Berthe Morisot, die "Dissidentin des schönen Geschlechts" bei ihrem Italien-Debüt: Wie die Ausstellungen in Genua und Turin aussehen

Wer in diesem Herbst das Werk von Berthe Morisot in natura sehen möchte, muss sich auf zwei Orte aufteilen, die nur wenige Stunden auseinander liegen: Das GAM in Turin und der Palazzo Ducale in Genua veranstalten zwei unabhängige Ausstellungen, um dem Publikum die Werke der zartesten aller Impressionisten zu präsentieren, der “Tante Berthe”, wie sie am Ende ihrer Karriere genannt wurde, der Malerin, der in Italien noch nie eine eigene Ausstellung gewidmet wurde.Nie zuvor wurde in Italien eine Ausstellung organisiert, im Gegensatz zu Frankreich, wo Berthe Morisot, obwohl sie weniger bekannt ist als ein Monet, ein Degas oder ein Renoir, oft unter die Lupe genommen wurde. Hätte man sich diesseits der Alpen eine einzige Ausstellung vorstellen können, die alles zusammenträgt, was man zusammentragen kann, die eine stärkere Position gegenüber den Leihgebern einnimmt, die die Produktion von Berthe Morisot in ihren vollen Kontext stellt und die vielleicht alles zusammenfasst, was in den letzten Jahren über sie produziert wurde? Wir wissen es nicht, aber es wäre sicherlich besser gewesen, als zwei getrennte und unverbundene Ausstellungen zu haben. Natürlich wird man sagen, dass Berthe Morisot, eine dem italienischen Publikum wenig bekannte Künstlerin, einen populäreren Anlass brauchte, um in unseren Breitengraden vorgestellt zu werden: In unserem Teil der Welt interessiert es uns vielleicht wenig, die Verbindungen zwischen Morisot und der Kunst des 18. Jahrhunderts zu erforschen, es interessiert uns wenig zu verstehen, inwieweit die Einflüsse des 18.Inwieweit sie in einem entscheidenden Moment ihrer Karriere von der englischen Malerei beeinflusst wurde (ihre Flitterwochen in England nach ihrer Heirat 1874 mit Eugène Manet, dem Bruder von Édouard), interessiert uns wenig, wenn es darum geht, einen Künstler zu sehen, über den wir wenig wissen. Umso mehr scheint die Tatsache, dass zwei Ausstellungen in zwei verschiedenen Städten gleichzeitig stattfinden, eher ein Problem als eine Chance zu sein: Es mangelt nicht an Überschneidungen, Werke, die in der einen Ausstellung gut zur Geltung gekommen wären, fehlen in der anderen und umgekehrt, es gibt Anhänge, die eher wie Füllmaterial wirken, als dass sie von der Notwendigkeit, tiefer einzutauchen, diktiert werden, und so weiter.

Beiden Ausstellungen gemeinsam ist die Idee, dass Berthe Morisot eine zentrale Figur im Geschehen des Impressionismus war, ein Konzept, das von ihren Zeitgenossen gut verstanden wurde, aber im Laufe der Jahrzehnte verloren ging.Dies ist nicht so sehr auf den Obskurantismus gegenüber einer Frau zurückzuführen, sondern vielmehr auf ihre sehr persönliche Geschichte, die beispielsweise der von Gustave Caillebotte ähnelt, einem anderen wichtigen Impressionisten, der aber in der Öffentlichkeit weniger bekannt ist als die verschiedenen Monet, Degas und Renoir. Morisot und Caillebotte wurden bewundert und zogen sich zurück. Beide nahmen regelmäßig an den Ausstellungen der Gruppe teil (von den acht zwischen 1874 und 1886 organisierten Impressionistenausstellungen versäumte Morisot nur eine), beide lebten trotz ihrer engen Beziehungen zu den anderen Impressionisten eher zurückgezogen, beide waren mit ihren Familien wohlhabend und brauchten daher nicht für ihren Lebensunterhalt zu malen, weshalb der Großteil ihrer Werke nach ihrem Tod zu Hause blieb. Aus diesem Grund sind selbst in Frankreich nicht viele Werke von Berthe Morisot in öffentlichen Museen erhalten, zumindest im Vergleich zu der Menge an Werken ihrer Kollegen: dies ist der erste Baustein eines relativ schlechten kritischen Vermögens (natürlich nicht in absoluten Zahlen, sondern immer im Verhältnis zu den anderen bekannteren Impressionisten). Ihr schüchterner Charakter hat ihr wahrscheinlich nicht geholfen: “Was ihre Persönlichkeit betrifft, so ist bekannt, dass sie eine der zurückhaltendsten und reserviertesten war; von Natur aus abgeklärt; leicht, gefährlich wortkarg; unfähig, jedem, der sich ihr näherte, eine unerklärliche Distanz aufzuerlegen, ohne zu den großen Künstlern ihrer Zeit zu gehören”. So schrieb Paul Valéry, der ein guter Freund von Berthe Morisot war, unmittelbar nach dem Tod der Malerin.

