Auf wie viele Arten kann Stille dargestellt werden? So sieht die Hammershøi-Ausstellung in Rovigo aus

An welchen Orten und auf wie viele verschiedene Arten kann Stille in einem Gemälde dargestellt werden? Stille ist nicht gleich Stille: Es gibt die Stille der häuslichen Ruhe, die Stille der Kontemplation, die Stille des Wartens auf ein freudiges Ereignis und die Stille des Wartens, die etwas Dramatisches ankündigt, die Stille der Melancholie und Einsamkeit, die Stille der Nacht. Es gibt die Stille in einem Innenraum und die Stille in einer Landschaft, ob natürlich oder urban. Stille, die in einem Gemälde auf ganz unterschiedliche Weise gehört und empfunden werden kann, durch die An- oder Abwesenheit einer menschlichen Figur, durch Ausdrücke oder durch Farben.

Besonders und vielleicht einzigartig ist die Art und Weise, wie der dänische Maler Vilhelm Hammershøi (Kopenhagen, 1864 - 1916), der zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert tätig war und zu Lebzeiten zu den größten dänischen Malern seiner Zeit gehörte, Stille und Leere malte. Jahrhunderts tätig war und zu Lebzeiten einer der größten dänischen Maler seiner Zeit war, der nicht nur in Nordeuropa, sondern auch in vielen europäischen Ländern berühmt war, dann aber außerhalb seines Heimatlandes jahrzehntelang in Vergessenheit geriet, etwa von kurz nach seinem Tod bis in die 1980er Jahre, und der erst in jüngster Zeit, in der Neuzeit, sowohl auf dem Markt als auch in Form von Ausstellungen wiederentdeckt wurde. In den letzten Jahren gab es Ausstellungen in Barcelona, London, München, Paris und Krakau. Die letzten bedeutenden Auftritte in Italien gehen auf die Biennalen von Venedig 1903 und 1932 sowie auf die Internationale Ausstellung in Rom 1911 zurück. Es ist daher dem Einfühlungsvermögen des Kurators Paolo Bolpagni zu verdanken, dass eine Auswahl der nordischen Atmosphären dieses Malers nun nach Italien zurückgebracht und in Rovigo im Palazzo Roverella ausgestellt wurde.

Insgesamt vierzehn der vierundachtzig Werke von Hammershøi in Hammershøi e i pittori del silenzio tra il Nord Europa e l’Italia (Hammershøi und die Maler der Stille zwischen Nordeuropa und Italien), so der Titel der aktuellen Ausstellung in Rovigo, sind einen Besuch wert, auch wenn man bedenkt, dass nur ein Werk von Hammershøi in Italien erhalten geblieben ist. Nur ein einziges Werk des Künstlers wird in Italien aufbewahrt, ein Selbstporträt von 1913, das seine Frau Ida 1920 den Uffizien schenkte (und das leider nicht in die Ausstellung mitgenommen wurde), und um die hier ausgestellten Werke zu sehen, müsste man normalerweise nach Hamburg, Kopenhagen, Stockholm, Odense oder Paris reisen. Der Autor hätte es jedoch vorgezogen, eine noch größere Auswahl von Hammershøis Gemälden bewundern zu können, darunter mehr seiner typischen Interieurs, wie z. B. Interno. Strandgade 30 aus dem Städel Museum in Frankfurt am Main, Interieur mit Frau am Klavier, Strandgade 30 aus einer Privatsammlung oder Sunbeams or Sunlight. Staubkörner, die im Sonnenlicht tanzen aus dem Ordrupgaard in Charlottenlund, und einige Porträts wie Porträt einer jungen Frau, bei der es sich um keine andere als Anna, die Schwester des Künstlers, handelt, und Interieur mit lesendem jungen Mann (Svend Hammershøi), die beide im Hirschsprung Samling in Kopenhagen aufbewahrt werden. Damit schrumpft vielleicht die letzte Abteilung, die den stillen Landschaften gewidmet ist, die in den Jahren, in denen Hammershøi lebte, Ende des 19. und Anfang der 1920er Jahre, von französischen, belgischen und italienischen Künstlern geschaffen wurden.

