In Zaragoza auf den Spuren von Pablo Serrano, spanischer Bildhauer des 20.

Pablo Serrano (Crivillén, Teruel, 1908 - Madrid, 1985), spanischer Künstler des 20. Jahrhunderts, hinterließ in vielen Städten der Welt Spuren seiner Kunst. In Zaragoza, der Hauptstadt vonAragonien, war sein künstlerischer Beitrag besonders bedeutend: An beiden Seiten des Rathauses stehen zwei seiner Skulpturen; an der Fassade der Basilika del Pilar, einem der am meisten verehrten Heiligtümer Spaniens, befindet sich das große Relief La Venuta della Virgen del Pilar. In dem ihm gewidmeten Museum IAACC Pablo Serrano(Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos) kann man jedoch sein Werk in all seinen Facetten bewundern. Das monografische Museum selbst ist ein besonderes architektonisches Bauwerk, das sich durch seine imposanten geometrischen Volumina und die raffinierte Ausführung der in Blau- und Schwarztönen lackierten Bleche auszeichnet. Es bietet eine stimmungsvolle Panoramaterrasse, von der aus man die Skyline von Zaragoza bewundern kann, während man Cocktails und zeitgenössische Küche genießt. Wir schlagen daher einen Rundgang vor, um die berühmtesten Werke von Serrano in der Stadt zu entdecken.

Die Plaza de Nuestra Señora del Pilar in Zaragoza ist einer der beliebtesten Plätze der aragonesischen Stadt. Er wird auch Plaza de las Catedrales genannt und verdankt seinen Namen der imposanten Präsenz der beiden Kathedralen, die ihn überragen: die Basilika Nuestra Señora del Pilar und die Kathedrale des Heilands. In der Mitte der Hauptfassade der Basilika Unserer Lieben Frau vom Pilar befindet sich das Werk Venida de la Virgen del Pilar, das 1969 von Pablo Serrano geschaffen wurde. Bei diesem Werk handelt es sich um ein Relief, das von zwei korinthischen Säulen unter einem eleganten Rundbogen eingerahmt wird und den heiligen Moment der Ankunft der Jungfrau von Pilar darstellt. Die Figuren der Konvertiten auf dem Altarbild heben sich dank der neokubistischen Behandlung von Volumen und Hell-Dunkel-Effekten hervor. In dem Werk sind die Räume ähnlich wie in der Komposition des Grafen von Orgaz verteilt, mit einer klaren Trennung zwischen dem irdischen und dem himmlischen Bereich, der durch eine Reihe von nebeneinander angeordneten Köpfen dargestellt wird. Die gesamte Komposition wird elegant von einem Rundbogen eingerahmt, der ebenfalls an den Stil von El Greco erinnert.

An der Fassade des Rathauses befinden sich zwei weitere Skulpturen von Serrano: Ángel de la ciudad und San Valero aus dem Jahr 1965. In der Endphase des Baus der neuen Stadtverwaltung beschloss Bürgermeister Gómez Laguna, den Künstler mit zwei imposanten Monumentalfiguren zu beauftragen, die das Hauptportal des neuen Gebäudes schmücken sollten. Ursprünglich war geplant, Ángel Custodio (1965) und San Jorge darzustellen, aber schließlich entschied man sich für Ángel de la ciudad und ersetzte San Jorge durch die Figur von San Valero, Bischof und Schutzpatron von Zaragoza. Außerdem wurde auf Vorschlag von Serrano selbst beschlossen, die Skulpturen aus Bronze statt aus Stein anzufertigen, um eine bessere Haltbarkeit und ein schlichteres Aussehen der Fassade zu gewährleisten. Der Ángel de la ciudad, der dem Engel gewidmet ist, der dem Tor gegenüber der Piedra-Brücke seinen Namen gibt, ist eines der bedeutendsten Werke Serranos aus den 1960er Jahren. Diese Skulptur verbindet auf wirkungsvolle Weise zwei relativ gegensätzliche, aber komplementäre Elemente: einen geschlossenen, kantigen Block, der von einer vertikalen Leere durchzogen ist, die einen Empfang suggeriert, und die sanften, ruhigen Gesichtszüge des Engels, die die Aufmerksamkeit auf seine schützenden Hände und seine wachsame Geste in Richtung Zukunft lenken. Beide Werke, die sich durch eine starke Plastizität und ein Wechselspiel von tiefen Vertiefungen und massiven Blöcken auszeichnen, symbolisieren die spirituelle Bedeutung der Figuren, die sie darstellen.