Es ist eine nützliche Übung, seine Seiten und die von Stéphane Mallarmé, einem anderen Dichter und aufrichtigen Freund von Berthe Morisot, durchzublättern, um all die Sanftheit, all die Zartheit zu erfassen, die die Werke eines Mädchens, einer eleganten, zurückhaltenden Dame, durchdringen, die denjenigen, die sie kannten, distanziert erscheinen mochte, aber nicht, weil sie abwesend war: Sie war “distanziert durch übermäßige Präsenz”, schrieb Valéry. In dem Sinne, dass in ihren Augen die Welt in einer abstrakten und leuchtenden Reinheit erstrahlte, eine Reinheit, die sie mit ihren Bildern wiedergeben wollte. Mit ihren Gemälden versuchte sie, das Licht und die unbeschreibliche Anmut eines Nachmittags im Garten, eines Spaziergangs am Strand, eines spielenden kleinen Mädchens auszudrücken. Diese Reinheit, diese Abstraktion einzufangen, bedeutete, in dieser Abstraktion ganz präsent zu sein, bedeutete, eine entzückende, zarte, raffinierte Besessenheit von der Gelegenheit zu kultivieren, bedeutete, in den Augen der Menschen konsequent distanziert zu erscheinen. Jeden Tag bete ich, dass der liebe Gott mich wie ein Kind macht, das heißt, dass er mich die Natur wie ein Kind sehen und darstellen lässt, ohne Vorurteile", sagte Camille Corot, der eine Zeit lang Berthe Morisots Meister war. Die lebendige Leichtigkeit ihrer Gemälde hat nichts mit Weiblichkeit zu tun (die Weiblichkeit von Berthe Morisot ist eher in den Stimmungen als in den technischen Elementen zu finden): Sogar Monet verstand es, genauso leicht und manchmal sogar leichter zu sein als Morisot. Die Leichtigkeit ist, wenn überhaupt, ein Symptom dieser totalen Hingabe an eine Realität, die als vergänglich empfunden wird, sowie, wie oft betont wurde, ein Spiegelbild seiner gründlichen Kenntnis der Kunst des 18. Jahrhunderts: Berthe Morisots Zartheit ist nicht so weit von der eines Fragonard entfernt. Der ein Mann war.