Andererseits hat man das Vergnügen, sein erstes figurloses Interiør von 1888 mit dem Titel Die weiße Tür (Innenraum mit altem Ofen) zu bewundern, in dem eine offene weiße Tür den Übergang von einem schwach beleuchteten Raum mit einem Ofen zu einem hellen Korridor darstellt, der von einer anderen weißen Tür überblickt wird, die in diesem Fall geschlossen ist; ein Übergang also vom Schatten zum Licht, das jedoch einnordisches Licht ist, zart und schummrig. Ebenfalls ausgestellt ist das berühmte Gemälde Hvile (Ruhe) von 1905, das sich seit 1996 in den Sammlungen des Musée d’Orsay befindet: Das Gemälde, das die auf einem Stuhl sitzende Frau mit dem Rücken zugewandt, mit hochgestecktem Haar, unbedecktem Nacken und einer Bluse zeigt, die mit der Farbe der Wand, der sie zugewandt ist, verschmilzt, im Kontrast zum Weiß des blumenförmigen Gefäßes in der Mitte des Möbelstücks neben dem Dargestellten, gehörte zu den dreizehn Gemälden aus der Sammlung von Alfred Bramsen, einem Sammler und liebevollen Förderer des Künstlers, mit dem Hammershøi1911 in einiger Entfernung an derInternationalen Ausstellung in Rom teilnahm. Er gehörte zu den zehn ersten Preisträgern und erhielt zehntausend Lire. Wir haben auch die Gelegenheit, Hammershøis einziges Gemälde mit italienischem Thema zu bewundern, das sich heute im Kunstmuseum Brandts in Odense befindet. Es handelt sich um eine Ansicht des Innenraums der Basilika Santo Stefano Rotondo in Rom, einer Kirche frühchristlichen Ursprungs auf dem Celianus-Hügel, die sich durch einen zentralen Grundriss mit architravierten ionischen Säulen auszeichnet, die das Tiburium tragen. Hammershøi und seine Frau Ida reisten im Oktober 1902 nach Rom: Es ist bekannt, dass der Künstler sich vor allem zur antiken Architektur hingezogen fühlte, während er Raffael, Michelangelo und den Werken des Barocks wenig Aufmerksamkeit schenkte. Nachdem er die Erlaubnis erhalten hatte, im Inneren der Basilika zu arbeiten, und nachdem er den Rahmen in einer Bleistiftzeichnung studiert hatte, die heute in der Pierpont Morgan Library aufbewahrt wird, begann er zu malen, wobei er sich entschied, die Frontalansicht zugunsten einer seitlichen, nach rechts verschobenen Ansicht mit vier Säulen im Vordergrund aufzugeben. Das Licht ist hier bemerkenswert warm und weich.

Doch gehen wir der Reihe nach vor. Die Ausstellung beginnt mit einem Abschnitt, der Hammershøis Ausbildung gewidmet ist: Die Kohlestudie eines männlichen Akts in Rückenansicht , die den Abschnitt und die Ausstellung eröffnet, ist wahrscheinlich das Ergebnis des Unterrichts an der Unabhängigen Studienschule für Künstler, die der junge Hammershøi nach derKöniglichen DänischenAkademie der Schönen Künste, die eine lange akademische Tradition hatte, zu besuchen begann. Es ist jedoch anzumerken, dass seine Annäherung an das Zeichnen bereits im zarten Alter von acht Jahren begann. Sie gab ihm Zeichen- und Malunterricht bei einigen der großen Namen der dänischen Kunstszene jener Zeit, darunter Niels Christian Kierkegaard, Cousin des berühmten Philosophen und Schüler von Christoffer Wilhelm Eckersberg, der als bedeutender Vertreter des Neoklassizismus seinen Erben eine besondere Vorliebe für das Studium des Aktes, aber unter Verwendung echter, lebender Modelle, hinterlassen hatte. Da Vilhelm aus einer großbürgerlichen und kultivierten Familie stammte, hatte er das Glück, seine künstlerische Begabung ohne finanzielle Probleme sowohl privat als auch an bedeutenden Institutionen pflegen und ausleben zu können. Und wenn er an der Königlichen Akademie einen eher traditionellen Ansatz erhielt, so hatte er an der Unabhängigen Studienschule auch die Möglichkeit, sich mit einer Kunst zu befassen, die über Dänemark hinausblickte, insbesondere nach Frankreich und Paris: Zu seinen Meistern gehörte Peder Severin Krøyer, einer der führenden Vertreter der Skagener Schule, einer Art skandinavischer Deklination des französischen Impressionismus, jedoch ohne die Zersplitterung der Farbe in kleine Pinselstriche; zu den von Krøyer geschätzten Elementen gehörte gerade das Motiv des Lichtstrahls, der durch das Fenster eintritt und die Komposition durchläuft, wie es sich in vielen Werken Hammershøis findet. Die Zeichnung Studie eines von hinten gesehenen Aktes zeigt Vilhelms Fähigkeit, einen jugendlichen Körper realistisch darzustellen und gleichzeitig die Zerbrechlichkeit der Jugend zu bewahren. Bemerkenswert ist auch, dass das Thema der Darstellung von hinten schon früh auftaucht, ein Thema, das in seinem Werk häufig vorkommt, vor allem in den Interieurs mit Menschen, in denen die Person fast immer seine Frau Ida ist. Ein weiterer wichtiger Einfluss, den Hammershøi dank einer Reise in die Niederlande und nach Belgien im Alter von dreiundzwanzig Jahren in seiner Ausbildung hatte, war seine direkte Kenntnis und sein Studium der niederländischen und flämischen Maler des 17. Jahrhunderts und der Haager Schule des 19. Jahrhunderts, die sich durch eine intimistische Genremalerei und häusliche Themen mit Frauen, die lesen, nähen oder Musikinstrumente spielen (Figuren, die Hammershøi ebenfalls am Herzen lagen), sowie durch nüchterne Farben auszeichnet. In dieser Abteilung sind zum Beispiel Werke von Gerard ter Borch, Johan Hendrik Weissenbruch, Bernard Blommers und Jan Jacob Schenkel zu sehen, die alle die Darstellung von Innenräumen mit Menschen, die ihren Tätigkeiten nachgehen, gemeinsam haben. Es gibt auch ein großes Gemälde mit einem Baum im Vordergrund von Vilhelms jüngerem Bruder Svend, der ebenfalls Maler wurde, aber im Gegensatz zu seinem Bruder auch Keramiker: Auffallend ist jedoch die vorherrschende Farbgebung, fast eine Monochromie mit Braun- und Grautönen.

