orientiert haben. Der römische Kurator hatte die Idee, neunundvierzig Künstler die weiße Ausgabe von Vogue Italia füllen zu lassen, d.h. die Ausgabe vom April 2020, die mit einem komplett weißen Cover erschien, um ein Gefühl für die Fassungslosigkeit vor dem Ausbruch der Epidemie zu vermitteln, die die Welt erschütterte.

Es ist bekannt, dass die Leser der italienischen Ausgabe der Vogue seit jeher an farbenfrohe, extravagante und topaktuelle Cover gewöhnt sind. Eine Gewohnheit, die sich seit 1962 ununterbrochen wiederholte: In den fast sechzig Jahren ihres Erscheinens war kein einziges Cover leer geblieben. Die Leere wurde zur Allegorie der Verwirrung. Eine Allegorie jedoch, die Ciarallo, eine Art Künstler in den Fünfzigern, wie viele bei der Präsentation der Ausstellung bemerkten, mit Fleiß und Einfallsreichtum umgestoßen hat: Eine Leere kann auch gefüllt werden, eine Leere kann einen Anfang darstellen, eine mehr oder weniger umschriebene Leerstelle ist fast immer der Beginn eines Kunstwerks. Die Ergebnisse der Initiative, die natürlich die volle Unterstützung von Vogue hatte, sind in der Ausstellung Carta Bianca. Una nuova storia im Museo Guadagnucci in Massa zu sehen (auch wenn bereits bekannt ist, dass die Ausstellung anschließend auf Tournee gehen wird), die noch bis zum 29. August zu sehen ist: die neunundvierzig Titelseiten sind in den Räumen des Museums ausgestellt, das mit dieser Ausstellung außerdem den neuen Kurs unter der Ägide der neuen Direktorin Cinzia Compalati einleitet, die auf Anhieb in der Lage ist, nach zu langer Abwesenheit und Entmutigung wieder hochwertige zeitgenössische Kunst in ein öffentliches Museum in den Apuanischen Alpen zu bringen. Auch aus diesem Grund ist die Ausstellung einen Besuch wert.

Blick auf die Ausstellung Carta Bianca. Eine neue Geschichte. Foto: Serena Rossi

Blick in die Ausstellung Carta Bianca. Eineneue Geschichte

Blick in die Ausstellung Carta Bianca. Eine neue Geschichte

Blick auf die Ausstellung Carta Bianca.Eine neue Geschichte

Ausstellungsansicht Carte Blanche. Eineneue Geschichte

Die “neue Geschichte”, auf die der Titel der Ausstellung anspielt, ist diejenige, die die neunundvierzig Künstler auf der Titelseite der Vogue schreiben: Wie bei allen Gruppenausstellungen gibt es solche, die ihre Rolle leidenschaftlicher und engagierter interpretieren, und solche, die sich stattdessen eher müde oder rhetorisch präsentieren, aber das Gesamtergebnis ist mehr als positiv. Den Besucher begrüßen 7,62 x 63 mm von Flavio Favelli und #836 A von Giovanni De Angelis: Das erste Werk ist konzeptionell komplexer und bezieht sich auf eine andere Tragödie (die von Ustica), das zweite ist unmittelbarer und löst sich in einem sauberen Schnitt in der Mitte des Magazins auf, einer leuchtend roten Linie, die fast eine Wunde ist, aus der jedoch eine Wiedergeburt hervorgeht. Der niedliche Affe von Mauro Di Silvestre(I wanna be like you!) ist mit Bedeutungen aufgeladen, die auf andere vergessene Bedeutungen verweisen (“was fühlt ein Tier über das Leben auf diesem Planeten und was würde ein Schimpanse über unseren Fortschritt denken”, fragt sich der Künstler), und stellt La pittura precede la natura von Matteo Fato vor, eine Reflexion über Kunst als Mímesis, indem er einen Gedanken des Musikphilologen Gianni Garrera weiterentwickelt. Weiter geht es im nächsten Raum, wo Francesco Arenas unbetiteltes Titelbild das Wort “Italien” innerhalb des Wortes “Vogue” verwendet, um ein Zitat von Pasolini aus dem Jahr 1975 zu präsentieren, das wegen seiner beunruhigenden Aktualität ausgewählt wurde: “Italien entfernt seine nahe Vergangenheit, verliert sie in der Vergessenheit der Fernsehsendungen, es behält nur seine Erinnerungen, die Fragmente, die für seine Verrenkungen, seine Bekehrungen nützlich sein könnten. Aber Italien ist ein kreisförmiges, katzenartiges Land, in dem sich alles verändert, um zu bleiben, wie es ist. In dem alles fließt, um nicht wirklich zu vergehen”. Arenas Werk wird flankiert von Mario Airòs Die Elegie des Weiß, die das Weiß als offene Form und Symbol für Geburt und Tod feiert, und von einer Collage von Marina Paris, Numero 836, die ein Gruppenfoto von 1951 auf ein Titelblatt klebt, wahrscheinlich um die Unterschiede zwischen den Italienern von heute und denen der 1950er Jahre, die das Land neu gegründet haben, zu betonen.