Das Klischee der gelangweilten Bourgeoisie, die sich der Malerei als glamourösem weiblichen Zeitvertreib widmet, liegt Berthe Morisots Selbstverständnis am nächsten. Und ebenso weit von der Realität entfernt ist das ebenso klischeehafte Bild des Modells von Manet, das irgendwann aus irgendeinem Grund beschließt, auf die andere Seite der Staffelei zu wechseln. Einfach so, ohne ersichtlichen Grund. Wäre Berthe Morisot dazu in der Lage gewesen, hätte sie eine Kunstschule besucht, die bis 1897 jedoch nur Männern offenstand: Berthe wollte diesen Weg, den Weg der Malerei, gemeinsam mit ihrer Schwester Edma beschreiten, die mit ihr zu studieren begann und die Malerei nach etwa einem Jahrzehnt aufgab, als sie 1869 heiratete (und Berthe blieb dem Gedanken an eine Heirat noch eine Zeit lang abgeneigt, nachdem sie gesehen hatte, was dies für ihre Schwester bedeutete). Berthe hingegen nahm 1855 ihren ersten Privatunterricht (ihr erster Lehrer und der ihrer Schwester war der sechzigjährige Geoffroy-Alphonse Chocarne: ihre Mutter hatte sie in seiner Schule angemeldet, weil sie wollte, dass sie ein paar Grundkenntnisse erlernen, um ihrem Vater einige Zeichnungen zum Geburtstag zu schenken) und malte bis an ihr Lebensende weiter. Es war ihr zweiter Lehrer, Joseph Guichard, der ihr Talent bemerkte. Berthe Morisot war noch keine achtzehn Jahre alt, als sie bereits mit großem Geschick die großen Meister kopierte (eine Kopie von Veroneses Kalvarienberg , die sich in einer Privatsammlung befindet, ist in der Ausstellung in Genua zu sehen und gehört zu den wenigen frühen Werken von Berthe Morisot, die erhalten geblieben sind): Sie selbst hat in den 1960er Jahren einen großen Teil ihrer Produktion vernichtet, ein kleiner, aber wertvoller Kern ist in der Ausstellung im Dogenpalast zu sehen). Das Kopieren der großen Meister war eine Tätigkeit, die Berthe auch nach 1860 ausübte, als sie bei Corot studierte, der sie in die Landschaftsmalerei einführte (eine von dem Meister kopierte Landschaft ist ebenfalls in Genua ausgestellt). Normalerweise ist Berthe Morisot eine Malerin, die in medias res bekannt ist, wenn sie bereits eine ausgebildete, solide, reife und unabhängige Künstlerin ist: So wird sie dem Publikum in der Turiner Ausstellung sofort vorgestellt, in der zwei Meisterwerke der französischen Künstlerin, die Frau mit dem Fächer und Eugène Manet auf der Isle of Wight, weit voneinander entfernt in zwei verschiedenen Räumen zu sehen sind, denn Beide Ausstellungen sind hauptsächlich thematisch aufgebaut, eine Wahl, die zur Belebung des Besuchs beiträgt, aber gleichzeitig dazu neigt, die Aspekte im Zusammenhang mit der formalen Forschung zu überschatten, die vielleicht stärker in den Vordergrund hätten gerückt werden sollen (wir werden später sehen, warum). Im Übrigen war Berthe Morisot zu diesem Zeitpunkt bereits auf dem Markt: Sie hatte 1873 begonnen, ihre Werke über die Galerie von Paul Durand-Ruel zu vermarkten. Gegen Ende jenes Jahres beschloss sie, sich den anderen Impressionisten anzuschließen, um an der ersten Ausstellung der Gruppe 1874 teilzunehmen, jener grundlegenden Ausstellung, deren 150-jähriges Bestehen jetzt gefeiert wird (in Frankreich hat das Musée d’Orsay anlässlich dieses Jubiläums eine der interessantesten Ausstellungen der letzten Jahre organisiert). Von den zehn Gemälden, die Berthe Morisot auf der Ausstellung von 1874 ausstellte, ist keines in den beiden italienischen Ausstellungen vertreten. In Genua ist jedoch eines zu sehen, Die Flieder von Maurecourt, das in Art und Thema den Werken ähnelt, die die Künstlerin im Atelier von Nadar präsentierte. Das Hauptanliegen von Berthe Morisot in dieser Periode war es, eine Figur zu malen, die in einem Moment des alltäglichen Lebens, in einem offenen Raum, in einer natürlichen Umgebung, möglicherweise en plein air, nach den Lehren ihres Meisters Corot, festgehalten wurde: In der Tat hat der Kunsthistoriker Denis Rouart spekuliert, dass es Berthe Morisot war, die seinen Freund Édouard Manet dazu überredete, im Freien zu malen (obwohl Manet später ohnehin lieber in der Bequemlichkeit seines Ateliers gearbeitet hätte, was aber nicht bedeutet, dass er sich nicht für die neue Malerei, die im Freien entstand, öffnen wollte: Le Jardin, das in Vermont aufbewahrte Werk Manets von 1870, ist das erste Schlüsselwerk für das Verständnis der künstlerischen Beziehung zwischen den beiden, ein Thema, das in den Ausstellungen in Genua und Turin jedoch nur gestreift wird).

