Zehn Dinge, die man über Robert Mapplethorpe wissen sollte

Robert Mapplethorpe (New York, 1946 - Boston, 1989), eine emblematische und provokative Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts (zu sehen in den Stanze della Fotografia in Venedig mit Robert Mapplethorpe. Jahrhunderts (zu sehen in den Stanze della Fotografia in Venedig mit Robert Mapplethorpe, The Forms of the Classic, vom 10. April 2025 bis zum 6. Januar 2026), hat ein unverwechselbares künstlerisches Vermächtnis hinterlassen, das Verführung und Glamour in einer Bildsprache zu vereinen vermag, die gesellschaftliche und moralische Konventionen offen in Frage stellt. Seine Fotografien, die vom Porträt bis zum Stillleben, vom Akt bis zur Erkundung der erotischen und sadomasochistischen Sphäre reichen, beschränken sich nicht auf eine rein ästhetische Darstellung, sondern sind tiefgründige Reflexionen über kontroverse Themen wie Homosexualität, Sexualität und Identität. Die amerikanische Schriftstellerin Joan Didion hat seine Kunst meisterhaft zusammengefasst, indem sie Mapplethorpes Fähigkeit hervorhob, eine klassische Form auf “undenkbare” Bilder anzuwenden und so einen visuellen Kurzschluss zu schaffen, der die Ausdruckskraft seiner Werke verstärkt.

Mapplethorpe war ein kompletter Künstler. Von seinen künstlerischen Wurzeln, die vom Minimalismus und der klassischen Tradition beeinflusst sind, bis hin zu seiner akribischen fotografischen Technik, die auf der Konstruktion des Bildes und einer wahnsinnigen Liebe zum Detail beruht, war Mapplethorpe in der Lage, gewagte Provokationen zu inszenieren, und er ist bekannt für seine Fähigkeit, den menschlichen Körper in ein Kultobjekt zu verwandeln und ihn zu einem Symbol der Schönheit und des Begehrens zu erheben. Er hat es verstanden, innere Zerrissenheit in ein öffentliches Phänomen zu verwandeln, indem er die Erotik zu einer Kunstform erhob und die Konventionen einer Gesellschaft herausforderte, die oft in ihren eigenen Vorurteilen gefangen ist. Seine Figur ist auch oft von Klischees betroffen, die ihn zu einem einfachen provokativen Fotografen degradieren: Stattdessen müssen wir dem amerikanischen Fotografen die Komplexität und Tiefe eines Künstlers zurückgeben, der in der Lage war, die Fotografie in ein Instrument der inneren Erforschung und der sozialen Denunziation zu verwandeln. Wie Germano Celant feststellte, konnte Mapplethorpe dank eines “klassischen Verfahrens, das auf die Wurzeln der Kunstgeschichte von der griechischen Kultur bis zur Moderne zurückgreift und sich in der plastischen Realität seiner Bilder und der statuarischen Darstellung der abgebildeten Körper widerspiegelt”, vermeiden, vom Abgrund verschluckt zu werden. Der Tornado aus Schatten und Perversion, der ihn zu verschlingen drohte, hat sich dank der räumlichen und geometrisch definierten, fast antiken konstruktiven Rationalität seiner Sujets gelegt".

Hier sind also zehn Dinge, die man über Robert Mapplethorpe wissen sollte, auf einer Reise durch die Erfahrung des Klassischen, das Ideal der Schönheit und die Suche nach der Darstellung des Begehrens, drei grundlegende Schlüssel zum Verständnis seiner Kunst.

1. Seine Fotografie befasst sich mit kontroversen Themen

Robert Mapplethorpe wird allgemein als einer der einflussreichsten und provokantesten Fotografen des 20. Sein Stil ist unverkennbar: Er verbindet Glamour und Verführung in einem scheinbar unvereinbaren Dialog, einem Widerspruch, der ästhetische und moralische Konventionen in Frage stellt. Seine Fotografien, die sich durch eine fast skulpturale formale Perfektion auszeichnen, behandeln Themen, die als kontrovers gelten, wie Homosexualität, Erotik und explizite Sexualität. Joan Didion, die berühmte amerikanische Schriftstellerin, wies darauf hin, dass Mapplethorpe in der Lage war, eine klassische Form auf “undenkbare” Bilder anzuwenden und so einen Kontrast zu schaffen, der die visuelle Kraft seiner Werke noch verstärkt.