Stefano Arienti durchlöchert die Werbung von Giorgio Armani auf der hinteren Umschlagseite und erreicht damit eine Verklärung: kein selbstbewusstes Model mehr, sondern eine Frau, die fast um Hilfe zu bitten scheint, gefangen zwischen den Seiten. Minimalistische Sprache für Elisabetta Benassi, die noch mehr Weiß auf Weiß setzt, indem sie “VOG” löscht, damit “EU” übrig bleibt, ein offensichtlicher Hinweis auf die Europäische Union und ihre Rolle während der Pandemie. Wesentlich interessanter ist das Werk Allunati von Rä di Martino, der auf dem Titelblatt der Vogue die Eroberung des Mondes nachstellt, eine Erfahrung, die nach Ansicht des Künstlers die Herausforderung des Unbekannten und die Überlegenheit der Vernunft über das Chaos darstellte (und immer noch darstellt), weitere Themen, die in unser tägliches Leben Einzug gehalten haben. Nicht weit davon entfernt machte sich Windows von Patrick Tuttofuoco Gedanken über die Zukunft, indem er das Titelblatt der Vogue in eine raffinierte Skulptur verwandelte und es sich als ein Fenster vorstellte, das sich zu einem bedrohlichen Himmel öffnete, der jedoch durch den Blitzschlag der Kunst, der Kreativität und der Vorstellungskraft aufgerissen wurde. Eine Collage auch für Giuseppe Pietroniro, der mit der Wahrnehmung von Formen durch optische Täuschung spielt, während Diego Miguel Mirabella sich von islamischen Mosaiken inspirieren lässt, um durch die Öffnungen auf dem Umschlag den Inhalt der Zeitschrift zu zeigen (der Verweis bezieht sich darauf, wie wir die Welt während der Gefangenschaft zu betrachten pflegten: durch unsere Fenster, aber auch durch die engen, bedrückenden Öffnungen der Medien).

Mauro Di Silvestre, I WANNA BE LIKE YOU! (2020; Öl und Seidenbänder auf dem Einband). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Giovanni De Angelis, #836 A (2020; LED-Licht auf dem Umschlag). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Francesco Arena, Ohne Titel (2020; Druck auf transparentem Aufkleber auf dem Umschlag). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, Foto: Giorgio Benni

Stefano Arienti, Ohne Titel (2020; Perforation auf dem Einband). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Studio SALES di Norberto Ruggeri, Rom. Foto: Giorgio Benni

Patrick Tuttofuoco, Fenster (2020; Stahlprofil, aufgeklebte Fotografie auf dem Umschlag). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Rä di Martino, Allunati (2020; Fotodruck und Leinwandausschnitte auf dem Einband). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers Foto: Giorgio Benni

Matteo Nasini, Stringimi che andiamo (2020; Acrylwolle und Baumwollfäden auf Vogue). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Clima, Mailand. Foto: Giorgio Benni