Das größte Manko der beiden Ausstellungen (die nach ihren jeweiligen Einführungen eher parallel verlaufen: in Genua eine Sektion, die Berthes Tochter Julie gewidmet ist, der Protagonistin vieler ihrer Porträts, auf die die Sektion der Familienporträts in der Turiner Ausstellung antwortet, und dann wiederum in Genua ein eindrucksvolles Kapitel über die Porträtmalerei, das den Titel L’Verkörperung des Impressionismus, dem die Abteilung der weiblichen Porträts der GAM-Ausstellung entspricht, wenn auch in kleinerem Rahmen), besteht darin, dass, da die Vergleiche mit anderen Künstlern auf ein Minimum reduziert wurden (in Turin ist der interessanteste Vergleich, wie wir sehen werden, derjenige, der mit den Porträts anderer Künstler zu tun hat), die Porträts in der GAM-Ausstellung auf ein Minimum reduziert wurden. (in Turin ist der interessanteste Vergleich, wie wir noch sehen werden, ein Werk von Manet, während in Genua ein Meisterwerk von Monet, Die Villen von Bordighera, aus der Zeit seines Aufenthalts in Ligurien, zu sehen ist), so dass es schwierig ist, die Gemeinsamkeiten und umgekehrt die Unterschiede zu den anderen Impressionisten zu erkennen, abgesehen von der Wahl der Themen (nicht, dass die Impressionisten nicht dieselben wären wie die Künstler der gleichen Zeit). die Wahl der Sujets (nicht, dass die anderen Impressionisten es verschmähten, intime Alltagsszenen zu malen, aber in der Malerei von Berthe Morisot sind sie vorherrschend), von denen beide Ausstellungen eine angemessene Auswahl bieten. In der Tat könnte man in Anlehnung an Paul Valéry sagen, "dass ihr Werk im Großen und Ganzen dem Tagebuch einer Frau gleicht, dessen Ausdrucksmittel die Farbe und die Zeichnung sind“. Das wichtigste Unterscheidungsmerkmal der Kunst von Berthe Morisot liegt nicht so sehr in der Weiblichkeit ihrer Manieren, einer Weiblichkeit, die gewiss vorhanden, gewiss spürbar, gewiss unbestreitbar ist: ihr Unterscheidungsmerkmal ist vielleicht vor allem jene Haltung extremer Ausdrucksfreiheit, die sie dazu bringt, eine Malerei zu schaffen, die vor allem atmosphärisch ist (die Ausstellung in Genua macht diesen Aspekt noch deutlicher). Valéry hatte das auch geahnt: ”Leinwände aus dem Nichts, ein Nichts, das durch die höchste Kunst des Pinselstrichs vervielfacht wird, ein Nichts aus Nebeln, aus Schatten von Schwänen, Wunderwerke des Pinsels, der kaum die Oberfläche streift. Und alles ist in diesem Pinselstrich enthalten: die Zeit, der Ort, die Jahreszeit, das Wissen, die Unmittelbarkeit selbst, die große Gabe, sich auf das Wesentliche zu beschränken, das Material zu erleichtern und so den Eindruck des geistigen Aktes auf seinen Höhepunkt zu treiben". Berthe Morisot ist mit anderen Worten die vielleicht ungreifbarste und ätherischste Künstlerin der Gruppe, und es ist kein Zufall, dass sie diejenige ist, die am engsten mit der Malerei des 18. Jahrhunderts verbunden ist, die sie am meisten studiert und erforscht hat: Ihre Methode basiert auf einem extrem schnellen, fließenden Pinselstrich, der die Oberfläche der Leinwand kaum berührt, selbst wenn der Schwerpunkt auf der Figur liegt. Im GAM ist dies in Frau mit Fächer und interessanterweise auch in Junge Frau zwischen Blumen von 1879 zu sehen, einem Werk von Édouard Manet, das neben den Gemälden von Berthe ausgestellt ist, um die Gemeinsamkeiten der Interessen der beiden zu demonstrieren (in Genua ist ein ähnlicher Vergleich mit Julie mit Blumen von Manet zu sehen). (in Genua ist ein ähnlicher Vergleich mit Manets Julie mit der Gießkanne von 1880 zu sehen), während im Dogenpalast besonders aufschlussreiche Gemälde wie Der Strand von Nizza von 1882, die Junge Frau im grauen Kleid von 1879 und alle Gemälde der Julie gewidmeten Abteilung zu sehen sind.