Dies setzt sich in den von Hammershøi dargestellten häuslichen Interieurs ohne menschliche Anwesenheit fort, darunter das bereits erwähnte erste seiner Interiør, The White Door, und Sunlight in Living Room III, in dem die schwache Helligkeit der nordeuropäischen Sonne schüchtern durch ein Fenster in den Raum dringt und leichte Schatten und Schattierungen erzeugt, ohne dass das Fenster jedoch sichtbar wird (nur seine an der Wand reflektierte Form ist zu sehen). Bei den in Sonnenlicht im Salon III dargestellten Innenräumen handelt es sich, wie auch bei Interieur, Strandgade 30, und wie bei den meisten seiner Interieurszenen, die auch in seiner Produktion mit Figuren erscheinen, um die Wohnung in der Strandgade 30, einer der Hauptstraßen im Kopenhagener Stadtteil Christianshavn, in der Vilhelm und Ida von 1898 bis 1909 lebten. Es handelt sich um Werke, in denen die Linien der kahlen Wände, die wesentlichen Einrichtungsgegenstände, ein Sofa und einsame, an die Wände gelehnte Stühle, die verzerrten Blicke, die Geometrien zwischen einem Bücherregal, einem Möbelstück, einer Tür, einem Schrank und einer Büste bilden, wie Bolpagni schreibt, “die kleine bürgerliche Welt von Hammershøi, der auf den Fragmenten des Gewöhnlichen verweilt, wo sich unerwartete Schönheit verbirgt, und der in einer philosophischen ’Lobrede auf die Abwesenheit’ beschlossen hat, ’seinen eigenen Garten zu kultivieren’, in dem er alles findet, was er braucht”, was gleichzeitig eine sorgfältige Beachtung dessen bedeutet, was der Künstler selbst ’den architektonischen Charakter des Bildes’ nannte. In einem Interview mit der dänischen Zeitschrift Hver 8. Dag aus dem Jahr 1907 erklärte Hammershøi: "Was mich dazu bringt, ein Motiv zu wählen, sind oft seine Linien. Und dann natürlich das Licht, das eine große Rolle spielt. Aber es sind die Linien, die ich am meisten liebe. Die drei Interieurs von Hammershøi werden hier mit den beiden Interieurs des Franzosen Charles-Marie Dulac (Paris, 1865 - 1898) und des Belgiers Georges Le Brun (Verviers, 1873 - Stuivekenskerke, 1914) verglichen, die sich zwar auf die wesentlichen Elemente des Mobiliars konzentrieren, aber in einem Fall ein völlig anderes Licht und im anderen Fall eine akribische Wiedergabe von Details aufweisen. In dieser Sektion werden auch die Interieurszenen des dänischen Malers anhand von zwei Videos über Bodenstrukturen mit Szenen aus Carl Theodor Dreyers Film Gertrud (1964) verglichen, da Parallelen zwischen der Rahmung, den kompositorischen Mustern und den schwebenden Atmosphären der Gemälde und des Films festgestellt wurden.