Wie der Ángel de la ciudad, eine dem Schutzpatron von Zaragoza gewidmete Figur, folgt auch die Darstellung von San Valero den volumetrischen und kompositorischen Prinzipien, die Serrano in seinen großen monumentalen Auftragsarbeiten der 1960er Jahre entwickelt hat. Das Werk zeichnet sich durch die Kombination von robusten und manchmal fast magmatisch anmutenden formalen Massen aus, die die Grundstruktur für die Identifizierung der dargestellten Figur bilden. Das grundlegende Element, das den Protagonisten auszeichnet und ihm Charakter verleiht, ist jedoch der Kopf und oft auch die Hände. Dies zeigt sich bei San Valero, dessen Anatomie unpräzise und kompakt skizziert ist, abgesehen von den Hohlräumen, die eine fast steinartige Struktur suggerieren. Der Kopf ist jedoch lebendig und eindringlich wiedergegeben, während die Hände eine mahnende Kraft mit Gesten ausdrücken, die an die prophetischen Visionen von Baruch, einem früheren Werk von Serrano, und noch früher an den Großen Propheten, ein Werk des aragonesischen Künstlers Pablo Gargallo, erinnern.

Im Jahr 2017 eröffnete dasAragonesische Institut für zeitgenössische Kunst und Kultur(IAACC) in Zaragoza eine neue Dauerausstellung, die Serrano gewidmet ist und die künstlerische Landschaft des Museums erneuert. Dieses Ereignis markierte die Aufnahme neuer Werke in die Dauerausstellung und eine Erneuerung der Ausstellungsroute mit dem Ziel, eine umfassendere und tiefgreifendere Vision der umfangreichen Karriere des Künstlers zu bieten. Die Ausstellung beginnt mit den figurativen Werken und führt durch die wichtigsten Serien des Künstlers, wie Hierros, Quema del objeto, Ritmos en el espacio, Hombres con puerta, um nur einige zu nennen. Ein Schwerpunkt der 1960er Jahre ist die Serie Bóvedas para el Hombre, die sich durch konkave und unregelmäßige Strukturen auszeichnet, die an das Bild von Höhlen erinnern. Die Werke, von denen 23 auf der XXXI. Internationalen Ausstellung der Biennale von Venedig 1962 ausgestellt wurden, symbolisieren den Fokus des Bildhauers auf den Menschen und seine Existenz. Die Werke von Pablo Serrano haben sich im Laufe seiner Karriere ständig weiterentwickelt, da der Künstler stets bestrebt war, über die Idee, das Objekt und den kreativen Prozess selbst nachzudenken. Die Bildhauerei und die Zeichnung waren für ihn nicht nur Ausdrucksmittel, sondern echte philosophische Werkzeuge, um seine Anliegen über die Menschheit zu vermitteln, Emotionen zu transportieren und die Kommunikation mit dem Publikum anzuregen.