Diese Haltung reift gegen Mitte der 1880er Jahre weiter, als ein neues Problem in Morisots Malerei aufzutauchen scheint: zu verstehen, inwieweit ein Gemälde essentiell sein kann, ohne seine Eigenschaft zu verlieren, Atmosphäre zu evozieren. Wie viel Unmittelbarkeit kann ein Bild haben, wie viel Detail kann man einsparen, mit anderen Worten, wie kühn kann man sein. Das Publikum in Genua sollte die Fanciulla con cane (Mädchen mit Hund) betrachten und bei dem verweilen, was ein West Highland Terrier in den Armen des kleinen Mädchens zu sein scheint: die Schnauze des kleinen Hundes ist nichts anderes als eine Runde schneller Pinselstriche, die mit Schnelligkeit und lässiger Präzision gesetzt wurden, das Auge und die Nase des Hundes sind zwei Punkte, das Ohr scheint fast ein Pinselstrich zu sein. In Turin ist diese Unmittelbarkeit am deutlichsten in der Bambina con bambola zu sehen, die eine Leihgabe des Musée d’Ixelles ist, aber es gibt viele weitere Beispiele. Es ist vielleicht eher ihre Experimentierfreudigkeit als ihre thematische Auswahl, die in der Tat eher begrenzt ist, die die Malerei von Berthe Morisot interessant macht. Ab der zweiten Hälfte der 1980er Jahre bis zu ihrem Tod versuchte sie, diese Wesentlichkeit zu betonen, indem sie auch auf das Unfertige zurückgriff, wie man an einigen Gemälden in beiden Ausstellungen sehen kann. In Genua erreicht das Gemälde Sul melo (Auf dem Apfelbaum), 1890, einen solchen Grad an Abstraktion, dass Berthe Morisot auf die Gesichtszüge der beiden Figuren verzichtet (besonders interessant ist das Bild unten, frontal gesehen: Ihr Gesicht ist nichts weiter als ein neutrales Oval), oder die Abnehmende Sonne auf dem See des Bois de Boulogne , wo einige wenige flüssige Pinselstriche in der Vertikalen ausreichen, um die Form von Baumstämmen anzudeuten, während die Imprimitura Die Imprimitura ist am unteren Rand des 1889 beleuchteten Bootes zu sehen, sein einziges Nachtgemälde, wie uns die Ausstellung mitteilt, die in der seinen Aufenthalten in Nizza gewidmeten Abteilung zu sehen ist, mit einem interessanten Layout, das Fotografien des Hafens der Stadt an der Côte d’Azur im damaligen Zustand wiedergibt. Es gibt auch ein unvollendetes Gemälde aus dem Jahr 1885, auf dem die Malerin sich selbst zusammen mit ihrer Tochter Julie porträtiert, wobei die Linien der Komposition sichtbar bleiben: Berthe Morisot hat nie aufgehört, auch mit der Zeichnung zu experimentieren, und ließ oft die Komposition auf der gemalten Leinwand durchscheinen. Selbst in Turin, wo das Thema des Vertrauens von Berthe Morisot in die Zeichnung vertieft wird (in Genua hingegen liegt der Schwerpunkt auf der Gravur, einem anderen Ausdrucksmittel, zu dem die Malerin in der zweiten Hälfte ihrer Karriere fand), gibt es interessante Beispiele für die experimentelle Morisot ihrer späteren Jahre: Von der unvollendeten Schönheit der Kleinen Blume bis zur meditativen Flüssigkeit des Kirschbaums (dem Meisterwerk, das die Ausstellung abschließt), über das wirbelnde Grün des Mädchens mit Hund und die völlige Identifizierung von Figur und Landschaft in der Milchschüssel.