Dieser Ansatz beschränkt sich nicht auf die oberflächliche Schönheit der Bilder, sondern lädt das Publikum zum Nachdenken über tiefgreifende und oft unbequeme Themen ein. Mapplethorpe hat die Fotografie in ein Instrument zur persönlichen und sozialen Erkundung verwandelt und nutzt das Medium, um kulturelle Tabus zu hinterfragen und die menschliche Vielfalt zu feiern. Sein Werk stellt eine Herausforderung für die Gesellschaft des späten 20. Jahrhunderts dar, da es sich dem Zwang zur Verleugnung entzieht, den die konventionelle Moral auferlegt, wenn es um Sex und Körperlichkeit geht. Der intime Aufruhr, den der Autor spürt, wenn er in seine innere Landschaft eindringt, verändert den Zustand und wird öffentlich bekannt. “Mapplethorpe”, schrieb Denis Curti, “stellt das dar, was die Gesellschaft des späten zwanzigsten Jahrhunderts - und in einigen Fällen sogar die Gesellschaft, in der wir heute leben - zu beseitigen sucht; mit anderen Worten, er entzieht sich dem Zwang zur Verleugnung, den die konventionelle Moral auferlegt, wenn man über Sex und Körperlichkeit spricht. Auf diese Weise wechselt der intime Aufruhr, den der Autor durch das Eintauchen in seine innere Landschaft spürt, seinen Zustand und wird öffentlich bekannt. Das Lob des Begehrens und die Poetik des Körpers werden so zu wirksamen Mitteln der Selbsterkenntnis”.

2. Fotografie war für Mapplethorpe eine Art Performance

Für Mapplethorpe war die Fotografie nicht einfach nur ein Mittel zur Aufnahme von Bildern, sondern eine authentische Performance. Jede Aufnahme war das Ergebnis eines akribischen Prozesses, bei dem nichts dem Zufall überlassen wurde. Sein Studio wurde zu einer künstlichen Bühne, auf der der Fotograf jedes Detail mit wahnwitziger Präzision inszenierte. “Von mir fotografiert zu werden, wird zu einem Ereignis.... Ich habe alles vollständig unter Kontrolle. Es gibt keine Schnappschüsse. Nichts wird dem Zufall überlassen. Es findet eine Art Performance zwischen mir und meinem Objekt statt”, erklärte Mapplethorpe.

Diese totale Beherrschung der Szene ermöglichte es ihm, Bilder zu schaffen, die sowohl konstruiert als auch aufrichtig waren, in denen die Unnatürlichkeit der Komposition in eine Form von emotionaler Wahrheit überging. Die Beziehung zwischen dem Fotografen und seinen Motiven verwandelte sich in eine Art Ritual, eine einzigartige Performance, die sich in der visuellen Kraft seiner Werke widerspiegelte. Seine Fähigkeit, jedes Element der Fotografie zu kontrollieren - von der Pose des Motivs bis zur Qualität des Lichts - zeugt von einer absoluten Hingabe an die künstlerische Perfektion.

3. Form und Intensität sind zwei grundlegende Konzepte für das Verständnis seiner Kunstwerke

Zwei grundlegende Konzepte für das Verständnis von Robert Mapplethorpes Werk sind Form und Intensität. Diese Prinzipien leiteten jeden Aspekt seiner Arbeit, von der Wahl der Themen bis zur Komposition der Bilder. Die Form war für ihn ein absoluter Wert: Er strebte in seinen Fotografien nach geometrischer Perfektion und ließ sich dabei oft von der klassischen Statuistik inspirieren. Ein emblematisches Beispiel ist der berühmte Torso von 1988, der an die harmonischen Proportionen der Renaissance-Skulpturen erinnert.