Man fragte sich zunächst, auf wie viele verschiedene Arten die Stille in einem Gemälde dargestellt werden kann. Der unmittelbar folgende Abschnitt, der unweigerlich mit dem eben beschriebenen verbunden ist, scheint diese Frage zu beantworten, und es ist auch eines der erklärten Ziele der Ausstellung, “durch Vergleiche zwischen seinen Gemälden und denen anderer Künstler seiner Zeit und der nachfolgenden Generation eine Poetik zu identifizieren, die das Thema der Stille in den Mittelpunkt stellt”. Wie bereits erwähnt, handelt es sich bei Hammershøi um eine Poetik der Leere und des Lichts, wobei die Leere nicht das Nichts ist, sondern die Abwesenheit von Menschen, und wo es Menschen gibt, ist es die Abwesenheit von Aktion, von Gesten, um Raum für Stille, Stilleund wo das Licht niemals ein Symptom einer ruhigen, knappen Atmosphäre ist, sondern eher durchdrungen, zum Melancholischen tendierend, was eher ein Symptom einer unruhigen Atmosphäre ist, die von einer scheinbaren Ruhe ausgeht. So wird sein Interieur mit Sofa von 1907 bei dieser Gelegenheit mit den Malern verglichen, die von ihm in Dänemark, aber auch in Italien und im französisch-belgischen Raum inspiriert wurden: dem gemütlichen, warm beleuchtetenInterieur von Carl Holsøe (Aarhus, 1863 - Rom, 1952), seinem Freund und Akademiegefährten, dem extravaganten Werk von Henri-Eugène Le Sidaner (Port Louis, 1862 - Paris, 1939), die Werke von Giuseppe Ar (Lucera, 1898 - Neapel, 1956), dem Italiener, der den Kompositionen von Hammershøi aufgrund der oft weißen Türen und Fenster am nächsten steht, aber von einem warmen Licht erhellt wird, das häusliche Ruhe ausdrückt häusliche Ruhe, das melancholische und resignierte Interieur von Orazio Amato (Anticoli Corrado, 1884 - Rom, 1952) und das stimmungsvolle Kloster Sant’Anna in Orvieto von Umberto Prencipe (Neapel, 1879 - Rom, 1962); und wiederum das Rom, 1962); und wiederum das verstörende Interieur von Xavier Mellery (Laken, 1845 - Brüssel, 1921) und das bedrückende Innere einer Mühle von Charles Mertens (Antwerpen, 1865 - Calverley, 1919). Im nächsten Abschnitt, der den Interieurs mit Figuren gewidmet ist, werden Vergleiche mit Künstlern aus seiner Zeit gezogen: Die beiden Gemälde von Hammershøi, die in einem Fall eine lesende Frau und im anderen Fall eine den Boden wischende Frau zeigen (hier ist der Bezug zur niederländischen und flämischen Kunst deutlich, aber mit einer ganz anderen Atmosphäre, denn es gibt keine das Gefühl der Erwartung und der Aufhebung möglicher heimlicher Ängste wie bei den Dänen), werden mit Carl Holsøes Einsamkeit und Frau mit Obstschale mit dem Warten auf Gäste seines Freundes und Schwagers Peter Vilhelm Ilsted (Sakskøbing, 1861 - Kopenhagen, 1933), mit La signora Ojetti al pianoforte von Oscar Ghiglia (Livorno, 1876 - Prato, 1945), in dem die Schatten auf dem Kleid und auf dem Bücherregal sowie die Spiegelungen auf der polierten Oberfläche des Klaviers hervorgehoben werden, mit der nächtlichen und beunruhigenden Atmosphäre des Stichs Licht und Schatten des schwedischen Symbolisten Tyra Kleen (Stockholm, 1874 - 1951), der mit einem nächtlichen Interieur von Hammershøi verglichen wird, und mit dem mysteriösen Man Passing von Georges Le Brun.