Berthe Morisot ist eine Künstlerin, die vielleicht nicht langweilig wäre, wenn man sie dem Publikum unter dem Blickwinkel der ständigen Forschung, die ihre Absichten beflügelte, vorstellte. Und vielleicht wäre es ihrem Image zuträglicher, es würde dazu beitragen, sie besser als eine echte “Dissidentin des schönen Geschlechts” darzustellen, wie Mallarmé sie genannt hatte, aber nicht so sehr in dem Sinne, den der Dichter meinte, nämlich als eine Frau, die “eine andere Ästhetik als die ihrer eigenen Person vorschlägt”, sondern vielmehr im Sinne einer Künstlerin, die sich nicht damit begnügte, das zu malen, was man damals von einer Frau erwartete, sondern im Gegenteil als eine zentrale Figur der impressionistischen Bewegung hervortrat: Ihr ständiger Drang zur Innovation und zum Experimentieren ist vielleicht nur mit dem von Monet vergleichbar, ihre Kühnheit war vielleicht einzigartig.

Welche der beiden Ausstellungen sollte man besuchen, wenn man nur die Wahl zwischen einer hat? Das hängt im Wesentlichen davon ab, wonach Sie suchen. Die Ausstellung im Palazzo Ducale, kuratiert von Marianne Mathieu, ist eine Neuauflage der Ausstellung Berthe Morisot à Nice. Escales impressionnistes , die diesen Sommer in Nizza stattfand und sich ganz auf die beiden Aufenthalte der Künstlerin an der Côte d’Azur konzentrierte: In Genua wurde der Aufbau dieser Ausstellung überarbeitet, wobei der Kern beibehalten wurde, aber einige einführende Räume hinzugefügt wurden, um die Künstlerin dem Genueser Publikum vorzustellen, sowie eine Coda zu den Gemälden von Julie Manet, der Tochter des Künstlers, die ebenfalls Malerin ist und der das Musée Marmottan Monet zwischen 2021 und 2022 eine Ausstellung widmet. Eine Coda, die dem Diskurs über Berthe Morisot als Künstlerin jedoch nichts hinzufügt (sie kann sogar ohne allzu großes Bedauern übersprungen werden). Genauso wie im GAM in Turin bringen auch die Vergleiche mit einigen piemontesischen Künstlern des 19. Die Ausstellung in Turin ist thematisch gegliedert und wurde von Maria Teresa Benedetti und Giulia Perin kuratiert, die auf zahlreiche Leihgaben des Musée Marmottan Monet zurückgegriffen haben, die jedoch integriert wurden, um dem Publikum einen vollständigeren Rundgang zu bieten, auch wenn einige Passagen fehlen (zum Beispiel gibt es keine frühen Werke). Es gibt jedoch eine größere Dichte an wichtigen Werken als in der Ausstellung im Palazzo Ducale, und die Interventionen von Stefano Arienti, der einen Teil der Installationen entworfen hat, um die Atmosphären der Malerei von Berthe Morisot sowie die Orte, an denen sie sich aufhielt, hervorzurufen, sind ebenfalls zu begrüßen: Eine Anwesenheit, die von Arienti, die wirklich sehr interessant ist, da man mit klarer Klarheit die Studie, die Sorgfalt, die Leidenschaft wahrnehmen kann, mit der Arienti sich Berthe Morisot näherte und mit der er versuchte, dem Publikum seine liebevolle Interpretation zurückzugeben. In Genua ist die Ausstellung geradliniger und länger, mit einer ziemlich klar definierten chronologischen Basis organisiert, auf der sehr vertikale Einblicke aufgepfropft werden (es gibt zum Beispiel einen sehr amüsanten Schwerpunkt auf ihrem Salon-Atelier, komplett mit Rekonstruktion, inspiriert von der Gesù-Kirche in Nizza und ihrem Licht, und auch die Venus von Boucher zeigend, die Berthe in der Mitte des Raumes aufgehängt hat), die aber gegen Ende dazu neigt, an Kraft zu verlieren. Zusammenfassend lässt sich sagen. Wer eine traditionellere Ausstellung und einen umfassenderen Überblick haben möchte, sollte nach Genua fahren. Wer bereits über ein gewisses Grundwissen verfügt und durch die Atmosphären von Berthe Morisot spazieren möchte, sollte nach Turin gehen. Wer Lust hat, kann auch beide Ausstellungen besuchen.

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