Im monografischen Museum des Bildhauers, demIAACC Pablo Serrano in Zaragoza, befindet sich die ständige Ausstellung der Werke des Künstlers. Darunter befindet sich auch der Stier aus dem Jahr 1949, ein Werk, das einen radikalen Richtungswechsel für Pablo Serrano darstellt, der sich von den traditionelleren Figurationsmodellen entfernt. Es gehörtzur Serie der Toros, deren Entwürfe in Montevideo entstanden sind und von denen die meisten nach der Übersiedlung des Bildhauers nach Spanien im Jahr 1955 gegossen wurden. In dieser Skulptur vereinfacht Serrano die Form des Stieres vollständig und reduziert sie auf einen prismatischen Block, um das Wesen des Tieres zu erfassen. Das Werk verdeutlicht Serranos Beherrschung der Schematisierung und Geometrisierung von Formen und stellt einen bedeutenden Schritt in Richtung Abstraktion dar. Dieser Ansatz erinnert an die formale Vereinfachung der Stierfigur, die Pablo Picasso 1945 in einer Serie von 11 Lithografien schuf. Zwischen 1970 und 1973 griff Serrano das Thema des Stieres erneut auf und schuf mehrere kleinere Auflagen, womit er seinen Beitrag zur Darstellung dieses ikonischen Symbols in der Geschichte der modernen Kunst festigte.

Die Sammlung umfasst auch das Werk Hombres-Bóveda von 1962, das eine Weiterentwicklung der vor 1960 begonnenen Bóvedas Para el Hombre darstellt. Dieses Werk zeugt von den früheren Überlegungen Pablo Serranos über den Menschen und das Konzept der Behausung, die ihn nun dazu brachten, über die Vereinigung zweier grundlegender Konzepte nachzudenken: das Individuum und den Raum. Für die Schaffung dieser Skulptur wandte Serrano ein Verfahren an, bei dem zunächst der Ton geknetet und dann die Bronze gegossen wurde. Seine Absicht war es, zwei verschiedene Räume klar zu unterscheiden: das Äußere, das als sterblich, roh und wild dargestellt wird und einem menschlichen Torso ähnelt, und das Innere, das hell und glänzend ist und durch glänzendes Metall charakterisiert wird und den Geist, die Seele und den Sitz des Lichts darstellt. Letzteres ist eine leuchtende Metapher für das, was in jedem Mann und jeder Frau steckt. Mit diesem Werk bietet Serrano eine tiefgründige Reflexion über die Dualität des Menschen, indem er die Komplexität seines Wesens und seine Beziehung zum Raum, der ihn umgibt, erforscht, indem er das Innere und das Äußere, das Materielle und das Immaterielle in einem künstlerischen Ausdruck sichtbar macht, der zur Kontemplation und zum Nachdenken über das menschliche Dasein einlädt.

Quema del Objeto, das ebenfalls Teil der Dauerausstellung ist, gehört zur gleichnamigen Serie, die von Serrano zwischen 1957 und 1959 konzipiert und Mitte der 1970er Jahre vom Künstler aufgegriffen wurde. Die Serie, die sich mit dem Thema des brennenden Denkmals befasst, zeichnet sich durch ihre Interpretation des Raums aus, sowohl konzeptionell als auch auf dem Gebiet der bildenden Kunst, indem sie die Bedeutung der Leere untersucht, die nach der Räumung eines Raums zurückbleibt. Serrano verleiht dieser Reflexion eine metaphysische Dimension, die von der “Präsenz der Abwesenheit” spricht. Eine der Techniken zur Vermittlung dieses Konzepts bestand darin, eine Skulptur zu schaffen, die ein Herz aus Holz oder Pappe enthielt, das nach der Verbrennung der Skulptur im Rahmen einer öffentlichen Veranstaltung verschwinden sollte. Dieses Spektakel wurde in den 1970er Jahren populär, als die ersten feurigen Denkmäler geschaffen wurden, die von diesen besonderen Veranstaltungen begleitet wurden. Die Würfelform, die von einem Dreibein getragen wird, ist eine der Formen, die Serrano für die Monumente verwendet, die an verschiedenen Orten aufgestellt wurden, darunter in Alcañiz, im Freilichtmuseum für zeitgenössische Kunst in Aracena und in der Halle des Kulturzentrums Nicolás Salmerón in Madrid. Diese Werke verkörpern nicht nur das Konzept des Quema del Objeto, sondern zeugen auch von der konzeptionellen Kühnheit und künstlerischen Ausdruckskraft von Pablo Serrano, der traditionelle Konventionen in Frage stellt, um einen Dialog zwischen dem Materiellen und dem Ephemeren, zwischen Gegenwart und Abwesenheit, zwischen Kunst und Betrachter zu schaffen.