Von den Interieurs kommen wir zu den Porträts: Hammershøi lehnte es ab, Auftragssujets zu porträtieren, da er der Meinung war, dass ein Porträt eine genaue Kenntnis der zu porträtierenden Person voraussetzt, weshalb sich seine Porträts auf seine Mutter, seine Frau, seine Schwester, seinen Bruder und enge Freunde beschränkten. Hier ist seine Frau Ida Ilsted in nicht weniger als drei Gemälden dargestellt, nämlich dem Frontalporträt der damals noch Verlobten, das durch den abwesenden, verträumten Blick der jungen Frau und eine Jacke, deren Farbe mit dem Hintergrund verschmilzt, gekennzeichnet ist(Rainer Maria Rilke war von diesem 1904 in Dü(Rainer Maria Rilke war von diesem 1904 in Düsseldorf ausgestellten Werk so beeindruckt, dass er beschloss, nach Kopenhagen zu fahren, um den Künstler zu treffen), das bereits erwähnte Hvile (Ruhe) , das von dem Porträt der Frau von Oscar Ghiglia flankiert wird, die von hinten gesehen wird, während sie Klavier spielt, und das Doppelporträt des Künstlers und seiner Frau, die durch einen Spiegel gesehen werden, das das Thema der Unkommunizierbarkeit veranschaulicht. Außerdem gibt es das Porträt von Henry Bramsen, dem Cellistensohn seines Freundes, Sammlers und Mäzens Alfred. Es wäre schön gewesen, in dieser Abteilung das Porträt seiner Schwester Anna und das Interieur mit einem lesenden jungen Mann (Svend Hammershøi) bewundern zu können, aber stattdessen gehen wir zur Stille der Landschaft über, beginnend mit dem bereits erwähnten einzigen Gemälde eines italienischen Sujets von Hammershøi und weiter mit der Darstellung der Stadt. Sein letztes Werk in der Ausstellung ist die Darstellung des Schlosses Christiansborg, eines der berühmtesten Gebäude Kopenhagens, das in eine dumpfe Atmosphäre getaucht ist, ohne jegliche menschliche Präsenz und mit einem dominanten Licht, das ins Graue tendiert, dann, wie der Kurator schreibt, “weitet sich der Diskurs auf verlassene Stadtansichten, trostlose Nachtbilder, ’Seelenlandschaften’ und ’tote Städte’ aus, die in Frankreich, Belgien und Italien in den Jahren, in denen Hammershøi dort lebte, so viel Glück hatten: ein weiterer Rückgang des schwer fassbaren und rätselhaften, subtil gequälten Gefühls, das wir in seiner Produktion finden”. Man hat sich also dafür entschieden, den Begriff der Stille zu erweitern und nach Meinung des Autors manchmal sogar seine Grenzen ein wenig zu überschreiten, um Werke einzubeziehen, die eher über die Themen Leere und Stille nachdenken als über die besondere Vision von Hammershøi, dem Maler, dem die Ausstellung gewidmet ist. Es gibt das Brügge von Fernand Knopff und Henri-Eugène Le Sidaner, die Abendvisionen von Émile-René Ménard, die Dächer von Paris von Charles Lacoste oder den Jardin du Luxembourg von Eugène Grasset, das nächtliche Venedig von William Degouve de Nuncques, die Stiche von Umberto Prencipe und eine Reihe von Stadt- und Seeansichten von Den Haag und Antwerpen von Vittore Grubicy de Dragon. Und wiederum im Zeichen von Gabriele d’Annunzios Städte der Stille stehen die Nachtstücke von Mario de Maria, Giuseppe Ugonia, Domenico Baccarini und Raoul Dal Molin Ferenzona. Der letzte Abschnitt ist den stillen Landschaften und anderen “Künstlern der Stille” gewidmet, die zwischen dem Ende des 19. Jahrhunderts und dem Beginn der 1920er Jahre Werke schufen, die “von einer melancholischen und versunkenen Unbeweglichkeit durchdrungen sind”: So Alphonse Osbert mit seinen in die Landschaft versunkenen Frauenfiguren, Charles-Marie Dulac mit seinen mystischen Blitzen, Giuseppe Ugonia mit seinen arkadischen Lithographien, Mario Reviglione mit seinen Dämmerungsstimmungen, Umberto Moggioli mit seinen Meditationen an einsamen Orten, Giulio Aristide Sartorio mit seinen ins Grün versunkenen Architekturen, die verlassene Landschaft von Onorato Carlandi und Napoleone Parisani und die Ansichten von Enrico Coleman und Pio Bottoni.

Angesichts dieser Vielzahl von Künstlern wird der Blick des Besuchers vielleicht manchmal von dem abgelenkt, was eigentlich der Hauptdarsteller der Ausstellung sein sollte, zumal es sich, wie bereits erwähnt, um die erste große Präsenz eines Kerns von Werken des dänischen Künstlers in Italien in der Neuzeit handelt.

Der Katalog ist gut gemacht, er zeichnet die Ausstellung mit allen anwesenden Werken getreu nach (die einzelnen Werke fehlen jedoch) und widmet den verschiedenen Aspekten der Poetik von Hammershøi, von den Themen bis zu den Orten, den Frauenfiguren, der Beziehung zu Italien und dem Schicksal seiner Kunst, Essays.

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