Goldschmied & Chiari, All’alba di un tramonto (2020; Digitaldruck auf Einband, Detail der Arbeit Untitled Views). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Federica Di Carlo, Je suis la Vague (2020; französische fossile Muschel, versilberter Eisengriff auf Vogue). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Riccardo Beretta, Never Say Bullshit (2020; Stickerei auf bemaltem Samt auf Einband, gesponsert von Anna Monti). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Tighten Me That We Go von Matteo Nasini ist eine der poetischsten Interpretationen in der Ausstellung: Das Magazin wird zu einer Metapher für die Realität und wird aufgerollt, weil wir nicht wissen, was in der Zukunft passieren wird, und die Hoffnung auf eine Wiedergeburt wird durch das Gold in Kombination mit dem Schwarz der trostlosen Gegenwart symbolisiert. Daneben erscheint Saving Time, ein dichtes Werk von Letizia Cariello, für die das weiße Cover der Vogue an einen wolkenverhangenen Himmel erinnert und sie zu einer träumerischen Dimension führt, die durch den Zahlenkreis ausgedrückt wird: eine Anspielung auf einen verwundeten und doch zusammengenähten Kalender, denn die Natur zerstört und baut wieder auf und lässt die Zeit weiterlaufen. Diejenige, die vom Meer träumt, ist Federica Di Carlo, die mit Je suis la vague eine Muschel mit Hilfe eines Schraubstocks auf dem Cover der Vogue fixiert: Ihr Wunsch während der Gefangenschaft war es, zum Meer zurückzukehren, eine instinktive Sehnsucht nach Wiedervereinigung mit einem Urelement. Aber auch, wie die Kuratorin betont, “eine Reflexion darüber, wie man den Griff lockern kann”, denn “der globale Wahnsinn wird zum Schraubstock, den man lockern muss, damit die Schale nicht zerbröckelt und wir mit ihr”. Maritim ist auch das Werk von Salvatore Arancio, der eine andere Hülle vorschlägt: eine Collage, die uns in die Dimension der Natur zurückversetzt. Auch mit auditiven Eindrücken: Der Podcast, den Arancio für das Werk erstellt hat (jeder Künstler wurde eingeladen, einen zu produzieren, also gibt es solche, die das Werk erklären, solche, die Passagen rezitieren, oder solche, die wie Arancio ihre Werke vertonen, und sie können alle von der Website des Museums heruntergeladen werden), enthält die Klänge eines Tages an einem einsamen Strand.

Wenn das Duo Invernomuto einen beunruhigenden Terminator auf das Titelblatt der Vogue setzt, wirkt Dawn of a Sunset des anderen Duos in der Ausstellung, Goldschmied & Chiari, das eines seiner klassischen, farbenfrohen und beliebten Werke aus Wolken präsentiert, die von Rauchbomben freigesetzt werden, Die Farben sind von dem inspiriert, was Calvino als “die Stunde, in der sie die Konsistenz des Schattens verlieren, der sie in der Nacht begleitete, und allmählich ihre Farben zurückgewinnen” definierte, den Moment der Morgendämmerung, “die Stunde, in der man sich der Existenz der Welt am wenigsten sicher ist”. Der Besuch im ersten Stock endet mit Never Say Bullshit von Riccardo Beretta (eine kuriose und gelungene Begegnung zwischen Alighiero Boetti und Maurizio Cattelan), mit der künstlichen Intelligenz von V.I.P. (Vogue Intelligent Pro) von Donato Piccolo, die mit Hilfe einer Software den Inhalt der Vogue analysiert, um Zeichen zu schaffen, die an die Wand projiziert werden und so neue Wahrnehmungen ermöglichen, ohne jedoch den Kontakt zu einer Realität zu verlieren, die durch das noch verpackte Cover verkörpert wird (eine Realität, die jedoch bereit ist, neues Leben zu erzeugen), und mit dem dritten Duo, Vedovamazzei, das in einer konzeptionellen Operation die Vogue mit einem Vorhängeschloss verschließt.