Unidad-Yunta, 1973, in der Sammlung desIAACC Pablo Serrano, besteht aus zwei separaten, voreinander angeordneten Volumen. Die Stirnseiten dieser Volumen bilden Profile, die sich gegenseitig ergänzen, wenn sie zusammenkommen, und symbolisieren so die gegenseitige Kommunikation. Obwohl das Konzept der Einheit symbolisch dargestellt wird, sind beide Teile an der Basis verankert, so dass sie sich nicht physisch verbinden können. Serrano wendet eine unterschiedliche Oberflächenbehandlung der Materialien an, die eine besondere Bedeutung innerhalb der Serie hat. Die brünierte Bronze der Vorderseite, wo die Kommunikation stattfindet, wird zarter behandelt, während der äußere Teil mit einer rauen Oberfläche und einer dunklen Patina versehen wird, die einen Kontrast zum Glanz der Innenseite bildet. Formen, die durch Innenräume miteinander verbunden sind, die sich aneinander anpassen und zusammendrücken, können sich in eine Gemeinschaft integrieren oder eigenständige Individuen bleiben. Das Werk verkörpert somit die Komplexität menschlicher Beziehungen und das Potenzial für Verbindung und Kommunikation, das zwischen Individuen besteht, während gleichzeitig ihre Individualität und Integrität respektiert wird.

In der Zeit zwischen 1957 und 1959, als der Künstler auch an den Quemas arbeitete, schuf er Drama del Objeto, das heute im Museum Pablo Serrano IAACC ausgestellt ist. In diesem Werk reflektiert der Künstler mit einem stark expressionistischen künstlerischen Ansatz über den Raum. Die daraus resultierende Skulptur besteht aus einem Messingkubus mit einer offenen Seite, an der drei Seiten Risse aufweisen, die den Blick auf das Innere freigeben. Aus diesem Innenraum ragen Metallstäbe hervor, die Hauptlinien in die Leere projizieren und so den geometrischen Körper des Werks abgrenzen. Drama del Objeto ist somit eine Erkundung der Interaktion zwischen Form und Raum, mit einer intensiven expressiven Ladung, die sich aus der Verwendung von Materialien und der Anordnung von Linien und Formen ergibt. Serrano stellt das traditionelle Konzept der Skulptur in Frage und schafft ein Werk, das ein Gefühl von Bewegung und Spannung hervorruft und den Betrachter dazu einlädt, über die Bedeutung und die Wahrnehmung des Raums im künstlerischen Bereich nachzudenken.

Das Werk Muchacho al Sol von 1954 stellt eine kleinere Version der Skulptur Sol dar, die Pablo Serrano 1955 auf der 3. Bienal Hispanoamericana de Arte in Barcelona präsentierte, wo er Uruguay vertrat. Auf dieser Ausstellung erhielt Serrano zusammen mit Angel Ferrant den Großen Preis für Bildhauerei ex aequo. Dieses Werk stellt einen bedeutenden Moment in Serranos künstlerischer Entwicklung dar, da es die expressionistische Sprache in seine Bildhauerei einführt. Dies geschah in den Jahren vor seiner Rückkehr nach Spanien im Jahr 1955, nachdem er mehr als zwanzig Jahre auf dem amerikanischen Kontinent verbracht hatte. In dieser Zeit begann Serrano, sich als renommierter Künstler zu profilieren und seinen Ruf durch Auszeichnungen und institutionelle Aufträge zu festigen. Muchacho al Sol stellt somit einen wichtigen Wendepunkt in der Karriere des Künstlers dar und markiert den Beginn seines Aufstiegs in der Kunstwelt und seiner Etablierung als einer der großen Bildhauer seiner Zeit.

In Zaragoza auf den Spuren von Pablo Serrano, spanischer Bildhauer des 20.

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