Die Intensität jedoch entstand aus Mapplethorpes Fähigkeit, die emotionale Essenz seiner Motive einzufangen und jedes Bild zu einem Erlebnis für den Betrachter zu machen. Seine Hasselblad-Kamera - ein manuelles Instrument, das große Präzision erfordert - ermöglichte es ihm, die Beziehung zwischen den Teilen der Komposition zu sublimieren und perfekt ausgewogene Bilder zu schaffen, die Zeit und Raum überwinden.

4. Es gibt wiederkehrende Themen in seiner Kunst

Robert Mapplethorpe hat sich in seinem Werk mit einer breiten Palette von Themen auseinandergesetzt, aber bestimmte Themen kehren mit besonderer Beharrlichkeit wieder und werden fast zu Markenzeichen seines Stils. Dazu gehören Porträts, Stillleben und Akte, die er jeweils mit einer einzigartigen Herangehensweise und unverwechselbarer Sensibilität bearbeitet. Vor allem seine Aktbilder sind oft von einer fetischistischen und sadomasochistischen Ästhetik durchdrungen, die sie zugleich anziehend und verstörend macht. Mapplethorpe hat es verstanden, die Sinnlichkeit des menschlichen Körpers, des männlichen wie des weiblichen, mit einem Blick zu zelebrieren, der an den Klassizismus erinnert, aber gleichzeitig hat er nicht gezögert, die dunkleren Gefilde des Begehrens und der Perversion zu erkunden.

Die Frontalität seiner Bilder, die fast wahnsinnige Aufmerksamkeit für anatomische Details, die Sorgfalt bei der Komposition und der Beleuchtung tragen dazu bei, eine Atmosphäre intensiver erotischer Aufladung zu schaffen, die gesellschaftliche Konventionen und moralische Heucheleien herausfordert. Mapplethorpe wagte es, explizit sexuelle Motive zu fotografieren, wobei er den Blick objektivierte und neue Horizonte für die Darstellung des menschlichen Körpers eröffnete. Ebenso integrierte er afroamerikanische Figuren in die Tradition der Kunstfotografie, brach mit dem vorherrschenden ästhetischen Kanon und gab einer oft marginalisierten Minderheit eine Stimme.

5. Blumen gehörten zu seinen Lieblingssujets: Hier ist der Grund dafür

Fotografien von Blumen nehmen in Robert Mapplethorpes künstlerischem Schaffen einen besonderen Platz ein. Diese scheinbar einfachen und harmlosen Motive werden in seinen Händen zu kraftvollen Metaphern für Schönheit, Zerbrechlichkeit und Sinnlichkeit. Mapplethorpe ist in der Lage, Blütenblätter und Stängel in Kunstwerke von außerordentlicher emotionaler Intensität zu verwandeln, die dieselben Leidenschaften und Aufregungen hervorrufen, die auch in seinen Aktfotos und Porträts zu finden sind.

Jede Blume ist mit einer fast wissenschaftlichen Präzision fotografiert, mit einer wahnsinnigen Aufmerksamkeit für Details, Schatten, Licht und Textur. Mapplethorpe hielt jede einzelne Variation fest, sei es die Epidermis, Blätter, Blütenblätter, Steine, Schädel oder Muscheln, und nutzte das Licht, um denselben Effekt wie bei den Akten zu erzielen, die oft mit Chrompigmenten überzogen sind, um ihre materielle Qualität zu verstärken. Für ihn sind Blumen nicht nur dekorative Objekte, sondern universelle Symbole für Leben und Tod, für Schönheit und Vergänglichkeit.

6. Die klassische Kunst war für Mapplethorpe von großer Bedeutung

Mapplethorpes Fotografie ist tief in der klassischen Tradition der westlichen Kunst verwurzelt. Universelle Werte wie Perfektion, Gleichgewicht und Maß durchdringen seine Werke und machen sie zeitlos und universell. Durch den bewussten Einsatz von Symmetrie und Geometrie gelang es Mapplethorpe, Bilder zu schaffen, die in einen Dialog mit der Kunstgeschichte treten: von den Mythen der griechischen Antike über die Akademien der Renaissance bis zum zeitgenössischen amerikanischen Minimalismus.