In der unteren Etage treffen wir zunächst auf Eugenio Tibaldi und seine Arbeit See Beyond, die Illustrationen aus den 1950er Jahren aufgreift, um über ein damals beliebtes Gerät nachzudenken, die Röntgenbrille, die niemand gekauft hat (wer hätte gedacht, dass sie funktioniert?), die aber in einer modernen Welt, in der sich jeder mit der Illusion des Wissens täuscht, zu einem Mittel wird, um uns in die Realität zurückzuholen (das Gefühl der Scham, nachdem man die Haltlosigkeit seiner Theorien überprüft hat, ist eine Art gute pädagogische Praxis, scheint der Künstler zu sagen). Auch Giuseppe Stampone spricht von Bildung mit Global Education, einer Federzeichnung, die die Notwendigkeit unterstreichen soll, “zu einer ethischen Verpflichtung noch vor der ästhetischen zurückzukehren, zum politischen Aktivismus im Alltag und zur dringenden Notwendigkeit, verbindende, kognitive, taktile und globale Strukturen aufzubauen”, schreibt Ciarallo. Daneben verwendet Lamberto Teotino ein altes Foto aus dem Internet, um über den Wert des Konzepts “Familie” zu meditieren, während Giovanni Kronenberg die untere Klappe des Covers der Vogue mit Blattgold versieht, um ihr eine skulpturale Dimension zu verleihen und sie so für die Außenwelt zu öffnen. Zu den besten Werken der Ausstellung gehört Fabrizio Cotogninis Der Schatten der Seele, der die Vogue mit Blattgold in ein antikes Buch verwandelt und außerdem Originalstiche aus dem 19. Jahrhundert mit monströsen Figuren und Tieren einbezieht, um mit traditionellen Ausdrucksmitteln eine Art Allegorie der Gegenwart zu komponieren. Gianni Politi überzieht die Vogue mit Metallfarbe, um eine Inschrift zu schaffen, in der er sagt, dass er sich immer in Quarantäne fühlt(I have always been in quarantine), und neben ihm verwandelt Jacopo Benassi die Vogue in eine andere Zeitschrift, Brutal Casual, die die “tägliche Brutalität” des Künstlers sammelt, einschließlich Abendessen mit Junk Food, Sex, alkoholische Abende und viele andere Momente, an die wir alle oder fast alle während unserer verschiedenen Einsperrungen nostalgisch gedacht haben. Marco Raparelli, der in List for reboot eine Reihe von Gegenständen auflistet, die ihm geholfen haben, die erzwungene Absonderung zu bewältigen: Computer, Kugelschreiber, Bleistifte, Musik, Bücher, Gehirn, Herz, Augen. Daneben ätzt Stanislao Di Giugno mit Sfregio #9 das Cover, um in den Tiefen des Magazins nach neuen Formen und Farben zu suchen.

Eugenio Tibaldi, See beyond (2020; Permanentmarker auf dem Umschlag). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Jacopo Benassi, Brutal Casual vs Vogue (2020; Mischtechnik auf dem Cover). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galleria Francesca Minini, Mailand. Foto: Giorgio Benni

Fabrizio Cotognini, Der Schatten der Seele (2020; Blattgold, Tinte, Mylar und Originalstich aus dem 19. Jahrhundert auf dem Einband). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Prometeo di Ida Pisani, Mailand. Foto: Giorgio Benni

Sissi, Portrait in Bloom (2020; Stickerei auf dem Einband, Baumwollfaden). Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Galleria Tiziana Di Caro, Neapel. Foto: Giorgio Benni

Guglielmo Castelli, Tomorrow (2020; Öl auf Einband). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Simone Berti, Zebra mit Louboutin (2020; Mischtechnik auf Papier und Umschlag). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Foto: Giorgio Benni

Ein weibliches Porträt, Arianna, sticht auf dem Cover von Silvia Celeste Calcagno hervor, während ein zerbrochener Teller(Un solco, una strada) auf Silvia Camporesis Dimension der alltäglichen Enge verweist, aber auch auf die Brüche anspielt, die die Pandemie in unserem Leben verursacht hat. Giulia Andreani hingegen stellt sich eine Monde d’après vor, in der ein Mädchen das Patriarchat demontiert, und Romina Bassu verweist mit einem Acrylbild auf eine Dimension der Angst und der Verunsicherung (die Zigarette in den Händen zweier Frauenfüße). Das Ritratto in fiore di Sissi schließt diese weibliche Klammer mit einem zarten “Blick, der auf das Neue blüht”, um es mit den Worten der Kuratorin zu sagen. Pietro Ruffo und die jüngste Künstlerin der Ausstellung, die 30-jährige Bea Bonafini, hingegen argumentieren mit den großen Platzdemonstrationen: Ruffo beschränkt sich auf ein Porträt mit banalen Parade-Slogans(There is no planet B), Bonafini schafft eine Schnitzcollage, die einen didaktischen Kuss zwischen Schwarz und Weiß auf der Welle von Black Lives Matter imaginiert. Alessandro Piangiamore verzichtet auf seine üblichen Sprachen, um ein Rezept für Mutterhefe auf das Cover der Vogue zu klatschen, während Guglielmo Castelli, einer der derzeit interessantesten jungen Maler Italiens, sein Cover mit verträumten, verletzlichen Kreaturen bevölkert, die ein bisschen so sind wie der Rest von uns heutzutage. Mehr Malerei mit Vincenzo Simones beruhigendem Vaso di fiori (Blumenvase ), während Marco Basta seine Entmutigung über die Zeiten, in denen wir leben, dem Filzstift anvertraut: Ich will mich nicht mehr so fühlen. In A-Bee-C fasst Alice Schivardi ihre Gefangenschaft mit einem Mund und einer Biene zusammen, und der gleiche Mechanismus beherrscht Ludovica Gioscias Affectionate Jacket, die das Cover der Vogue mit Stoff, Blättern, Wolle, Gras und sogar Katzenhaaren besprenkelt, um einen abnehmbaren Umschlag zu schaffen. Die Ausstellung schließt mit dem bizarren Zebra mit Louboutin von Simone Berti (eine Atmosphäre, in der die Natur “das Zebra einzuengen und unbeweglich zu machen scheint, ein Ausdruck des Stillstands, den diese Zeit uns auferlegt”, schreibt Ciarallo), dem Werk von Davide Monaldi, der die Weiße Ausgabe für so bedeutend hielt, dass er sie nicht zu füllen brauchte (und sie deshalb in glasierter Keramik reproduzierte), Manfredi Beninatis Neuinterpretation von Michelangelos Adam, Corinna Gosmaros existenzialistisches Stachelschwein(We don’t know yet) und Maria Crispals eindrucksvolles Selbstporträt, das sie in Weiß gekleidet auf der Briefmarke des Magazins zeigt, die sie an die Weltkugel erinnert, um, wie der Kurator erklärt, “ein Konzept der globalen Wiedergeburt und der Vereinigung in der Kraft des Lebens” zu vermitteln.

Natürlich gibt es keine Blitze, denn die Künstler in der Ausstellung haben fast alle nach ihren üblichen Formen gearbeitet, aber das Ziel der Ausstellung war nicht, bisher unbetretene Pfade zu öffnen: Es ist ein Projekt der Reflexion über die jüngste Vergangenheit, eine “chorische Erzählung, die von der Vielfalt und Verschiedenheit der Sprachen belebt wird”, wie Ciarallo es definiert, und die darauf abzielt, einen lebendigen Dialog mit dem Publikum herzustellen, und die gut in den Kontext eines Museums passt, das sich selbst erneuert und danach strebt, ein Bezugspunkt für seine Gemeinschaft zu werden. Den Wert der Kunst für die Gemeinschaft, für das Territorium, für die Menschen entdecken: das ist die Aufforderung, der Carta Bianca mit einer Auswahl von Künstlern zu folgen scheint, die alle möglichen Gefühle abdeckt, die durch die Pandemie hervorgerufen werden können, mit Werken, die das Thema mal mit Ironie, mal mit Melancholie, mal mit Kraft angehen, mal die Realität durchwühlen, mal in Träume eintauchen. Nach der Ausstellung von Ti Bergamo im letzten Herbst ist Carta Bianca wahrscheinlich die interessanteste chorische Antwort der zeitgenössischen italienischen Künstler auf die Pandemie. Und sie ist auch ein Beweis dafür, dass die italienische Kunst, was immer man auch sagen mag, da ist und lebendig ist.

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