Diese Verbindung zwischen Antike und Moderne ist zentral für sein Werk und einer der faszinierendsten Aspekte seines Schaffens. Für Mapplethorpe ist der Rückgriff ein bewusstes Projekt. In ihm verbinden sich universelle Werte wie Perfektion, Maß, Gleichgewicht, Intensität und Natürlichkeit. “In ihm”, schreibt Alberto Salvadori, “verbinden sich universelle Werte wie Vollkommenheit, Maß, Gleichgewicht, Intensität und Natürlichkeit. Es sind Werte, die seit jeher dem ’Klassiker’ zugeschrieben werden und die als immerwährend und aktuell verstanden werden. Darin und deshalb ist seine Fotografie klassisch: Es sind zeitlose Bilder, die sich der Natur historisch bestimmter Produkte entziehen. Sein Werk ist auch deshalb klassisch, weil wir durch es unser Wissen über die Vielfalt und Komplexität seines Lebens und seiner historischen Erfahrung erweitern. Mapplethorpes Werk ist ein Spiel des Gleichgewichts zwischen Materie und Geist, in dem es immer wiederkehrende Themen und Anspielungen gibt: die Beziehung zwischen Altertum und Gegenwart, Mythos und Realität, Skulptur und Haut, Ekstase und Qualen. Ein ikonisches Universum, das auch mehr als dreißig Jahre nach seinem Tod nicht aufhört, zu faszinieren”.

7. Selbstporträts sind für ihn ein Instrument der Introspektion

Selbstporträts sindeiner der intimsten und emblematischsten Aspekte im Werk von Robert Mapplethorpe. Mit diesen autobiografischen Aufnahmen erkundet der Fotograf seine eigene Identität mit Kühnheit und Verletzlichkeit. Die Selbstporträts sind nie bloße physische Darstellungen, sondern echte visuelle Manifeste, Werkzeuge der Selbstbeobachtung und Selbsterforschung , die Themen wie Erotik, Sterblichkeit und sexuelle Ambiguität untersuchen. In einigen berühmten Selbstporträts - wie dem, in dem er Frauenkleider trägt, oder dem, in dem er sich mit einer Peitsche präsentiert - stellt Mapplethorpe gesellschaftliche und ästhetische Konventionen in Frage, um Bilder zu schaffen, die sowohl provokativ als auch elegant sind.

In diesen Selbstaufnahmen inszeniert der Künstler sein eigenes Bild und verwandelt es in ein Symbol der Rebellion und der expressiven Freiheit. Mapplethorpe hat es verstanden, seinen eigenen Körper als Untersuchungsinstrument zu nutzen und die Grenzen zwischen Identität und Darstellung zu erforschen. Seine Selbstporträts sind ein Spiegel seiner Seele, eine Einladung, über den Schein hinauszuschauen und sich mit den Grauzonen der menschlichen Existenz auseinanderzusetzen.

8. Die fotografische Technik: ein “Regiemodus” zur Sublimierung der Realität

Robert Mapplethorpe verstand sich nicht als bloßer Abbildner der Wirklichkeit, sondern als Bildgestalter. Sein fotografischer Ansatz, den er als " directorial mode" bezeichnete, beruhte auf der totalen Kontrolle über die Szene, von der Wahl der Motive bis zur Komposition, von der Beleuchtung bis zur Pose. Jedes Detail wurde genau studiert und kalibriert, um ein Endergebnis zu erzielen, das seine künstlerische Vision widerspiegelte. Für Mapplethorpe stellte das Negativ den Höhepunkt eines langen kreativen Prozesses dar: Einmal entwickelt, gab es keinen Raum für Änderungen oder Zweifel. Die Abzüge hingegen waren ein Experimentier- und Forschungsfeld, ein geistiger Ort, an dem die notwendigen Bearbeitungen vorgenommen werden konnten.

Der Auswahlprozess war von grundlegender Bedeutung: Auswahl als Arbeitsmethode. Die Polaroids, die vor allem zu Beginn der Arbeitssitzungen verwendet wurden, dienten als “Notizbuch”, als Werkzeug, um Ideen zu notieren und Kompositionen zu definieren. Später passte Mapplethorpe dies an die quadratische Form seiner treuen Hasselblad an, einer Kamera, die ihm eine noch größere Kontrolle über das endgültige Bild ermöglichte. Er las Körper und Volumen wie ein Bildhauer, indem er sie in Pose setzte, um volumetrische Effekte zu erzeugen, geleitet von einem präzisen Muster. Die Wiederholung mit leichten Variationen wurde zum Schwerpunkt seiner Arbeit, und im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen verlieh Mapplethorpe seinen Bildern durch lange Belichtungszeiten von bis zu 20 Sekunden eine starke Intensität, besessen von der Qualität.

9. Mit seiner Beziehung zwischen dem Sakralen und dem Profanen interpretierte er sein katholisches Erbe neu

Die Herkunft aus einer sehr religiösen katholischen Familie beeinflusste Robert Mapplethorpes Werk zutiefst und führte zu einer kühnen und aufrüttelnden Mischung aus dem Heiligen und dem Profanen. Diese Dichotomie manifestiert sich in seiner Erforschung des menschlichen Körpers, der zum Objekt der Verehrung und der Begierde erhoben, aber auch in seiner Zerbrechlichkeit und Sterblichkeit untersucht wird. Mapplethorpe verstand es, die für die katholische Tradition charakteristische Spannung zwischen Spiritualität und Fleischlichkeit, zwischen Sünde und Erlösung in Bilder umzusetzen.

Seine Fotografien werden so zu einer Art heidnischem Ritus, in dem der Körper zu einem Symbol der Schönheit und Transzendenz erhoben, aber auch der Verletzlichkeit und dem Schmerz ausgesetzt wird. Denis Curti zufolge löst Mapplethorpe “im Bewusstsein der Betrachter seiner Kompositionen einen ständigen Übergang vom Diabolischen zum Erhabenen, von der Anziehung zu ihrer konsequenten Sublimierung aus. Das Ergebnis ist die wiederholte Inszenierung einer Zeremonie”.

10. Perfektion als oberstes Ziel

Die Besessenheit von technischer Qualität war für Mapplethorpes Arbeit von zentraler Bedeutung: Jedes Bild musste perfekt scharf sein, die Schatten an der richtigen Stelle, nichts Zufälliges, rechte Winkel und senkrechte Linien, keine Unregelmäßigkeiten. Für Mapplethorpe war Perfektion keine technische Virtuosität, sondern ein ethisches Erfordernis, eine Art, der Schönheit der Welt zu huldigen und seine künstlerische Vision mit äußerster Klarheit zu vermitteln. Dieses Streben nach Perfektion äußerte sich in einer wahnsinnigen Liebe zum Detail, einer obsessiven Kontrolle der Komposition und der Beleuchtung sowie einer krampfhaften Sorge um den Druck und die endgültige Präsentation des Werks. Durch die Verschmelzung all dieser Elemente entstanden die perfekten Fotografien, die er wollte. Perfektion und Schönheit wurden so zu komplementären Begriffen wie Form und Intensität.

Heute bleibt sein Blick, so Denis Curti, “einzigartig und unwiederholbar, weil er den kollektiven Wunsch enthält, einen Ort zu finden, an dem man sich ohne Vorurteile die notwendigen Räume wieder aneignen kann, um sich in völliger Freiheit auszudrücken. Die Fotografien haben die Aufgabe, die Vergänglichkeit der Gefühle in die Konkretheit der Erfahrungen zu übertragen. [...]. In seiner kurzen Existenz geschahen die Dinge alle auf einmal. Als wollte er sagen: Das Leben verläuft oft nicht auf kontinuierlichen, parallelen Bahnen”.

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